Strobist en Español

BC3: Encargo #2: Es algo local

2011-07-20T09:36:00.001+02:00

Siguiendo con el tema de la proximidad, el segundo encargo va a estar centrado de nuevo en tu comunidad.

Pero esta vez los introvertidos van a estar más cómodos, porque esta vez no vas a tener que hablar con ninguna persona.

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Encargo nº2

Para este encargo, tendrás que fotografiar algún objeto significativo para tu comunidad. Como en el primer encargo, lo más complicado será precisamente elegir que fotografiar y el porqué.

¿Es famosa tu región por fabricar algún producto? ¿Cultivan los agricultores de tu zona algún producto que se consume por todas partes? ¿Alguna profesión? ¿Algún movimiento artístico? ¿Algo con importancia histórica?

De todos modos, intentad mantener la escala manejable. Estamos hablando de algún objeto. No hablamos de castillos u otros edificios (aunque quizás te interesaría guardarte esas ideas para más adelante)

Algunos consejos para conseguir el acceso

Dependiendo del objeto que elijas fotografiar, lograr acceder a él puede ser la parte más complicada del encargo. Si ese es tu problema, intenta ganarte la confianza de la gente que lo custodia -- quizás esté en algún pequeño museo, en una asociación cultural, etc.

Ellos tienen el objeto, tú tienes la cámara -- quizás puedes llegar a un acuerdo que os beneficie a ambos. Intenta ser creativo.

¿Atascado? ¿Por qué no preguntas en el punto de información turístico más cercano? Igual ellos te pueden proponer algo.

Vende una idea

En la descripción de la imagen, junto a los datos sobre la iluminación, tienes que contar porqué has elegido ese objeto y porqué es significativo para tu comunidad. Lo que importa es ese enlace.

En otras palabras, no pienses en este encargo como simplemente hacer una foto. Piensa en él como en la oportunidad para contar algo con tu cámara. Tú eres quien crea el punto de interés; la intersección.

Consejos sobre la iluminación

Dos pequeños flashes no son demasiados para una foto de producto. Pero pueden ser suficientes si los combinas con la luz ambiente.

¿Es la luz ambiente uniforme y aburrida? Quizás la puedes usar como luz de relleno y hacer que tu flash sea la luz principal. ¿Se confunde con el fondo tu sujeto? Quizás puedes usar los dos flashes para marcar acentos que ayuden a separarlo.

Se creativo, pero asegúrate de que la foto no sea solo una foto sobre iluminación. La luz es una herramienta, no el fin último.

Y dos luces son todo lo que necesitas para hacer una foto de producto si te pones creativo. De buenas a primeras recuerdo haber fotografiado abejas, un pastel, el motor de un avión, polen y sillas de origami con uno o dos speedlights.

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Como participar

La fecha límite es el domingo, 31 de Julio a las 17:00 GMT

Muy importante: Cuando hagas la foto, asegurate de hacer otra en la que se ve el mismo sujeto y la mano de alguien (la tuya mismo vale) con el puño cerrado y el pulgar hacia arriba. No subas esta foto, guárdala por si ganas. La necesitaras para demostrar que la foto la has hecho para este encargo y no es un refrito.

Para enviar la foto, tienes que estar dado de alta en Flickr y en el grupo Strobist. Etiqueta tu foto con la etiqueta "BC32" (no utilices las comillas). Envía la foto al grupo Strobist. Acuérdate de poner en la descripción de la foto el lugar, el objeto y su importancia. Por supuesto, no olvides los datos sobre la iluminación utilizada.

Solo debes presentar una foto. Por favor, no utilices la etiqueta BC32 para otras fotos no relacionadas, o aparecerán en la búsqueda.

Puedes ver tus envíos y los de otros en este enlace.

Si tienes algún problema con la presentación de la imagen, o las etiquetas, o simplemente no aparece en las búsquedas, por favor, lee el artículo de introducción al BC3.

Si quieres hablar sobre las fotos, o buscar ayuda o pedir sugerencias, puedes hacerlo en este hilo en inglés, o en este otro en español.

Recuerda, el ganador de este encargo podrá elegir entre los DVDs Lighting in Layers o el flash LumoPro LP160.

Buena suerte a todos.

