Equilibrio Ambiente / Flash: Unas pocas palabras bastan

A estas alturas, muchos de vosotros habéis leído en múltiples ocasiones la descripción detallada del proceso para lograr una luz ambiente equilibrada con los flashes. Y me gustaría poder avanzar un poco.

Hoy voy a intentar hacer dos cosas:

1. Encontrar un método para comunicar y/o entender rápidamente como se ha equilibrado una determinada foto.

2. Dejar de tener que repetir continuamente como he llegado a un determinado balance entre flashes y luz ambiental cuando las mezclo en alguna foto. Lo que ocurre prácticamente cada vez que hago una foto.

Primero debo hacer una confesión. Muchas veces cuando intento explicarle a alguien como he iluminado una foto, generalmente quieren saberlo todo sobre ella -- velocidad de disparo, ISO, apertura, potencia de los flashes, etc.

Y siendo honesto con todos vosotros -- la mayoría de las veces no tengo ni idea de cuales eran los valores empleados. No es que los halla olvidado. Es que no me preocupan en absoluto, y por eso ni me he fijado en ellos.

No bromeo, si le preguntas a cualquier fotoperiodista profesional "¿Cual es tu apertura favorita?", inmediatamente se darán cuenta de que eres uno de esos aficionados que se cuelan a nuestro lado en los partidos de fútbol. Nosotros no pensamos realmente en esos números.

La verdad sea dicha, nunca pienso en términos de valores absolutos de apertura o de velocidad de disparo. No son importantes. Es la relación entre los diferentes niveles de luz lo que realmente es importante.

Cojamos por ejemplo la foto de mi amigo Shadi, que aparece arriba. Fue hecha en una tarde calurosa, sin color, en Dubai. El proceso seguido para hacer esta foto fue el siguiente:

1. Encontrar el valor de exposición para la luz ambiente. (Eso es fácil - saca una imagen en automático, o en manual consigue que el fotómetro de la cámara marque "cero")

2. Ahora ya trabajando en manual, pon la cámara para subexponer dos pasos.

3. Pon el balance de blancos en tungsteno, con lo cual nos llevamos toda la escena, desde el gris oscuro a azul oscuro.

4. Ilumina a Shadi desde delante con un flash en el que has puesto un CTO (más otro 1/4 CTO para añadirle una tonalidad más cálida a la piel)

5. Añade otros dos flashes desnudos y sin filtros para crear las luces laterales de resalte (rim lights) expuestos unos 2 EV por debajo de la luz principal. Esta es la proporción de luz que llega a Shaid, teniendo en cuenta que los geles absorben luz, esos flashes laterales seguramente estarían disparando entre -3 EV y -3 1/2 EV.

Si estuviese hablando con otro profesional sobre esta foto, en lugar de contar todo esto, simplemente le hubiese dicho:

"Bajamos el ambiente en dos pasos, disparamos en tungsteno con un CTO en la luz principal (y un cuarto más) y dejamos los rim lights sin geles, unos dos pasos por debajo de la principal"

Esta frase me dice todo lo que necesito saber, porque empieza por una referencia no explícita y asumida por todos: La luz principal es la que determina la exposición correcta.

¿Cuales eran los valores exactos de apertura, velocidad y sensibilidad?. No los recuerdo, y no me preocupa. Simplemente no son tan importantes.

Lo que es importante es la relación entre la exposición del flash y la exposición del ambiente: alrededor de dos pasos (dos EV). Y solo para hacer las cosa más compleja, el echo de que desplazamos la clave de color usando el balance de blancos en tungsteno, filtramos la luz clave y dejamos sin filtrar las de borde.

Comprender este modo abreviado de pensar, incrusta en tu cabeza que es la relación entre las luces lo que importa -- no los valores absolutos.

Hay dos ratios de potencias a considerar: la relación entre la luz clave y el ambiente y la relación entre la luz clave y los flashes de relleno (o de fondo)

Dado que nuestro primer ejemplo es un poco complejo, vamos a revisar algunas de las fotos que ya se han visto en el blog, pensando y contando de manera abreviada el balance empleado.

"Ambiente de vapor de sodio. Fotografíado con balance en luz diurna, subexponiendo el túnel de viento en 1 2/3 EV, flash desnudo detrás de las palas de la turbina, sobreexpuesto alrededor de un paso"

Así, que esto nos dice que el punto de referencia para la exposición está realmente entre la exposición para el flash y la ambiente. Esta foto subexpone 1 2/3 EV el ambiente y la zona iluminada por el flash está sobreexpuesta 1 EV.

El ambiente es 1 2/3 pasos bajo -- con el color inadecuado para el balance puesto en la cámara -- y mi flash está sobreexpuesto. Esta foto debería apestar ¿no es así?

Sinceramente, si alguna zona de la foto estuviese "correctamente" expuesta, no sería tan interesante. La cosa a recordad es que elegí estos valores relativos de brillos, sin estar encadenado al fotómetro de la cámara o al valor "adecuado" medido por un flashimetro.

(Puedes leer más sobre esta imagen, incluido esos prescindibles valores de apertura y velocidad aquí)

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Vamos a intentarlo de nuevo

"Balance diurno en una sala con tungsteno. Expuesta para el flash debajo del bol naranja sobre la cara de Chris y bajando la sala en un paso y medio"

¿Cual es mi punto de referencia? La iluminación con flash de la cara de Chris. Puse el flash debajo del bol con poca potencia, disparé un par de imágenes hasta que conseguí la apertura correcta (más fácil de ajustar que la potencia del flash). Y entonces puse la velocidad de disparo necesaria para bajar la componente ambiental en un paso y medio.

Desde el punto de vista técnico, supongo que tendría que haber empleado el balance de blancos de luz incandescente, pero ¿por qué deshacerme de todos esos colores surrealistas?. Además ¿habéis visto el tono de piel natural de Chris Hurtt por la noche en el bar de un hotel de Dubai?

Pues eso.

Si piensas sobre el flash y el ambiente en términos de sus intensidades relativas (en lugar de pensar en valores absolutos), no solo hace más fácil el destripar las fotos que han hecho otros, sino que te facilita previsualizar las tuyas antes de hacerlas.

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Algunas veces, se trabaja tan lejos del ambiente que este no aparece en la imagen en absoluto. Necesitas transmitir esa información. Pero dado que estás muy por encima del ambiente, lo que no tiene importancia es si estás 5 EV o 12 EV:

"Matamos el ambiente; paraguas a la izquierda de la cámara, un gobo para controlar el reflejo en el armario; flash anular de relleno unos 2 pasos por debajo"

¿Cual fue el ISO? ¿La apertura? ¿La potencia del flash?

No me acuerdo, y no me importa. Porque todo lo que necesitas saber para reproducir este aspecto es lo que te he contado en la descripción anterior. Y si empiezas a pensar en tus fotos de este modo, te darás cuenta de que la iluminación es cada vez más sencilla.

(Puedes leer más sobre este encargo en este artículo)

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Ok, una más:

"Expuesta para los flashes en el helicóptero -- uno en la cabina delantera, dos en la trasera -- y bajado el ambiente en tres pasos"

Y no hay nada más. Eso te dice todo lo que necesitas saber sobre como está iluminada y expuesta esta imagen.

De nuevo los valores absolutos no importan, desde el punto de vista de analizar la imagen. Puedes usar los que quieras buscando una determinada profundidad de campo, o congelar las palas del rotor. Lo que quieras.

(Detalles sobre este encargo en este otro artículo)

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Así que ¿tiene sentido todo esto? Espero que sí, porque vas a verlo muy a menudo en este blog a partir de ahora.

No te preocupes, este blog no se va a transformar en entradas de solo tres frases desde ahora (eso quisierais) Aún hay un montón de cosas de las que hablar cuando se trata de crear la iluminación de una foto. Es simplemente, que no necesitamos reinventar la rueda una y otra vez.

En lugar de eso, te daré la información necesaria para que pienses por ti mismo y me remitiré a esta página para ayudar a los principiantes.

Ya se que la mayoría de la gente que lee este blog son aficionados. Pero como esto ya lo hemos hecho muchas veces, vamos a empezar a hablar y pensar como profesionales. Y si resulta que acabas de llegar y todo esto te suena a chino, aquí tienes algunos enlaces que te pueden servir de referencia para que explores todo este asunto del equilibrio de luces.

:: Lighting 101: Equilibrio de intensidades ::
(parte 1 de 2, principiantes)

:: Lighting 102: Equilibrando la luz | atardeceres ::
(parte 1 de 5, nivel intermedio)

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Lighting 102: Unidad 7.2 - Discusión sobre Tiempo embotellado

Pues aquí estamos, justo en el último encargo del Lighting 102. Esta serie nos ha llevado más de un año y ya es hora de echar el cerrojo.

Pero primero, vamos a pegarle un vistazo a vuestras fotos para el encargo de Tiempo Embotellado. Tal y como recuerdo, teníais que hacer una foto, haciendo uso del control temporal de la luz. Además de eso, estaba en juego un paquete de DVD, solo para hacerlo más interesante.

Empezamos con esta foto de un túnel de Noah Bennet. Fue iluminada durante una exposición larga, por alrededor de 270 disparos de flash, los cuales no solo salen en la imagen, sino que iluminan todo el túnel.

No tengo claro de como ha controlado el "flare" en esta toma, pero aparentemente ha descubierto como resolver este problema.

Esta es la imagen de Michael Foy de un poste para rascarse las uñas (los gatos, claro), que fue echa durante otra toma larga mediante montones de disparo del flash desde todas las direcciones.

El efecto final es muy similar al producido por un flash anular, aunque algo más sureal y sutil -- excepto por Molly, el gato fantasma, que aparentemente fue iluminado por uno de los destellos.

Este fubolín tan interesante fue fotografiado por thanmushroom, empleando un único 285HV con un snoot. Iluminó cada uno de los jugadores individualmente en una serie de exposiciones separadas que posteriormente combinó en Photoshop usando el modo aclarar de la composición de capas.

Seleccionar una imagen para los DVD no ha sido fácil. Sobre todo porque la primera foto que seleccioné como ganadora, resulta que se hizo una semana antes de la convocatoria (Grrrr.... tenía el artículo entero escrito ya!). Lo siento, pero no hay puntos extra por ser clarividente.

Y los DVDs van para...

No estoy completamente seguro de cual es el mensaje de Cesar T. Sánchez (también conocido como The Light Whisperer) estaba tratando de enviarnos con esta foto.

Quizás fuese "Si bebes, no conduzcas"

O quizás "Si vas a beber y a conducir, conduce un Ford"

Quien sabe. Pero ese efecto de variación de foco está muy bien. Cesar ha empleado la componente temporal para permitirse mover el foco, desde el modo macro de las llaves iluminadas por el flash, hasta la bebida, a metro y medio detrás para permitir que la luz natural las expusiese. Puedes ver todos los detalles de la toma, aquí.

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Además de Cesar, felicidades a todo el mundo que ha contribuido con todas esas magníficas imágenes a lo largo de todos los encargos del Lighting 102. Os habéis esforzado mucho y la verdad es que se nota. La serie entera del Lighting 102 está archivada con enlaces internos de capítulo en capítulo. Puedes verla toda de una vez empezando por aquí.

Esto pone el punto final al Lighting 102. Este es el último artículo de la serie, pero pronto aparecerá en el blog más material en el que podréis participar. Estad atentos a las novedades.

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Lighting 102: Unidad 7.2 - Tiempo Embotellado

Antes de que nos metamos en el encargo para esta última unidad del Lighting 102, tengo otra técnica más que me gustaría que tuvieseis en cuenta, cuando estéis considerando el tiempo como variable en tus fotos con flash. Es muy útil, porque actúa como multiplicador para todos los que no tenéis tantos flashes como os gustaría.

Dado que el flash puede iluminar cualquier sujeto en un instante -- incluso aunque la exposición dure mucho tiempo -- hay varias técnicas para estirar un flash y transformarlo en varias fuentes cuando se está fotografiando un objeto estático.

Seguramente recordarás la foto de Jonathan Boek del mes de Julio, en la cual se dedico a correr entre los árboles durante una exposición muy larga, disparando el su flash con un gel verde desde detrás de varios árboles. Es una gran idea y muestra claramente, como puedes hacer que un único flash se comporte como una bolsa entera llena de luces.

Pero necesitas un entorno muy oscuro y un tiempo de pose muy largo para que te de tiempo a moverte a cada sitio y disparar el flash. Y si cometes un fallo, la imagen está perdida.

Otro modo de aproximarse a esta técnica es usar la exposición múltiple de tu cámara, si la tienes disponible. Algunas la tienen, otras no. Si tu cámara es capaz de hacer múltiples exposiciones, eso te da un grado de flexibilidad más y la posibilidad de tomarte un tiempo entre cada destello del flash.

Si no tienes tres PowerWizards (uno para dispararlo todo, otro para disparar la cámara en modo repetidor y otro en el flash), necesitaras convencer a un amigo para que vaya pulsando el disparador de la cámara cada vez. Evidentemente, la cámara debe estar en un trípode.

En aquel momento, creamos un tag en Flickr para identificar todas las fotos de quien quisiese probar esta técnica. Puedes ver los resultados aquí.

Para mi versión de la foto del bosque nocturno de Jonathan, elegí la ruta de las exposiciones múltiples, porque así podía controlar mejor la luz ambiental. Cuando hice esta foto, aún había mucha luz del atardecer, pero como cada una de las exposiciones está disparada a 1/250 de segundo, el ambiente está perfectamente controlado.

Incluso hubiese podido poner de fondo una foto hecha con solo luz ambiente, con digamos una subexposición de 3 EV para darle cuerpo a las sombras. Pero me gustaba más así, en negro.

Intenté la técnica de las exposiciones múltiples directamente hasta diez veces y nunca conseguí el resultado deseado. Así que decidí hacer trampa. Utilizo este termino libremente, puesto que no hay "normas" sobre como hacer este tipo de fotos.

Desde mi punto de vista, cualquier herramienta que tengas a tu disposición es jugar limpio. Así que decidí hacer esta exposición múltiple en imágenes separadas que luego he combinado en Photoshop. Hice cada foto por separado, iluminando un árbol diferente. Luego las puse como capas en Photoshop y las combiné utilizando el modo de composición "Aclarar" (lighthen). De esta manera, se comparan las dos capas, pixel a pixel y se elige el pixel más brillante.

Lo que quiere decir que funciona básicamente como una exposición múltiple -- excepto que puedes ajustar cada una de las capas / disparo de flash antes de sumarla a la imagen final. Puedes cambiar el color, la exposición, etc. Es un truco fantástico para fotografiar grandes escenas con un único flash. Yo por ejemplo, empleé el único SB-900 que me dejaron para esta foto. (Se transformo en una calabaza la semana pasada y tuve que enviarlo de vuelta a Nikon).

Muchas gracias al maestro de Photoshop Ben Willmore por indicarme el método de aclarado para la superposición de las capas.

El mejor modo en que puedo explicar la ventaja de poder construir esta exposición, controlando completamente la luz ambiente, es diciendo que esta foto está hecha casi una hora después de la exposición múltiple. A mi me parece que el nivel de control sobre el ambiente que se consigue es bastante elevado, sobre todo considerando que lo estás haciendo con un único flash.

El aspecto tan suave de esta foto, es porque utilicé una lente Holga de plástico (aquí hay más detalles) en la D3. No deja de ser irónico: una lente de 50$ en la D3. Pero me encanta el aspecto de las imágenes cuando lo combino con un flash desnudo.

Y eso es exactamente lo que hice en esta imagen. La cámara en el trípode, ambiente subexpuesto uno o dos EV y exposición de 30 segundos. Simplemente disparé la cámara y me fui al lado derecho del árbol (fuera de la imagen, claro) y disparé el flash manualmente.

La elección de la velocidad de disparo en la exposición múltiple, transformó el día en noche y la velocidad de disparo tan corta en esta segunda imagen, transformó la noche en día. Comprendiendo como se combina la luz ambiente con los flashes te permite hacer cosa así de chulas.

Hablando de hacer cosas chulas

Ha llegado vuestro turno. Ya tienes en tu poder todo lo que os quería contar sobre manipulación del tiempo en las fotografías con flash. Así que para nuestro último encargo del L102, tu trabajo es fotografiar un objeto estático. La imagen debe contener una combinación de flash y algún tipo de manipulación temporal.

Ya lo sé, esto es muy ambiguo. He querido dejarlo asó de abierto porque creo que así será mucho más interesante.

Cuando termine el encargo, elegiré una imagen y el ganador recibirá los DVD del Lighting Seminar, enviados a cualquier lugar del mundo donde resida. Espero que este pequeño obsequio añada más diversión a este último encargo.

Los detalles

La fecha límite es el 20 de Septiembre a media noche, hora local. Por favor, asegúrate de que tu foto está en Flickr y correctamente etiquetada antes de ese momento. Si eres nuevo en Flickr, apúntate ahora mismo (es rápido y gratis) y sube algunas fotos ya, así iras consumiendo la semana de espera que aplican antes de dejar que tus fotos con etiquetas aparezcan en las búsquedas.

Las etiquetas son:

Strobist
Lighting102 (atención: sin espacios)
Assignment
TimeInABottle (atención: sin espacios)

Y para la que consideres tu mejor foto, añade:

Final

Puedes ver todas las que ya ha subido la gente aquí. Las ediciones finales están aquí. Como siempre hablaremos del tema tanto en inglés, como en español.

El jurado estará compuesto por una única persona (David Hobby). La elección se hará basándome en la técnica, la creatividad, cuanto me gustaría haber hecho esa foto a mi, mi disponibilidad general de tiempo, lo que he tomado para desayunar esa mañana, etc.

POR FAVOR: No presentes fotos que ya tienes para ganar los DVD. Me gustaría premiar a la mejor foto hecha específicamente para este encargo. Voy a confiar en vosotros y en vuestra palabra, aunque deberías asegurarte de que los datos EXIF te respaldan...

Mucha suerte a todos, y estoy deseoso de ver lo que sois capaces de hacer.

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Lighting 102: Unidad 7.1 - Flash Zoom y Stone Soup

El término "stone soup" no tiene traducción directa al castellano. Hace referencia aun cuento de los hemanos Grimm cuya moraleja es la cooperación en tiempos de escasez. He preferído dejar la expresión sin traducir. Para más detalles sobre este término se puede consultar la wikipedia

Si recordáis el último artículo del Lighting 102, en él hablamos del movimiento, la rotación y la difusión selectiva como formas de modificar la imagen después de que el flash se haya disparado, pero antes de que se cierre el obturador.