BC3 Encargo #1: Perfil

2011-06-27T15:49:00.001+02:00

Bienvenidos la primer encargo del Boot Camp 3. Aunque este es claramente un ejercicio de iluminación, la iluminación en si misma no será la protagonista de las fotos. Ellas mismas serán a su vez solo un instrumento para lograr mi objetivo.

El propósito del BC3 es hacer que te abras hacia tu comunidad con la intención de que logres hacer buenas fotos que digan algo sobre ella

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El Primer Encargo

El primer encargo es a la vez sencillo y complicado. Lo sencillo es que el sujeto material del mismo es solamente una persona. En concreto, este encargo es de un retrato cerrado. Uno que pueda utilizarse como una portada o quizás a página completa para encabezar un artículo interior.

Pero lo complicado es que debes buscar y encontrar a alguien relevante en tu comunidad y fotografiarlo. Alguien que haga que tu comunidad sea más interesante, o simplemente que tenga una buena historia que contar. Alguien que se merezca el esfuerzo que supone hacer una foto de alta calidad.

Vas a tener que trabajar rápido, porque solo tienes 12 días a partir de hoy. Eso quiere decir que debes identificar a alguien rápidamente (y seguramente a algún sustituto). Necesitas pedirle permiso, encontrar el lugar adecuado, preparar la sesión, fotografiarlo y subir la imagen antes de que finalice el plazo (luego te daré más detalles).

Dedícale su tiempo a elegir a tu sujeto. Puede ser algún líder local (no apuntes demasiado alto o puede resultar muy complicado acordar una cita). O un artista. O algún trabajador extranjero que envié la mayor parte de sus ingresos a su familia en su hogar. O algún emprendedor en alza. O un artesano.

Llegar a decidir quien es el sujeto adecuado puede llegar a ser complicado. Sobre todo porque el reloj está en marcha. Incluso puede ser más difícil acceder a él como un completo desconocido, ya sea pro teléfono o por email. Si no tienes ni idea de como hacer esto último, igual este ejemplo te vale:

"Hola, mi nombre es [fotógrafo_asustado_hasta_los_huesos]. Durante este verano, estoy participando en un proyecto fotográfico mundial. Nuestro encargo para este mes es fotografiar a alguien interesante e importante para la comunidad y he pensado en usted. [quizás deberías decirle la razón de esta lección].

Estaría muy agradecido si pudiésemos quedar para una sesión fotográfica [y si quieres]. Estaré encantado de cederle una copia para uso personal. Mi fecha de entrega es [mejor que te reserves unos días por si hay complicaciones], así que como puede ver la rapidez es de suma importancia. Espero recibir noticias suyas pronto.

Muchas gracias"

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Algunos Consejos

Menos es más. Piensa en cosas sencillas. Usa un fondo simple, significativo. Piensa que el exceso de contenido no ayuda a tu foto, la perjudica. Y en cuanto a la iluminación: sí, esto va de iluminación, pero eso debes de dejarlo en el fondo de tu mente, para así poder concentrarte en lo realmente importante. Préstale atención a la composición, la pose, la interacción del sujeto, sus gestos, etc. etc. -- crea un instante.

Pero si quieres que hablemos de luces, tienes que utilizar como mínimo un flash y como máximo dos. Puedes usar speedlights o si tienes que utilizar luces de estudio, asegúrate de que la potencia es suficientemente baja como para poder repetir la foto con flashes de mano, es decir, no hagas nada que requiera potencia equivalente a la del Sol. Incluso con esta limitación tienes un montón de posibilidades, pero aún así las cosas siguen siendo técnicamente sencillas.

Un par de flashes de mano es un equipo con muchas posibilidades en retratos próximos. Todos estos ejemplos de retratos cerrados están realizados con uno o dos flashes de mano (o de estudio pero a baja potencia):

Blind Snoot Portrait
Women's Lacrosse Cover
Author Manil Suri (Imagen superior)
Soprano Erin Holmes
Blogger Sian Meades
Conference Room Quickie

Son solo ejemplos, más que nada por si crees que dos flashes de mano te van a limitar mucho. Pero recuerda, la iluminación es solo una herramienta. Intenta que tus fotos para este Boot Camp no digan solamente "mira, fíjate en mi iluminación". La iluminación está al servicio de la foto y está al servicio del fin que te has marcado. Que en este caso es informar sobre un aspecto de tu comunidad.

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¿Como debo enviar mis fotos?

La fecha límite es el sábado 9 de Julio a las 17:00 GMT.