La cuarta manipulación temporal que suelo introducir frecuentemente en mis imágenes es hacer zoom durante la exposición extra. Y el mes pasado, me saqué este truco del cu... sombrero durante la sesión "stone soup" en NYC.

Habiendo lanzado el desafío de que un fotógrafo local me buscase un sujeto y un lugar para fotografiarlo, al principio estaba un poco desilusionado con la respuesta obtenida. Quiero decir, se trataba de Nueva York, por amor de Dios. Debía estar ocurriendo algo interesante por allí.

Entonces apareció Tim Herzog que no tenía una idea, sino cuatro ideas diferentes. Su estrategia: lanzarlo todo contra la pared y ver lo que se quedaba pegado.

Lo que se quedó pegado fue una invitación para subir al tejado de uno de esos impresionantes edificios de apartamentos en Upper West Side con unas vistas magníficas sobre Central Park. No era un mal escenario, ya sabes, si tienes que tratar con la plebe... Aquí tenéis la vista, en dirección noroeste, justo después de que se pusiese el Sol. Es un panorama de cinco fotos hechas con la D300 y pegadas con el CS3 (Gracias por el truco de la panorámica sencilla, Ben!)

Si no te corroe la envidia, puedes pulsar sobre la imagen para verla en todo su esplendor. Michael (quien nos dejó subir a su tejado) permanecía a nuestro lado, disfrutando las vistas, con la serenidad de alguien que ha elegido un sitio tan acojonante para vivir.

Timothy, nuestro gracioso anfitrión, también había traído al marionetista Patrick Zung como modelo. Y Patrick no es uno de esos marionetistas que hace muñequitos de trapo. El fabrica esos muñecos que se usan para las películas de "stop-motion". Las articulaciones estaban hechas con bolas de billar -- genial. Era impresionante y un tanto escalofriante al mismo tiempo. Como algo salido de la película I.A.

La vista era impresionante. Pero logísticamente, sabía que la foto iba a ser complicada. El parque se oscureció completamente nada más ponerse el Sol. Y los edificios del Midtown, junto con el perfil de los tejados, nos obligaba a fotografiar en una dirección en la que era difícil coger buenas luces en la imagen a menos que nos apretujásemos contra el borde.

Tampoco teníamos ningún modo de iluminar fácilmente el lado más alejado de la imagen. A menos que tuviésemos un soporte para luces de 100m. O Spiderman.

Así, que a medida que la luz empezó a bajar de intensidad, iluminé a Patrick y a su amigo con un SB-800 en un paraguas (a la derecha de la cámara), mientras en secreto deseaba haber invitado a Peter Parker a la sesión. Realmente necesitábamos esa luz al otro lado para separar el fondo.

A medida que nuestra luz ambiente seguía cayendo, añadí un par de luces de acento para modelar a nuestros sujetos.

Como podéis ver, una venía desde atrás del modelo, a la derecha de la cámara y la otra desde debajo de la marioneta. Esas luces ayudaban a dar un aspecto más tridimensional a nuestros muchachos. Ambos flashes estaban filtrados con un 1/2 CTO y un verde fluorescente, que combinados dan un aspecto muy similar a las luces de vapor de sodio. Al menos, el aspecto que esas luces presentan al ojo desnudo, que no a la cámara. Era lo más lógico. Una luz blanca directa hubiese parecido extraña y artificiosa en este contexto.

Disparando a manu alzada con un 70-200/2.8, la luz ambiente estaba cayendo rápidamente. No había manera de separar la camisa negra de Patrick sin una luz por la derecha y la cosa se oscurecía segundo a segundo.

En cuanto la velocidad de disparo empezó a ponerse interesante (~1/4sec) empecé a mover el zoom a medida que disparaba. Esto me daba otro aspecto para las luces -- y una composición más abstracta para la foto. De repente el entorno no tenía porque ser un tejado de Nueva York. Era un fantasmagórico y extraño ambiente que encajaba bastante bien con el estilo futurista de la marioneta.

Así que decidimos que la camisa negra se pusiese completamente oscura y confiar en las luces de la ciudad dibujadas por el zoom como único elemento de separación. (Podía variar la intensidad de esas luces bajando la velocidad de disparo). Me gusto el efecto que el zoom le daba al fondo. Y la luz que iluminaba desde debajo a Patrick y la marioneta, también creaba algunas figuras interesantes. Por si no os habéis fijado, la figura que aparece sobre la camisa viene de la luz que ilumina desde detrás a la derecha.

Es importante que el nivel de luz sobre Patrick fuese menor que en el fondo. Si no fuese así, habría creado imágenes fantasmas durante la exposición sin flash. Teníamos luces de posición de vapor de sodio, que tapamos con unos trozos de espuma negra que siempre llevo en mi mochila. Simplemente los sujetamos con unas pinzas alrededor de la luz.

Podría haber usado a Tim como gobo, pero ya estaba trabajando como mi soporte-activado-por-la-voz para la luz de la derecha. Aún a salido algo de imagen fantasma sobre Patrick, pero creo que es tan poca que ayuda a crear un look abstracto para la imagen.

Otra cosa sobre el zoom -- empieza a moverlo (de gran angular a tele en este caso) antes de pulsar el disparador. Eso genera un movimiento más suave, sin los saltitos que te saldrían si no lo hicieses así.

Las últimas imágenes están hechas a f/2.8, ISO400 con velocidades de un segundo. Cuando se hace tan oscuro, es hora de llamarlo "noche". Además, en ese momento conviene que haya algo de comida involucrada.

En Nueva York, nunca estás a más de cinco minutos andando de una buena comida. Y allí nos llevo Tim.

Siguiente: Tiempo embotellado

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Lighting 102: Unidad 7.0 - Variables temporales

Hace algún tiempo, hablamos de que se puede equilibrar la exposición del flash y la producida por la luz ambiente dejando el obturador abierto el tiempo suficiente.

Pero durante ese tiempo, en que la luz ambiente está "quemando" su porción de la imagen, podemos hacer un montón de cosas para añadirle interés a nuestra foto. Y esto es precisamente a lo que vamos a dedicar la última unidad del Lighting 102...

La belleza de modificar la configuración de tu cámara, la focal o la posición durante una exposición que combina flashes con luz ambiente, es que puedes mezclar dos circunstancias completamente distintas en una única imagen. Es una especie de Photoshop-en-la-cámara, con un bonito componente aleatorio añadido.

Hoy simplemente voy a dar un repaso a algunas de las formas en las que puedes manipular la imagen durante esa larga exposición ambiental y os enseñaré los resultados finales.

Flash y desplazamientos

Para esta imagen de un soldado en los bosques cercanos al Ft. Meade en Maryland, basé mi exposición en el nivel de luz ambiental. El primer valor escogido fue la velocidad de obturación. Elegí la que me permitía crear el mejor efecto de desplazamiento.

Una vez escogida esta velocidad, el obtener una exposición correcta nos da la apertura necesaria. Ahora ya solo tenemos que ajustar la potencia del flash para iluminar correctamente la cara de Robert.

Así que ¿para que utilizar un flash?

Primero, porque nos añade un buen margen de seguridad al desplazamiento. Puesto que el flash se dispara instantáneamente, congela a nuestro sujeto. Esta técnica funciona mucho mejor si el fondo es brillante. Como estás calculando la exposición para el fondo, el sujeto quedará oscuro -- perfecto para ser congelado por el flash sin ninguna imagen fantasma por encima.

Segundo, te permite controlar la exposición de tu sujeto con respecto al fondo. Una vez iluminado, podría haber bajado o subido el brillo del fondo sin afectar al rango de tonos de la cara de Robert.

(Puedes encontrar más detalles sobre como hice esta foto en este artículo)

Para esta imagen de un recién llegado artista del hip hop, dediqué algunas imágenes a generar el efecto de desplazamiento, pese a que él no se estaba moviendo en absoluto. Este encargo parecía estar gafado desde el principio, así que estaba improvisando a ver si lo salvaba.

(Se que es una perversión mía, pero disfruto en situaciones como esta. Siempre que no se den muy a menudo, claro)

La imagen anterior es estática y en esta versión me dedique a mover la cámara en horizontal. El rapero (que actúa como "Bossman"), acababa de firmar su primer contrato con una discográfica y su ego estaba por las nubes.

Estoy seguro de que se merece estar rodeado continuamente por una docena de esas preciosidades bailarinas de la MTV. Y pese a todo, fue lo suficientemente enrollado, como para malgastar su tiempo en posar para la foto de cabecera de la sección de novedades de un periodicucho local. Así que (una vez lo conseguí arrastrar fuera de su sala de estar) cualquier cosa que quisiese probar para añadir variedad, tendría que hacerlo sin cambiar el montaje.

Pero incluso cuando trabajo sin tiempo, siempre intento quemar algunos segundos probando algo diferente, a ver como queda. Y aunque en este caso la cosa no fue demasiado bien (nos quedamos con la versión estática), el punto interesante es que un cambio en la velocidad del obturador y un movimiento en la cámara puede darte un segundo look para la imagen -- sin malgastar ni un segundo más del precioso tiempo de Su Majestad.

(Puedes leer más sobre esta sesión tan desgraciada en este artículo)

Vamos a girar como posesos

Otro modo de añadir una capa de abstracción es girar la cámara durante la exposición con flash. Cuando utilizo una compacta con su flash integrado, este es a veces, el único modo de mejorar la imagen.

En esta imagen de Danny Ngan, humillando a Chase Jarvis en el Guitar Hero, la rotación de la cámara me ayudó a crear un fondo algo más abstracto.

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Ya estés moviendo la cámara, o girándola, debes comenzar el movimiento antes de apretar el disparador. De ese modo el efecto será suave, sin los saltitos que aparecen si te esperas a apretar el disparador antes de empezar el movimiento.

Como antes, este efecto funciona mejor si el fondo es más brillante que tu sujeto.


Una situación difusa

Usar el tiempo como variable en una exposición con flash no implica necesariamente mover la cámara. Puedes exponer un tiempo de la imagen directamente y otra con un difusor. O con un filtro. O de ambas formas.

En el encargo "Winter Book Club" que se puede ver en esta imagen, empecé la exposición disparando un flash con filtro azul desde detrás de la imagen, con unas ocho capas de plástico sobre la lente de la cámara. Luego quité ese plástico y terminé la exposición pintando desde delante con un SB-800 equipado con un filtro CTO.

Todo esto debe realizarse, evidentemente, en una habitación completamente oscura, o de lo contrario entrará luz ambiente no deseada, cargándose la escena. De nuevo hay un artículo detallando como se hizo esta imagen aquí.

En estos momentos, ya debes empezar a tener ideas sobre como puedes usar el tiempo para manipular tus imágenes mientras estas se están registrando en la cámara. Podrías, por ejemplo iluminar a alguien contra un atardecer, y desenfocar la cámara durante la porción de luz ambiente. Evidentemente si necesitas mantener las dos porciones de la imagen alineadas, es imprescindible emplear un trípode.

Siguiente: Flash Zoom y Stone Soup

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Una imagen más del encargo de los CTO

Por alguna extraña razón, esta foto no aparece en la búsqueda de Flickr. Pero por suerte, un lector me la ha mostrado en los comentarios.

Mi reconocimiento a The Light Whisperer por esta magnífica foto de geles cruzados y luz rebotada.

Veamos que nos dice el autor sobre ella:

"F8 - 1/2 segundo. La cámara con el balance de blancos en incandescente. Dos flashes, a la izquierda, fuera de la ventana, uno sin ningún gel para simular la luz de la luna, un segundo flash en el pasillo fuera de la habitación a la derecha con un gel naranja fuerte. La exposición de 1/2 segundo dejó que la lampara de aceite iluminase pare de la escena"

Muy "cool" y al mismo tiempo, muy cálida.

Haz click en la imagen para verla más grande. El autor, también ha colgado un diagrama del montaje con algunas notas.

Siguiente: Las variables temporales

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Lighting 102: Assignment | Pon a trabajar el CTO

Ya hemos hablado del uso principal de gel CTO -- equilibrar el color del flash, que por si solo está equilibrado a la luz solar, a las luces incandescentes. En una habitación iluminada por tungsteno, pones un CTO en el flash, pones el balance de blancos en incandescente y ya lo tienes todo hecho.

Pero el CTO es tan útil, se le puede sacar tanto partido que no podemos pararnos just ahora...

Sobrecargando el CTO

En la foto de arriba puedes ver a Shadi, quien tiene un aspecto tan impresionante que fue una distracción para las señoritas del curso intermedio de Dubai tan arrebatadora que tuvimos que salir al exterior para disimular el hecho de que las estaba poniendo un poco calientes.

Y tan calientes. En Dubai hace unos 70 grados a la sombra al medio día. Pero todo ese calor elimina todo el color del cielo. Llamar a ese cielo, una neblina grisacea es hcerle un flaco favor al gris.

Pero eso no nos impidió obtener un retrato causal de Shadi con un bonito cielo azul. Teníamos que ser rápidos -- la gente generalmente estalla en una llamarada tras estar más de cinco minutos en el exterior a esas horas del día. Así que para este retrato de Shadi, salimos fuera con tres SB-800, colocados en sus pies para un esquema triangular.

Para obtener ese azul, puse el balance de blancos de la cámara en incandescente, pese a que estábamos disparando en un ambiente de luz diurna. Ese balance de blancos, "arregla" la iluminación con tungsteno, simplemente metiéndole una gran dominante azul. Y ahí nuestro recién encontrado color de fondo.

Los flashes traseros no llevaban ningún gel. Les dejé meter una luz de contorno azulada para acentuar los fibrosos músculos que definen la nuca de Shadi. Señoritas, deberían sentarse o tomar un vaso de agua antes de continuar.

Pero observar con detalle esa región, porque es donde se puede apreciar el tipo de luz que te proporciona un flash sin gel y el balance de blancos en tungsteno. Se aprecia mucho mejor observando la foto en grande.

Para iluminar el rostro de Shadi, tenía que llevar la luz del flash a un color que fuese apropiado en este nuevo entorno de balance de blancos incandescente. Así que lo calenté un poco con un CTO, llevándolo a un color "correcto" para esta configuración de la cámara. De hecho, un pequeño trozo de acetato naranja es todo lo que he necesitado para transformar todo el entorno en azul.

Bueno, en realidad dos trozos, pues le añadí otro 1/2 CTO para llevar el flash un poco más lejos de "correcto" y tener una tonalidad más cálida en el rostro de Shadi para que contrastase contra el cielo azul. Este es un truco magnífico para un día con una luz horrible (o para un atardecer con cielo poco atractivo), cuando necesitas crear cierta atmósfera. Lo he usado tanto para fotografiar comida y como para retratos melancólicos.

Puedes observar que también he subexpuesto el ambiente unos cuantos pasos para saturar aún más el color. No es suficiente con cambiarlo de color, es necesario bajarlo de intensidad. Podríamos haber calentado también las luces de contorno, pero me gusta el aspecto acerado de ese contorno azul. Especialmente para un hombre que transpira confianza, como es el caso de Shadi.


También puedes aplicar este truco en interiores, con la luz diurna entrando por las ventanas.

Apunté en mi lista de favoritos esta foto, hace bastante tiempo, simplemente porque me gustaba mucho. Resulta que también está hecha en Dubai por Sid Siva (también conocido como WonderVAL), con quien estaría fotografiando en el desierto de los Emiratos Árabes Unidos unas semanas después. Que pequeño que es el mundo!

Sid empleó exactamente la misma técnica de desplazamiento de color para este retrato de negocios. La cámara puesta en incandescente. Baja la exposición hasta que el color del fondo está suficientemente saturado y añade algo de luz coloreada con un CTO donde resulta necesario.

Bien por Sid.

Te estás poniendo caliente... caliente...

Así que el asunto del CTO (y de otro 1/2 CTO) son mis herramientas cuando necesito un fondo en un día sin color. Pero he ido viendo en el foro de Flicker algunos ejemplos que me hacen querer usar los CTO en más situaciones.

Mira por ejemplo, esta foto de escalada de Dr. Benny. Esta foto mola. Simplemente pon un CTO con el balance de blancos puesto en diurno. El CTO te da la luz familiar de una bombilla -- o ese destello de luz dorada al atardecer, cuando empieza a esconderse el sol.

Esa mancha de luz, es la que realmente le da todo el valor a la foto. Justo un ultimo haz de Sol pasando por un agujero en las rocas de la derecha. Excepto que si te fijas, la luz solar realmente viene desde arriba y es bastante blanca. La luz cruzada que ha obtenido es preciosa.

Piensa un momento en el balance de blancos mientras observas esta foto. Lo que la hace destacar es donde ha decidido exponer la luz ambiente El Doctor, antes de añadir el flash con el CTO. Ha expuesto para las altas luces, dejando que las rocas se oscureciesen y entonces las ha levantado de nuevo con el flash filtrado con el CTO.

Perfecto.

Y esta foto, votada por mi como "La Foto que Probablemente Copiaré" del mes. Mazzapix ha mezclado algo de luz CTO (con un panel de abeja de pajitas) con la luz directa de otro flash sin filtro en una toma con el balance de blancos puesto en luz diurna, y ha hecho un rápido test para un retrato que realmente parece una cartelera de película.

De eso es de lo que estoy hablando.

Seguramente te dará la impresión de que me excito bastante cuando hablo de geles. ¿Y por que no?. Todas estas fotos están hechas gracias a la ayuda de esos pequeños trozos de acetato anaranjado. Y puedes obtener incluso muestras gratis. ¿Como no te van a gustar?

Tu Turno

Hace bastante tiempo que no hacemos un Assignment en el Lighting 102, así que ha llegado el momento de desempolvar las cámaras.

En esta ocasión vas a usar un CTO en cualquiera de los dos modos descritos arriba -- ambos son "rompedores de reglas", si quieres considerarlos así. O bien haces lo del balance de blancos en tungsteno en pleno día, o bien añades luz CTO en un balance de blancos diurno para resaltar algo.

El sujeto lo dejo abierto, con lo cual ya os veo jugando con ositos de peluche, maniquíes o huevos (por favor, por favor, que no sea de nuevo un huevo). Pero otros seguro que usáis esta oportunidad para poneos a prueba. Y ya sabéis que yo vivo probandome continuamente.

Este es el Trato

Para este assignment, las etiquetas deben ser:

Strobist
Lighting102 (una única palabra)
WorkThatCTO (de nuevo sin espacios)

Puedes ver todas las fotos presentadas a este encargo en este enlace. Y seguir la discusión en inglés y en castellano.

La fecha límite es el 24 de Junio.

Siguiente: Resultados de "Pon a Trabajar el CTO"

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Novedad: Strobist Lighting DVDs

Lo que empezó el verano pasado, como una idea sobre un par de deliciosos burritos Chiplote es ahora una realidad: El seminario de iluminación de Strobist está disponible en DVD.