Muy importante: Cuando hagas el retrato, haz otra de tu sujeto tocándose la nariz con el índice. Guarda esta foto, no la publiques. En caso de que ganes, tendrás que enseñármela como prueba de que el retrato lo has hecho para este proyecto y no es una imagen previa.

Para enviar la foto al concurso, debes estar en Flickr y en el Grupo Strobist. Etiqueta tu foto con "BC31" (sin las comillas, claro). Publica tu foto en el grupo Strobist. En la descripción de la foto pon quien es el sujeto, porqué lo has elegido y sobre todo no te olvides de incluir la información sobre la iluminación utilizada. Solo puedes presentar una foto. Por favor, no utilices la etiqueta BC31 en otras fotos, ni pongas ese texto en el título o la descripción de otras fotos o estas saldrán en la búsqueda.

Puedes ver las fotos presentadas en este enlace

Si tienes algún problema con los detalles de publicación o las fotos que acabas de etiquetar no aparecen, por favor, lee de nuevo el artículo BC3 Introducción.

¿Quieres discutir sobre las fotos? ¿Quieres comentar ideas? ¿Recabar opiniones sobre tus imágenes? El hilo oficial para discutir sobre el BC31 está aquí (y la versión en castellano oficiosa en este otro hilo).

Recuerda, el ganador de este encargo podrá elegir entre los DVDs Lighting in Layers o el flash LumoPro LP160.

Buena suerte a todos.

BC3: Introducción

2011-06-21T15:43:00.001+02:00

Bienvenidos al Boot Camp III. Han pasado dos años desde el último Boot Camp, así que me parece oportuno hacer una pequeña introducción antes de que os ponga el primer encargo la semana que viene.

Si tienes pensado participar (cosa que te recomiendo fervientemente) sigue leyendo, porque en este artículo encontraras toda la información sobre como participar, las reglas, los premios, etc.

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Los encargos

Voy a poner cinco encargos, diseñados para sacar a algunos, de vuestra zona de confort y obligaos a relacionaos con vuestra comunidad para hacer algunas fotos. Los encargos están inspirados por un proyecto local en el que ando metido y de cual os contaré más cosas a medida que avancemos. Además, yo voy a participar en varios de los encargos.

Con suerte, este empujón será el inicio de algún proyecto local organizado por vosotros mismos. Quien sabe.

Cómo participar

Como ya os dije en el artículo anterior, para participar debes ser miembro de Flickr y estar inscrito en el grupo The Strobist Flickr Group (Nota del Traductor: aunque existe un grupo Strobist en español, en el que también hablaremos del tema y comentaremos las fotos, el único modo de participar en el Boot Camp III a efectos de conseguir los premios es a través del grupo oficial en inglés). Así que si aún no eres miembro de Flickr, tienes que darte de alta inmediatamente. Flickr tiene un periodo de espera en el cual no te deja etiquetar las fotos, cosa que es imprescindible para poder participar.

Para presentar una foro a cualquiera de los encargos debes subirla a Flickr, publicarla en el grupo y etiquetarla con el código que daré en cada encargo. Puesto que tu foto se publicará en el grupo The Strobist es imprescindible que contenga la información sobre la iluminación empleada, directamente en la información que acompaña a la foto, no en un comentario posterior.

ATENCIÓN: Si eres nuevo en Flickr debes subir al menos 5 fotos públicas y esperar algunos días, antes de que las etiquetas de tus fotos empiecen a ser visibles. Así que mejor empiezas ya. Dentro de unos días, pese a haber leído esta nota, algunos preguntareis "¿Por qué no salen mis fotos en las búsquedas de resultados del Boot Camp?"

Respuesta: Ale, vuelve a leer el párrafo anterior. Otra vez. Otra más, por favor. ¿Está claro?

Alguien tenía que decirlo...

1. Por favor no estropees las búsquedas de resultados subiendo y etiquetando fotos que no son apropiadas para el encargo, para ser vistas por todos los públicos, etc. Siempre se puede eliminar cualquier foto inadecuada dándote de baja del grupo. Esperamos no tener que hacerlo. Pero es el modo más sencillo.

2. Puesto que hay premios, algunos pueden intentar hacer trampa, y hacer preguntas capciosas sobre la interpretación exacta de las normas, etc. Simplemente usad el sentido común. La vida es demasiado corta. Dedícale más tiempo a las fotos.