Sigue leyendo para descubrir en que consiste, si pude adaptarse a tus necesidades o no y como obtenerlo.

Antes que nada, muchas gracias a todos los que me habéis apoyado o habéis demostrado interés por este proyecto en los últimos meses -- y sobre todo a aquellos que me habéis ayudado con el proyecto. Si, todo cuesta más tiempo del esperado. pero al final, creo que hemos acabado creando algo que puede ayudar mucho a la formación de mucha gente.

Nota: a lo largo del artículo he puesto varias fotos que fueron hechas para el DVD. Puedes ver algunas más en esta página

Antes de explicar lo que es, mejor empiezo por decir lo que no es.

Primero, no es nada sofisticado. No se trata de un trabajo en estudio publicitario purista, porque (a) no es mi estilo y (b) ese no es el modo en que las cosas ocurren en el mundo real. O al menos en el mío.

Siendo un proyecto autofinanciado, nos enfrentábamos continuamente a una serie de serias decisiones y prioridades. Para cada elección que se ha tenido que hacer entre contenido o acabado pijotero, hemos elegido el contenido.

Básicamente salíamos fuera y nos dedicábamos a rodar mientras fotografiábamos. No podía haber sido más casual. Si hacía calor, nos vestíamos acorde. O incluso nos desnudábamos.

Rochelle, arriba a la izquierda, disfrutó de una magnífica piscina fría para esta foto. Mientras tanto, yo me derretía en la humedad sofocante y la luz amarillento verdosa de las luces de vapor de sodio.

Un mal día con camiseta y bermudas es mucho mejor que un buen día trajeado, como siempre digo.

Durante las sesiones llevaba micrófono (para mejorar el audio) y en las secuencias se van intercalando imágenes estáticas a medida que las voy disparando. Decidimos que rodar en alta definición nos generaría demasiados terabytes de datos para procesar. Así que elegimos el tradicional DV para poder procesarlo todo más fácilmente.

Al final, el aspecto logrado está mas cerca de una película casera que de un video profesional de alta calidad. Pero el resultado neto es que hemos sido capaces de incluir muchas más situaciones con los mismos medios. Además de esto, mi cara es una de esas que se benefician de la baja resolución.

Empezamos con la idea de crear un DVD de dos horas e intentamos condensar todo lo que pudimos en ese DVD. Cuando hemos acabado, hemos logrado dejarlo en solo ocho DVDs y diez horas de contenido. El precio son $139.00 (y si te encuentras fuera de los EEUU es cada día que pasa más barato, a medida que el dolar se va depreciando...)

¿Que hay en los DVDs?

El primer disco trata sobre el equipo utilizado para la iluminación -- lo que necesitas, como funciona, las opciones de sincronización. etc. Este es obligatorio para todo aquel que empiece a verlo sin haber leído antes el Lighting 101.

Los discos del dos al cinco, provienen de un seminario de iluminación que impartí en Columbia MD, el pasado mes de Septiembre. Un grupo de gente muy maja, arrastró sus culos fuera de la cama un domingo tempranito (no tengo claro que Kate, el buho nocturno, se hubiese despertado del todo después de comer) y hablamos de iluminación e hicimos fotos durante todo el día.

El formato es similar a los seminarios que he estado dando en salas de conferencias de hoteles durante los dos últimos años. Mirando la sesión de la mañana, se puede ver como estaba preocupado de plasmar en película la sesión de todo el día. Pero para el medio día ya me había olvidado de todo y simplemente me estaba divirtiendo.

(La foto del seminario es de David Hoffman. Se pueden ver más fotos aquí)

Como es habitual en este formato, por la mañana fue la teoría (en formato Lighting 102) y después de comer realizamos la sesión práctica. La foto de la izquierda es de esa sesión.

Como ejemplo, he subido un trocito de diez minutos de como realicé esta foto:



Este es un ejemplo típico de como se desarrolla un seminario, y de como voy haciendo y comentando las fotos. Intento utilizar los elementos que me ofrece el entorno (en general no demasiado) e improviso diferentes técnicas de iluminación. Este, como el resto de los DVDs está regido por la técnica y diseñado para mostrar como aplicar diferentes modos de iluminación utilizando flashes pequeños.

Hicimos muchas fotos esa tarde, pero no tuvimos ni el tiempo ni el entorno adecuados para hacer todas las fotos que quería enseñar.

Así que el resto de los DVDs (del seis al ocho) son una serie de nueve sesiones in situ, en las cuales sigo utilizando el micro y voy mostrando las fotos a medida que las hago.

Hice retratos solo de rostros, retratos en interiores y en exteriores -- incluso una foto de grupo de once personas en una habitación que puede describirse como cámara de tortura para flashes pequeños.

También decidí hacer algo que como fotógrafo es difícil de aceptar -- dejar la cámara grabando mientras cometía errores e intentaba solucionarlos. A veces eso no es nada agradable. Pero creo que es un buen modo de aprender, no solo el manejo de la cámara, sino como desenvolverse cuando los enanos empiezan a crecerte entre los pies.

También hemos decidido airearlos. En lugar de editar lo más destacado, creo que es interesante ver el flujo de trabajo completo, hasta el punto que ha sido posible (Hubiese sido mejor si yo fuese una atractiva y alta supermodelo. Pero he intentado compensarlo con chistes malos).

Algunos de los problemas a los que nos enfrentamos eran penosamente evidentes y protestados profusamente -- my plan de rebotar las luces para la foto de grupo se evaporaron cuando el techo resultó estar a 10 metros de altura y estar recubierto de paneles de madera oscura. Ah y con un fondo curvo de madera oscura también. Si, muy oscura.

Pero esto es lo que te encuentras a menudo. Y creo que ser capaz de improvisar en estas situaciones y encontrar soluciones al problema es una habilidad que es importante dominar.

Hicimos fotos en salas de conferencias, en canchas, en gimnasios, en halls abarrotados -- como el caso del aprendiz de kendo de la izquierda (¿Como podría rebajar ese fondo rojo?)

Una de las cosas que más me gusta de la fotografía es resolver las limitaciones de tu entorno de trabajo. Nunca pusimos el pié en un estudio. Estos DVDs no van sobre equipo caro y/o sofisticado. Demonios, si incluso hicimos una de las sesiones con una Canon G7.

Pero algunos de los problemas fueron más sutiles y/o de naturaleza personal. Los reconocerás también y verás como los resolvimos -- incluso aunque no nos sentimos cómodos al comentarlo en voz alta en aquel momento.

¿A quién van dirigidos?

Por supuesto, muchos de los profesionales leyendo esto pueden mirar todas las estas fotos y decir "bien, yo puedo hacer esto". Y me parece magnífico. Pero es muy fácil olvidar cuando todos nosotros empezamos en esto.

Para que sirva de referencia, cuando escribo en el blog, lo hago pensando en mi mismo cuando era un profesional novato de 22 años. Yo diría que estos DVDs se encuentran en el nivel del aficionado avanzado. Especialmente para todos aquellos a los que les resulta más fácil aprender viendo a alguien haciendo las cosas -- y oyéndolo pensar en voz alta mientras lo hace.

Pese a todas las cosas buenas que tiene la fotografía, también las tiene malas. Una de las peores es que generalmente solo fotografiamos para nosotros mismos. Nunca tenemos la oportunidad de ver el modo de trabajo de otros. Por suerte todo esto está cambiando con la web. Y yo estoy intentando ayudar a este cambio, aunque solo sea en parte con este proyecto.

Es importante destacar que no descubro ningún gran secreto sobre la iluminación en estos DVDs. Trabajábamos todos los días con el mismo equipo y con las mismas leyes naturales. Y si eres lector habitual del blog desde su inicio, prácticamente todo el material te será familiar -- aunque todas las fotos son nuevas y hechas especialmente para el proyecto.

Pero para mucha gente, creo que ver todo el proceso de creación es un buen modo de aprender. Y espero que ver como se hacen será bueno para todos aquellos que silenciosamente vais haciendo vuestras pruebas pero que os sentís incómodos mostrándolas públicamente en Flickr. Estoy especialmente interesado en ayudaos a dar el salto inicial.

Para los lectores fuera de los EEUU

Quiero destacar tres cosas. Primero, Midwest Photo (el primer sitio donde el set de DVDs estará disponible) hace envíos a todo el mundo. Y están reforzando su equipo para poder manejar rápidamente cualquier sobrecarga de pedidos que puedan recibir en los próximos días.

Segundo, el DVD está codificado como Región 0 (lo que significa, esencialmente, libre de regiones) y está en formato NTSC. Así que necesitas algún modo de reproducir DVDs NTSC (muchos reproductores son multiformato, así como la mayoría de portátiles). En un futuro cercano, no hay planes de editar versiones PAL o SECAM.

Por ultimo, para aquellos entendéis el ingles escrito mejor que el hablado, los DVDs llevan subtítulos en inglés. Así, que si puedes leer el blog original, seguramente eres capaz de entender los DVDs.

Por este ultimo punto (y en general por el resto del proyecto), debo dar las gracias a Bill Millios, un lector de Strobist desde hace mucho tiempo y mi colega en este proyecto. Gracias a su insistencia se han incluido subtítulos en los DVDs. Resulta que Bill tiene dificultades de audición, pero me vendió el asunto de los subtítulos utilizando otros muchos argumentos.

No se me había ocurrido a mi, pero creo que mucha más gente será capaz de entender los DVDs gracias a su idea. Hay más detalles sobre Bill en su web: Hopeland Studios.

Preguntas / Comentarios

He abierto un hilo sobre los DVDs en Flickr. Si tienes alguna pregunta o comentario sobre lo que vas viendo en los DVDs, por favor, publícala aquí. Esta vez, prefiero que se use ese hilo en lugar de los comentarios del blog porque resulta más cómodo de manejar.

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Los DVDs de Strobist Lighting están a la venta en Midwest Photo al precio de $139.00

He publicado otras fotos de los DVDs en esta página.

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Lighting 102: Unidad 6.2 - Equilibrando con incandescentes

En el último artículo de L102, hablamos sobre los problemas a los que nos enfrentamos cuando tenemos que usar filtros para equilibrar los flashes con la luz de los fluorescentes. Colorear los flashes para equilibrarlos con las luces incandescentes (tungsteno), genera problemas similares y al mismo tiempo diferentes.

Por suerte, las luces incandescentes son más sencillas -- y más tolerantes.

Ante todo, para compensar la luz de tungsteno, tenemos que usar los geles "TCO (Temperature Correction Orange), que son naranjas y convierten cualquier fuente de luz con un balance de luces diurno, en otra equilibrada con las bombillas incandescentes (tungsteno). Eso quiere decir que nuestro pequeño flash se ha transformado básicamente en una bombilla, al menos desde el punto de vista del color de la luz que emite.

Como te imaginas, esa luz es bastante naranja. Pero cuando estás trabajando en un entorno dominado por la luz incandescente, tienes que hacer que la luz del flash concuerde con esa tonalidad. Y un gel CTO en el flash, lo hace naranja, así que tanto la luz ambiente como la del flash concuerdan en color. Si pones el balance de blancos de la cámara en tungsteno (generalmente está indicado por un pequeño icono que representa una bombilla), se corrige la tonalidad naranja y de nuevo tienes tanto el ambiente como el flash como si proviniesen de la luz del Sol.

Excepto cuando no funciona. Y aquí empiezan los problemas.

Como ocurre con los fluorescentes, las bombillas incandescentes a veces no tienen el color "correcto". De hecho, el color de las bombillas incandescentes puede cambiar radicalmente de un instante a otro.

¿Como? Bajándoles la intensidad.

Si no me crees, bájale la intensidad a una luz incandescente en una habitación iluminada solo por esa bombilla. Fíjate como cada vez es más rojiza. Se pone prácticamente de un rojo puro justo antes de apagarse.

Consejo: Si tienes que fotografiar en una habitación con luces de tungsteno atenuadas, intenta primero que nada, subir la potencia al máximo. Tendrás un nivel de luz ambiental más alto -- más sencillo de equilibrar con los flashes. Y de un color más acorde con el balance de blancos de tungsteno -- más sencillo de compensar con un CTO.

Sabiendo esto, ya te deberías de haber dado cuenta de que nunca vas a poder equilibrar perfectamente los flashes con los tungstenos, utilizando solamente un CTO. Y aunque puedas hacerlo, seguramente no querrás.

Ante todo, como cuando hablamos de los fluorescentes, cuando corregimos el color con geles, debemos usar solo aquellos que podemos cancelar exactamente con el balance de color de nuestra cámara. Y un balance de color específico, ajustado a la iluminación ambiente de la escena no es demasiado útil, pues tendrías que calibrar tus geles y flashes con ese color específico para que los resultados fuesen perfectos.

Si fotografías habitualmente en la misma habitación, con el mismo color de luz ambiente extraño, igual te interesa prepararte un juego de geles que te permitan equilibrar los flashes con ese color. Una vez hecho eso, si que podrías usar un balance de blancos específico en la cámara (denominado habitualmente "custom"). Pero en general, hacer esto todos los días, para cada lugar donde tengas que disparar, es muy poco práctico.

Afortunadamente, los flashes con CTO y la luz de tungsteno combinan muy bien aunque no estén perfectamente equilibrados. La luz principal será generalmente tu flash con el CTO y por lo tanto perfectamente compensado por le balance de color de la cámara. Una vez hecho esto, puedes dejar que el ambiente generado por el tungsteno vaya donde tenga que ir.

En general no será perfecto, pero será mucho mejor que si no pones ningún gel en el flash. Y esa diferencia de color la puedes atenuar, dejando pasar la cantidad de luz ambiental que quieras, recordando que ese equilibrio de intensidades lo controla la velocidad de disparo. Bajando su intensidad (más EV de subexposición), incrementan su color. Así que puedes subirlo un poco de intensidad para suavizar las diferencias de color.

Para resumir, las malas noticias son que con las luces incandescentes tienes un problema con el color, en el que seguramente no habías pensado antes. Por contra, las buenas noticias son que aunque no consigas un equilibrio perfecto, no debes preocuparte, el resultado será agradable.

Una vez explicados el CTO y el verde ventana, el siguiente salto será algo divertido: desplazar la clave de color de la imagen.

Siguiente: Assignment - Pon a trabajar el CTO

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Lighting 102: Unidad 6.1 - Equilibrando con fluorescentes

A simple vista, los filtros para flashes, los geles, son un concepto muy simple. Pones un trozo de plástico coloreado delante del flash y la luz se emite con ese color. Pero aún así, es sorprendente todo lo que se puede hacer con este simple truco.

En este artículo, que será el primero de una serie de cuatro, vamos a ver el uso más habitual -- transformar el color de la luz de tu flash, para hacerlo coincidir con el color de la luz ambiental. Es lo que llamamos equilibrio de color.

La primera vez que nos encontramos con el asunto del equilibrio de color fue en el Lighting 101 donde hablé de los dos geles más habituales. El "verde ventana" (o "más verde") se emplea para hacer coincidir la luz del flash con la luz de los fluorescentes.

De forma similar, el gel "CTO", cambia el color de la luz del flash para hacerlo coincidir con la emitida por una lampara incandescente (también llamada tungsteno o sencillamente bombilla). Pero hoy vamos a hablar solo del pequeño gel verde. Como ahora mismo veréis, es lo suficientemente complicado como para merecerse su propio artículo.

Antiguamente, el convertir el flash en fluorescente era mucho más sencillo que hoy en día. Sin embargo, para simplificar la discusión, supongamos que aún vivimos en una situación en la que todos los fluorescentes son iguales. Al menos por el momento.

Tradicionalmente, la luz de los fluorescentes era verde. Aproximadamente 30 unidades de corrección de color (CC) de verde, para ser exactos. Así que colocando un gel verde ventana de 30cc en el flash, podías hacer que la luz de este fuese del mismo color que la ambiental.

Si tu ambiente es verde y el flash es verde, ya tienes el problema resuelto. Porque puedes corregir esta dominante verde, simplemente poniendo en la cámara el balance de color fluorescente y de nuevo todo es blanco. Esto funciona porque lo que hace el balance de color FL de tu cámara es añadir 33cc de magenta, lo que cancela el verde.

Tomemos como ejemplo esta imagen hecha hace un par de semanas en la Western Kentucky University, donde estuve dando clase a unos cuantos estudiantes de fotoperiodismo

(Lo siento Jeanie. Tú eres mi ejemplo más reciente)

Este estudio está iluminado por fluorescentes. En esta toma, iluminé a Jeanie con un SB-800 en un paraguas y el flash llevaba puesto un gel verde ventana. He bajado la velocidad de disparo para dejar que la iluminación ambiental llegue a generar una exposición apreciable.

Así que ya ves, el gel verde en el flash y el balance de color en fluorescente en la cámara consigue unos colores bastante cercanos a los correctos. Nada de esa dominante verdosa que aparece si te olvidas de poner el gel en el flash y la luz ambiental consigue colarse mostrando lo realmente fea que es la luz de los fluorescentes.

Una técnica sencilla ¿verdad?

Pero en la práctica hay dos pequeños detalles que hay que considerar. El primero es que en general las habitaciones presentan una mezcla de fluorescentes y luz diurna. Incluso quizás tengan además encendida alguna bombilla incandescente.

Además de eso, en la actualidad los fluorescentes que se fabrican ya no son solo verdes, sino que se extienden por una gran gama de colores. En realidad, actualmente los hay incluso más cálidos que el tungsteno.

Vamos a ver como resolver los problemas uno a uno.

Primero, al tratar con las múltiples fuentes, siento decirte que tendrás que elegir con cual de todas las tonalidades quieres quedarte y conformarte con equilibrar ese color. No te preocupes, es mejor de lo que parece. Mi primer truco, si hay suficiente luz diurna por la sala, es preguntar si puedo apagar los fluorescentes mientras hago la foto.

Si la luz diurna que se cuela es suficientemente intensa como para causarme problemas de balance de colores, entonces es más que suficiente como para emplearla como luz ambiente con los fluorescentes apagados. En ese caso no hace falta equilibrar nada -- simplemente usa el flash con la luz diurna.

Si esta solución no es posible, intentaría cerrar las persianas o las cortinas al máximo para limitar en lo posible la luz diurna. (Esta luz diurna aparecerá como una dominante magenta cuando equilibremos el color al fluorescente). Otra cosa que puedes hacer es alejarte todo lo que puedas de las ventanas, para limitar su influencia en la zona donde vas a fotografiar.