3. Y por supuesto, para evitar que subáis ningún "refrito", cada encargo llevará asociada una foto de comprobación que deberéis hacer al mismo tiempo que la oficial. Así, el ganador podrá mostrarla a nuestro requerimiento. ¿Os parece complicado?. Tranquilos, que no lo es. Todo encajará en cuanto os ponga el primer encargo.

Ya que hablamos de premios

En cada encargo elegiré unas cuantas fotos para mostrarlas en el artículo de resultados y una de ellas será elegida como la ganadora. Como en cualquier concurso fotográfico, todo parece ridículamente subjetivo. Y esa es la razón por la que he dudado si poner o no premios. Pero al final he pensado que poner a vuestro alcance algún trofeo hará las cosas más atractivas para todos.

El ganador de cada encargo podrá elegir entre mi juego de DVD Lighting in Layers o un flash LumoPro LP160.

Un detalle interesante: Estos LP160 son una versión especial. Cada LP160 es comprobado a mano en la tienda antes de enviarlos. Estos, además han sido probados en un récord mundial (el mayor número de speedlights sincronizados a la vez) y llevan un juego de baterías y una zapata fría.

Si prefieres el juego de DVD, te llegará desprecintado. Así que igual lleva algún inteligentísimo comentario o un comentario socarrón, de vuestro seguro servidor. Estáis advertidos.

Cualquiera que sea el premio que elijáis será enviado sin coste alguno a cualquier lugar del mundo. Los DVD os los enviaré yo directamente, así que tengo todo el derecho del mundo a etiquetarlos como regalo sin que protesten los aduaneros. Pero el flash proviene de un comercio (MPEX) y en USA es obligatorio declarar el contenido. Así que quizás en vuestro país los aduaneros quieran parte del regalo y de eso tendrás que encargarte tú directamente.

La regla de las dos luces

Para evitar que los acumulan-material tengan alguna ventaja, voy a imponer en cada encargo, el límite de dos speedlights. Si solo tienes grandes flashes de estudio, por favor no esperes ningún trato de favor por ser capaz de apagar el Sol o cosas similares. Si lo que nos enseñes no se puede hacer con un par de flashes de bolsillo, seguramente la imagen será rechazada.

Traducción: Si solo tienes flashes gordotes, bájales la potencia al mínimo y juega limpio.

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Pues ya está dicho todo. Las reglas son tan sencillas como he sido capaz de hacerlas y todo lo que necesitas saber para hacer cada encargo te lo diré en su memento.

¿Quieres revisar ideas o técnicas? Puedes visitar la página de On Assignment, donde encontraras todos los artículos publicados en esa categoría. (algunas están traducidas). Os dirigiré hacia alguno de ellos en concreto en cada encargo, según lo vea apropiado.

Los primeros dos Boot Camps fueron muy divertidos y tuvieron una altísima participación. Deseo que te unas a nosotros este verano y participes en este.

El primer encargo, la semana que viene. Buena suerte y divertíos!!

Anuncio: BC3:2L

2011-06-06T10:55:00.001+02:00

Ha pasado ya bastante tiempo desde el último Boot Camp de iluminación, así que que demonios!. Vamos a desempolvar nuestros flashes y a ponerlos a trabajar un poco.

Como en las ediciones anteriores, tendremos encargos, análisis de los resultados, gente quejándose de que no se calaran para publicar sus fotos en Flickr -- y por supuesto, premios. Y dada la gran variedad de conocimientos entre los lectores del blog, esta vez lo vamos ha hacer algo diferente. En cada encargo, solo vais a poder utilizar dos flashes como mucho, así que ese al que todos conocemos, no tendrá ninguna ventaja esta vez.

Así que ya entendéis el título BC3:2L, es decir Boot Camp III: Dos Luces

Hablando de Flickr, si quieres mostrar tus resultados en la página de resultados del BC3:2L tienes que apuntarte a Flickr. Es gratis, así que mejor si lo haces cuanto antes y así dejas transcurrir el tiempo necesario para que Flickr te deje publicar en grupos.

Si vives en un país que bloquea Flickr, puedes utilizar Firefox e instalarte el "desbloqueador" adecuado.

El primer encargo del BC3:2L aparecerá a lo largo del mes de junio.

De cervezas con: Edward Hopper

2010-07-13T18:33:00.001+02:00

Ha pasado bastante tiempo desde la última vez que tuve la ocasión de hablar con un artista muerto, y Edward Hopper ha ocupado algunos titulares este mismo mes.