Si tienes una mezcla de luz diurna, fluorescentes e incandescentes, haz todo lo que puedas para eliminar la luz de los fluorescentes. Una vez echo eso, dispara con balance para luz diurna y sin geles sobre los flashes. Las incandescentes y la luz del día quedan muchísimo mejor que cualquier combinación de verde con lo que sea.

(Y si todo esto falla, espero que puedas usar la foto en B&N....)

En cuanto al segundo problema, en la actualidad los fluorescentes ya no son simplemente 30cc de verde. Y eso para nosotros es un problemón.

No hay ninguna solución adecuada a este problema. Lo importante es que tienes que contrarrestar cualquier desequilibrio en el color con el balance de blancos de la cámara. Eso quiere decir que aunque el fluorescente no sea exactamente 30cc verde, tienes que aprender a vivir con la diferencia. Simplemente pon un gel verde en el flash, pon el balance de blancos en la cámara a FL y sigue adelante. A veces la luz ambiental quedará un tanto rara, pero seguirá quedando mejor que si no pones ningún gel en el flash.

Para esos fluorescentes súper cálidos, esos que parecen una lámpara incandescente, en general los trato sencillamente como incandescentes. Pongo un gel CTO en el flash y el balance de blancos en tungsteno. Ya, la cosa no es perfecta, pero mejor que no poner nada en el flash. Y la región iluminada por el flash quedará muy bien.

¿Como puedes decidir de que lado del espectro queda el fluorescente? Lo más sencillo es hacer una toma exponiendo para la luz ambiental y mirando la pantalla. Si se ve verdoso, gel verde y balance en FL. Si se ve anaranjado, CTO y balance en tungsteno. Esta técnica también es útil cuando trabajas con luces de vapor (sodio, mercurio, etc).

Tu sujeto iluminado por el flash (en general la parte más importante de la imagen) quedará bien. La luz ambiente que consiga generar algo de exposición puede que esté un poco fuera. Pero ese es el precio que tenemos que pagar por tener 57 variedades de color en los tubos fluorescentes.

En el próximo capítulo nos dedicaremos a pelearnos con los CTO

Siguiente: Equilibrando con incandescentes

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Lighting 102: Unidad 5.2 - Discusión: Luz con doble función

En esta entrada analizaremos los resultados del último encargo, Luz con doble función, utilizada para ilustrar uno de estos tres conceptos: Forma física, planificación financiera o comportamiento ecológico. Os pedía que estiraseis al máximo vuestro presupuesto para iluminación empleando una única luz reflejada o refractada.

Esta vez habéis enviado un montón de fotos interesantes. Vamos a ver cuatro ejemplos y enlaces a otros más que además se han tomado la molestia de escribir sobre sus experiencias en un blog o incluso grabado un video.

Para no estirarlo más, lo diré al principio: muchachos sois unos verdaderos contorsionistas de la iluminación. Espero que os hayáis divertido descubriendo lo que se puede hacer con una sola luz, tanto como yo me he divertido viendo vuestros resultados.

Esta es una de esas veces en las que me resulta complicado elegir, pues había muchas buenas fotos. Así, que como ejemplos visuales he escogido a cuatro personas que han tomado direcciones diferentes con sus luces (no es un chiste).

Empezamos con Lbeetge y su entrada para el tema comportamiento ecológico.

Ha elegido empezar con una luz intensa, sin difuminar y desde el fondo de la escena, que hace pasar a través de la planta para hacerla brillar. Esta luz tan dura proviene de la derecha de la cámara y detrás del sujeto (es un Sunpak 4205) y es fácilmente reflejada contra la escena de nuevo, por dos paneles plateados a la izquierda de la cámara.

Me encanta como la planta se vuelve un poco nuclear.

Empezar con una luz dura desde detrás es una manera muy útil de estirar el presupuesto en lúmenes, que además se puede extender perfectamente a trabajar con la dura luz solar, que también es muy direccional. Pero puesto que puedes crear luz dura direccional, en el instante y lugar que desees con un pequeño speedlight, no tienes porque limitarte al Sol. Lo puedes hacer donde quieras y cuando quieras.

El segundo bateador es Nick.Flick, quien se las ha apañado para crear un estudio completo con una única luz para crear esta iluminación envolvente.

El flash desnudo viene desde la izquierda, ligeramente detrás del sujeto, reflejado por un espejo a la derecha de la cámara (de ahí la luz envolvente). Un pequeño reflector, justo delante de la cámara, ayuda a rellenar las latas por su lado frontal.

Y aún no tengo claro como ha logrado crear esa iluminación concentrada en el fondo (incluso después de ver la foto del montaje...)

En tercer lugar tenemos a treefe2000, que lo ha hecho prácticamente todo, excepto proyectar algunos pajarillos y nubecillas en el cielo sobre la casita.

El flash viene desnudo de la izquierda, detrás de la cámara, iluminando las monedas. Entonces se refleja desde la derecha de la cámara para iluminar de nuevo las monedas desde la otra dirección. Una hoja de papel sobre las monedas, sirve para recoger algo de luz y llevarlas a un bonito tono.

Un espejo a la izquierda de la cámara, coge algo de luz del flash y la envía a través de un gobo con forma de casita hacía la pared para crear el fondo.

Podéis ver todo el montaje en esta imagen. Bola extra para el libro sobre perros de Elliott Erwitt. También me gusta mucho.

Y terminando con los bateadores (y opino que con un magnífico golpe) está esta imagen que aunque la identifiqué antes, se me había perdido al no aparecer en la búsqueda por etiquetas.

El autor es The Light Whisperer, que por cierto me parece un nombre muy apropiado.

Una única luz.

Me siento orgulloso de decir que he sido capaz de imaginar como se ha hecho. Bueno, realmente solo pude llegar a dar dos posibles ideas y una de ellas resultó ser la adecuada. Intenta imaginártelo tú mismo, antes de ver el truco en esta imagen. Esta es una muy buena idea, y nunca se me habría ocurrido. Poquer de ases!

Como decía, unos resultados magníficos. Y si quieres ver algunos más puedes pobar aquí:

* penny de Paul Morton -- aquí el montaje

* dime de Jon's -- este enlace te lleva a su blog donde cuenta como lo hizo

* Meyerson ha escrito sobre su foto aquí

* D. W. Heywood ha hecho lo mismo con su foto de la tenista

* Músculos de mediana edad de Steve

* El nido de Nick, con un video sobre como lo hizo.

* Y otro Nick con su pozal de monedas, que se lleva el premio al más complejo. Puedes comprobarlo en esta imagen.

(el resto de los participantes siguen apareciendo en esta búsqueda)

¿Cual es la que más te gusta? ¿Por qué? Y ya que estamos preguntado ¿Donde está la mía?

Bueno, el perro se me ha comido los deberes

(Solo bromeo. Estoy preparando una entrada en exclusiva para ella. Pero no creo que supere ese huevo de $100)

Siguiente: El Huevo en el Nido

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Lighting 102: Unidad 5.2 - Assignment: Luz con doble función

En encargo del Lighting 102 de hoy es sencillo, al menos en teoría. Tu trabajo es crear una foto, empleando solo un flash y haciendo uso de reflectores para crear una iluminación desde varias direcciones.

Parece sencillo, pero hay un pequeño giro que lo complica.

Desde el punto de vista técnico, el encargo es tan sencillo como suena. Tienes que usar un único flash, que puedes combinar con la luz ambiental si lo prefieres. Pero vas a tener que esforzarte para hacer que ese único flash trabaje como una fuente de luz doble. O triple. O más, es tu elección.

Si embargo este encargo va a ser algo diferente a lo que hemos estado haciendo hasta ahora, puesto que no es solo una foto para ilustrar una técnica. Pretendo que sea también un encargo conceptual.

Dándome cuenta de que el 85% de la gente que le este blog, sois aficionados, me gustaría introducir la complejidad que supone tener que hacer una foto para ilustrar un concepto. Esto te complicará un poco el trabajo, pero voy a ayudarte dejándote elegir entre tres posibles conceptos.

Antes de entrar en materia, una pequeña guía de como deberías concebir la imagen.

Concepto, Sujeto, Luz, Pose

Normalmente, un fotógrafo, recibe el encargo para ilustrar un único concepto.Y quizás piensas que quieres un concepto amplio, general ¿correcto?

Bueno, quizás no. En mi experiencia estos conceptos generales suelen ser más complicados que los más concretos. Es cuestión de tener demasiada opciones.

Una vez has perfilado el concepto, necesitas elegir un sujeto que lo ilustre. En un ejemplo anterior, publicado como On Assignment en este blog, hablaba de un encargo para ilustrar un club de lectura. Elegimos como sujeto unas sillas de origami hechas con páginas de libros clásicos.

Elegidos los sujetos físicos, necesitamos añadir el diseño de la luz. En el caso anterior, estaba intentado imitar una noche oscura iluminada por el fuego de una chimenea. (Puedes leer el assignment completo en la otra página, así que no voy a repetirme aquí)

Pero lo importante es que el sujeto físico debe existir antes de que podamos imaginarnos como iluminarlo. Si te lo planteas como un proceso creativo lineal, todo empieza a encajar por si mismo. Como interpretas el concepto te orientará hacia la representación que haces del sujeto.

La elección del sujeto te ayudará a crear el esquema de iluminación -- dentro de los límites establecidos, en el caso de este encargo -- y entonces ya estás completamente encaminado para hacer tu foto.

Si tu sujeto es una persona, en este momento debes empezar a pensar con cuidado en la pose que eliges. Este último paso puede hacer o destruir completamente la foto. No es que sea necesaria una persona. Pero si usas una, no hagas un pase desde una punta a otra del campo, para luego fastidiarla ya dentro del área porque el gesto del modelo es completamente inadecuado para el concepto que estás representando.

Primero lo primero

¿Como se va a utilizar esta imagen?

Aunque no tengas una oferta para su publicación, conviene que te imagines una, para que te sirva de guía. Eso te ayudará a visualizar la foto que quieres hacer y te dará algunos límites que te ayudarán a ir tomando decisiones a lo largo del proceso.

Elegir un tipo de publicación te ayudará a empezar a trabajar.

Piensa que para los profesionales, tanto la publicación como el concepto están definidos de antemano. Y muchas veces, el sujeto también se ha seleccionado ya. Cada una de estas tres variables fijadas puede suponer una bendición o una maldición. Pero esta vez, para lo bueno y para lo mano, tú estás al mando.

Tus opciones

Aquí tienes los tres conceptos opcionales para tu encargo. Elige uno:

1. Planificación Financiera.
2. Comportamiento Ecológico.
3. Forma Física

Yo también juego

Como he mencionado en el artículo sobre reflexión y refracción, yo también voy a participar en este encargo. Escribiré un artículo de la serie On Assignment y os contaré todo el proceso mental seguido hasta su consecución como cualquier otro participante. Y para que os sirva de ejemplo voy a compartir las elecciones que he hecho ahora mismo.

El concepto elegido es el primero, Planificación Financiera. Este es un tema vocacional para mi, así que conozco lo suficiente sobre el, como para por lo menos empezar a pensar sobre el tema.

Mi posible publicación es el blog, "Get Rich Slowly" que publica mi amigo J.D.Roth. El no tiene ni idea de que voy a preparar esta imagen conceptual para su uso y probablemente solo se dará cuenta cuando vea la cantidad de tráfico que llega a su blog desde este sitio
(Hola, J.D. -- Sorpresa!)

Si él la quiere utilizar perfecto. Si no, perfecto. Pero la idea es que teniendo en mente un posible uso para la imagen, me ayuda a tomar decisiones a lo largo del proceso creativo.

Así es como voy a enfrentarme a este encargo. Ya os iré dando más detalles

___________________

Para las imágenes de este encargo, las etiquetas son:

Strobist
Lighting102 (atención, sin espacios)
Reflect

Por favor, etiquetad una única foto con estás tres etiquetas. Y recordad: Un único flash, apoyado con reflectores. Esta es la técnica que vamos a emplear.

Puedes ver las fotos presentadas al encargo aquí. La discusión, como siempre, la puedes seguir en inglés o en español.

La fecha límite para este encargo es el 3 de marzo.

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Lighting 102: Unidad 5.1 - Refracta y refleja

Vamos a ver, que levante la mano todo el que está siguiendo el Lighting 102 utilizando un único flash.

Vale, vale podéis bajarla. No os sintáis tan mal. Hace tiempo, el gurú de la iluminación Dean Collins estaba obligado a utilizar una única fuente de luz durante su primer año en la escuela de fotografía. Y lo logró. Y muy bien por cierto.

Ya tengas una o doce fuentes de luz, el truco es dar la sensación de que tienes realmente más fuentes de luz, haciendo que dada una de ellas desempeñe una doble, triple o cuádruple función. O simplemente puedes coger esta única luz que tienes y añadirle algo de textura para hacerla más interesante.

Mediante la reflexión y la refracción de la luz puedes mejorarla mucho, como cuando un estudiante universitario se prepara una comida de groumet solo con una bolsa de sopa de sobre y un poco de salsa picante.

En un primer instante, la luz del flash tiene un aspecto bastante aburrido. Hemos aprendido a moverla alrededor del sujeto, a suavizarla y a restringirla, pero también puedes doblarla y hacerla caer directamente sobre si misma.

De hecho, antes de abandonar el flash, la luz ya ha sido reflejada dentro del mismo y refractada al salir. La lente de fresnel en la cabeza del flash, dobla la luz para hacerla cubír un ángulo mayor o para concentrarla sobre el sujeto cuando cierras el zoom. Pero ¿quien ha dicho que no puedas hacer lo mismo de nuevo en cuanto la luz sale del flash?

A la izquierda tienes una foto del fotógrafo Ant Upton, quien nos presentó hace tiempo el artículo Jugador de Fútbol en París. Le hice este retrato durante un seminario de iluminación en Londres que tuvo lugar el año pasado.

Antes de que lo iluminase, el fondo de esta foto era un separador gris, empleado como divisoria en la sala de conferencias. Un flash, con un gel azul se encargaba de corregir ese color tan feo. En cuanto al patrón que se observa, una jarra de agua puesta delante del flash fue la responsable de refractar la luz y producir esa textura. tan divertida.

Este es el tipo de iluminación que puede transformar un fondo simple en algo más interesante, con algo de textura. Suelo dar este tipo de seminarios en aburridas salas de reuniones en hoteles y siempre tengo que estar buscando la manera de hacer la iluminación un poco más atractiva. Suelo emplear lo que tengo a mano, ya se aun montón de vasos de plástico o una jarra.

En este caso, el truco consiste en alejar mucho el flash de la jarra para que fuese puntual y así reforzar el aspecto de la textura. Como en esa ocasión esto producía que gran parte de la luz cayese fuera de la jarra, tuve que emplear un snoot para limitar ese efecto.

Si estas buscando por otro elemento, aún más interesante, un trozo de cristal de ese que lleva una grabado ondulado, produce también unos efectos muy interesantes. En general, usa tu imaginación, encontrarás modificadores de luz por todas partes.

También puedes conseguir fácilmente que una luz haga el trabajo de dos. En este retrato del actor Bruce Vilanch (caracterizado para la obra "Hairspray"), utilicé un único flash en un parguas y las dos paredes de un rincón: una para el fondo y la otra como reflector.

Bingo: una luz pasa a ser la luz principal y la de relleno.

(Hay un artículo completo contando como hice este retrato en el Lighting 101)

Esta técnica es bastante sencilla y básica. La única precaución es que debes buscar una pared de color neutro como tu fuente secundaría, para facilitar relleno de las sombras sin alterar el color de la imagen.

Pero si unimos la refracción que puede hacer la luz más interesante, con la reflexión que la puede multiplicar en algo que parece más complicado de lo que realmente es, obtenemos unos resultados sorprendentes.

Por ejemplo, puedes disparar el flash a través de algo traslúcido y utilizar la sombra modulada que se produce como un elemento compositivo más de tu imagen. Un buen ejemplo es este par de gafas, fotografiado por Ekistoflarex.

Lo único que hace falta es un poco de imaginación.

Especialmente atractivo, es lo que se puede hacer con espejos. Y en lugar de enseñarte un ejemplo, prefiero que te tomes un tiempo en previsualizarlo. De este modo, empiezas a construir la imagen en tu cerebro antes de que empieces a montar la primera (y en muchos casos única) luz.

Has de ser capaz de ver la luz en tu mente antes de empezar a crearla. Lo que necesitas es un proceso del cual puedas depender, no un montón de afortunadas coincidencias (Aunque hay que reconocer que en algunas ocasiones esos accidentes son los que te proporcionan la foto).

Imagina una foto de catálogo de un producto encima de una mesa, iluminado con una única luz desnuda desde arriba. Evidentemente lo que obtienes es el aspecto de un "sospechoso sometido al tercer grado". Ese tipo de luz puede estar bien, dependiendo de las cualidades reflectantes de la superficie sobre la que el objeto está depositado.

Pero supongamos, por tener algún punto de partida, de que acabas de pasar por Ikea y has comprado un pack de cuatro espejos por $5.99.

Sigamos suponiendo que pones dos espejos delante del sujeto a izquierda y derecha y otros dos más detrás del mismo, también a izquierda y derecha. Si los orientas adecuadamente, acabas de transformar esa única luz zenital, en una iluminación envolvente que aparentemente proviene de 5 fuentes. Y todo por $5.99.

¿Lo estás viendo?

De hecho, puedes hacer un montón de fotos de este estilo aparentemente muy complicadas con una única fuente de luz real, simplemente rebotando la luz en algo. Este caso de espejos alrededor es simplemente un ejemplo. Puedes extender este ejemplo y construir una fuente anular real, a base de múltiples reflectores y espejos produciendo una fuente de luz aparentemente infinita.

Si te dedicas a poner geles de colores, puedes controlarlo de forma individual en cada espejo. Solo has de recordar que la intensidad de color se duplica, pues la luz lo atraviesa en este caso dos veces, una cuando incide sobre el espejo y otra cuando es rebotado desde el mismo.

(La solución es sencilla, utiliza solo la mitad de lo que necesitas: un 1/2 CTO se transforma en un CTO completo usado en un espejo).

Si $5.99 está mas allá de tu presupuesto, puedes considerar utilizar un poco de papel de aluminio. Cualquier cartón recubierto de papel de aluminio pude hacer maravillas a la hora de fotografiar un objeto pequeño. Recuerda además, que puedes arrugar el aluminio y luego desenvolverlo para obtener un reflejo más uniforme y menos especular.

Esta semana no tenemos encargo ni ejercicios. Solo algunas ideas para mantenerte la mente activa. Es solo para que te des cuenta de que necesitas tener -- o te urge ir a comprar -- algunos reflectores. Porque en nuestro próximo encargo te voy a pedir que utilices una única fuente de luz en varios lugares a la vez.

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