Así que me reuní con él la semana pasada en un bar (¿donde si no?) en Fell's Point en Baltimore para hablar de la utilización de la luz en su obra más famosa.

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Strobist: Ante todo, Mr. Hopper, le tengo que confesar que soy un gran fan suyo. Usted ha sido durante mucho tiempo una gran influencia en mi estilo de iluminación. Y al parecer, también lo ha sido de otros muchos fotógrafos.

Hopper: Ni me lo recuerde. En serio. Una cosa es tener influencia, pero algunos "homenajes" son más bien otra cosa. Y por favor, llámeme Edward.

Strobist: Gracias. No quiero andarme por las ramas, así que vamos directos al cuadro con el que más fama has cosechado: "Nighthawks" (1942). Se ha convertido en todo un icono cultural.

Hopper: Bueno, es un modo de decirlo...

Strobist: Así que aquí está el cuadro. Y creo que es prácticamente perfecto, si no le importa que se lo diga. ¿Utilizó solo la luz disponible?

Hopper: Para nada, fue iluminada.

Strobist: ¿Así, que fue un montaje?

Hopper: Pues sí. La pelirroja es de Fotopunto. 150€ (y un CD) por tres horas de sesión.

Strobist: ¿Y los hombres?

Hopper: Clientes. Me costaron un par de cervezas. Lo hicimos fuera del horario habitual del bar. Le pagamos algo al camarero por tener abierto hasta más tarde y posar. En realidad, salió bastante barato. Por suerte lo hicimos antes de que entrase en vigor esa nueva tasa de $300 en NYC para obtener un permiso para la sesión. Ridículo.

Strobist: Y tanto. Así que hemos quedado en que estaba iluminada. ¿Te importaría que intentase adivinar como?

Hopper: Por favor, estás en tu casa.

Strobist: Todo el mundo tiene una luz frontal, y eso solo puede hacerse iluminando desde un sitio. ¿Una luz directa desde arriba, en el techo?

Hopper: Casi. Realmente es luz rebotada. La luz directa hubiese quedado mejor, pero habría sido bastante complicado esconder el reflejo especular en las cafeteras. Con un flash rebotado desde muy cerca en el techo, logramos bajar la intensidad del reflejo en la parte superior de la cafetera. En realidad, estuve tentado de quitar una de las cafeteras y utilizar el divisor vertical entre las ventanas para tapar el reflejo especular.

Strobist: Ah, y de ese modo habría sido más sencillo utilizar un flash desnudo ¿no?

Hopper: Sí, pero ¿que bar que esté abierto toda la noche no tiene cafe normal y descafeinado?

Strobist: Exacto, así que ¿un flash rebotado?

Hopper: Sí. Y esa es toda la luz que utilizamos en el interior. Por cierto, que usamos un Elinchrom Ranger Quadra. Es capaz de emitir 400 w/sec, pero es suficientemente pequeño como para que lo sujetásemos con cinta gaffer en uno de los plafones. Con un disparador Skyport podía controlar su potencia desde la cámara. Al final, lo disparamos a plena potencia. El rebotar un flash se lleva mucha luz.

Strobist: Acabas de decir que era la única luz en el interior. ¿Había más luces?

Hopper: Sí, había otro flash -- otro Ranger Quadra.

Strobist: ¿Donde?

Hopper: Dímelo tú.

Strobist: Bueno, las sombras en el lado derecho de la ventana del fondo apuntan hacia la luz, así que supongo que estaba en algún lugar alrededor de esa esquina.

Hopper: Inténtalo de nuevo...

Strobist: ¿Algún truco con el Photoshop?

Hopper: Para nada

Strobist: Así que debía estar detrás de la pared de la derecha, en un pie muy alto... ¿con una jirafa?

Hopper: Sí, de ahí que utilizásemos otro de los pequeños Quadra. La cabeza solo pesa un cuarto de kilo. La puedes poner en cualquier sitio. El pie estaba detrás de la pared de la derecha, la jirafa salía hacia la izquierda y el flash colgaba sobre la calle escondido detrás del muro que hay sobre la ventana. Eso me ayudaba a iluminar el pelo de la pelirroja y algo de separación en el tipo que está sentado a su lado.

Strobist: ¿De verdad era esa luz trasera tan importante?

Hopper: Por supuesto. Mira al otro tipo. ¿Ves como se confunde con el fondo por la izquierda?

Strobist. Sí

Hopper: No le puse ninguna luz de separación. Eso lo hace parecer un personaje secundario respecto a la pareja protagonista. Esa luz trasera de paso ilumina un poco la cara del camarero. Pero le pusimos un gobo para evitar que iluminase la acera que se ve por la ventana. La quería oscura.

Strobist: Perfecto. ¿Y todo lo demás es ambiente?

Hopper: Sí, unos 3 o 4 pasos de subexposición. Es una toma larga, de unos 8 segundos -- siempre es útil llevar un buen trípode cuando vas a iluminar por la noche. Apagamos todas las luces del bar, para evitar que se formasen fantasmas durante la exposición prolongada. Desde el punto de vista de la luz ambiente, el interior del bar es bastante más oscuro que la calle. Pero el flash invierte la situación en la toma final.

Strobist: ¿Como se te ocurren estas cosas? ¿Es mera improvisación?

Hopper: Oh no. Lo planifico todo. Incluso hice algunos diagramas algunas noches antes.

Strobist: ¿De verdad? Así que ¿hiciste algunos garabatos sobre una servilleta de papel al estilo de McNally?

Hopper: Bueno antes lo hacía así. Pero ahora uso carboncillo en papel libre de ácido.

Strobist: Pero que me estás contando!

Hopper: Dejame que me explique. Fíjate en este ejemplo -- ¿ves este diagrama?

Strobist: Sí. Bonito, me imagino...

Hopper: ¿Bonito?, esta preciosidad se acaba de vender por $352.000 en Chistie's.

Strobist: ¿El borrador? ¿Me tomas el pelo?

Hopper: No, no te miento. En serio.

Strobist: Wow. Yo uso mi iPhone para dibujar diagramas de iluminación

Hopper: Mira que bien. ¿No eres muy güay?

Strobist: Bueno, después de ver esto, parece que no tanto. Bueno, volvamos al asunto de los homenajes.

Hopper: Quieres decir de las copias burdas ¿no?

Strobist: Bueno, como lo quieras llamar. Así que aquí está el "Boulevard of Broken Dreams II" (1984) de Gottfried Helnwein. Bastante chulo en realidad -- James Dean, Humphrey Bogart, Marilyn Monroe, Elvis. Me gusta porque todos ellos murieron antes de tiempo y aquí están, todos juntos en el bar por la noche.

Hopper: Vamos hombre. Son acuarelas sobre cartón, por amor de Dios.

Strobist: Ya, pero...

Hopper: ¿De verdad te gusta? ¿De verdad?

Strobist: Verás, tengo algo que confesarte -- durante mucho tiempo he creído que Broken Dreams era el cuadro original.

Hopper: ¿Te estás cachondeando de mi? Mira, en serio, tengo que irme ¿vale?

Strobist: Pero...

Hopper: Adiós.

Strobist: Bueno, en tal caso...

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Aparte de este final tan abrupto, este cuadro ha sido noticia este mes. Después de una meticulosa investigación, se ha llegado a la conclusión de que el bar en Nighthawks -- el que pintó Hopper -- probablemente nunca existió.

Puedes leer más detalles de esta noticia en este enlace

Y si has disfrutado de esta cerveza con autores muertos, puedes ver nuestras conversaciones previas con Rembrandt y Vermeer.

¿Cual es tu velocidad de sincronización?

2010-01-08T09:47:00.001+01:00

Encuesta popular: ¿Cual es la mayor velocidad de sincronización de tu cámara?

Al igual que cuando circulas por una autopista a las 2 de la madrugada, en muchos casos la máxima velocidad de sincronización es más una sugerencia que una prohibición.

Y del mismo modo, en algunos casos, las especificaciones de tu cámara mienten: quizás tu cámara no sea capaz de llegar a la velocidad que se supone debería llegar.

Como muchos ya sabéis, si tu cámara dice que puede sincronizar a 1/250, puede hacerlo un poco mejor si utilizas un flash rápido y un cable pc sync en lugar de un Pocket Wizard. Y esa pequeña banda oscura, producto de la no sincronización si disparas a 1/320, puede que no llegue a verse.

O igual ayuda a encuadrar mejor la imagen, como en esta imagen de un atardecer sincronizado por encima del límite de mi cámara (más información sobre esta imagen en este otro artículo).

Y hablando de esta foto, si hubiese querido, podría haber sincronizado perfectamente a 1/500. Simplemente tendría que haberle dado la vuela a la cámara y así la banda no sincronizada habría quedado en el cielo. El cielo no necesita la sincronización -- es todo luz ambiente ¿no?

Pero por contra...

Ya hemos hablado en otras ocasiones de disparar por encima de la velocidad de sincronización. Se pueden hacer cosas divertidas. Pero en algunos casos, los diseñadores de las cámaras trabajan muy al límite para lograr esos números tan redondos en las velocidades de sincronización. Y a veces se quedan cortos.

Dejadme preguntarle a los que tengan una 5D MkII, ¿cual es tu velocidad de sincronización? ¿un 1/200, verdad? (El demonio ha tenido algo que ver con estas cámaras que compras por menos de $3K. No hay 1/250 para ti)

Pues puede que sea un poco peor. Quizás te salga una pequeña banda oscura si sincronizas a 1/200. Y que el cielo te ayude si estás intentando usar un flash grande, que suele ser más lento que los pequeños. O utilizar un esclavo óptico como segunda fuente de luz.

Fijaos en este montaje en Guanajuato, Mexico. Yo soy el VAL para Françoise, que es quien dispara desde la parte inferior de esta imagen.

Le dije que usase 1/200 y buscase una apertura adecuada para obtener un cielo muy saturado y entonces añadiríamos un flash para llevar a Sara al rango adecuado de exposición. Además, Françoise lleva otro flash en el eje para rellenar, así las sombras en Sara no serán negras. Quedará muy chula la foto.

¿Sin problemas, no?

Bueno, sí, excepto que la 5D MkII de Françoise realmente solo sincroniza a 1/160. Lo cual implica que solo dejaba entra parte del pulso de luz del SB-800 que utilizábamos como esclavo, pero no todo. Así que por mucho que aumentábamos la potencia del flash, no obteníamos mayor exposición en la imagen. Subir la potencia del flash, lo único que hace es prolongar su duración, si la cámara no sincronizaba a 1/200, esa luz extra no llegaba a la imagen.

El flash está disparando, pero sincronizando solo parcialmente. La mayor parte del destello de alta potencia se está produciendo después de que se cierre el obturador. y Françoise, naturalmente, estaba cada vez más confundida a medida que Sara permanecía con el mismo nivel de iluminación pese a que modificábamos la potencia del flash.

Mientras tanto, a unos metros de distancia, Peter Norby (quien tomó estas dos imágenes) estaba obteniendo los resultados esperados. Su cámara -- también una 5D MkII -- aprovechaba toda la energía liberada por mi SB-800 esclavo. Exactamente el mismo esquema, el mismo equipo de iluminación y las mismas condiciones.

Lo que le salía a Peter es lo que Françoise esperaba. Pero simplemente no le salía. Y no fue hasta que de nuevo nos paso lo mismo ese mismo día que no caí en la cuenta de lo que estaba pasando.

Esta vez Peter era el modelo en un esquema de iluminación similar a este. Estábamos a metro y medio de él disparando un SB-800 esclavo a media potencia. Quiero decir, que empezábamos a oler a barba quemada cada vez que disparábamos el flash.

Nada.

Bueno, algo si, lo justo para ver el flash, pero probablemente el 80% del pulso no entraba en la 5D MkII de Françoise a 1/200. Y eso que se supone que esa es su velocidad de sincronización. Pero no lo es en realidad.

Entonces se me ocurrió: quizás, la cámara de Françoise es un poco...lenta. Bajamos la velocidad a 1/160 y disparamos de nuevo. En esta nueva imagen, parecía que Peter estaba iluminado por un pequeño artefacto termonuclear. Que era exactamente lo que esperaba en todas las imágenes anteriores.

Test, Test, Test

¿Como sabes si te ha tocado una cámara lenta? Es fácil hacer unas pruebas.

Tienes que usar una habitación oscura. Pon el flash en la cámara y pon la velocidad de sincronización nominal del fabricante. Dispara un destello a plena potencia sobre una pared y ajusta la apertura hasta obtener una exposición razonable. (Es importante que utilices el flash a plena potencia, puesto que de ese modo te generará el pulso más largo que puede emitir ese flash. Usa el ISO más bajo que tengas y si aún así sobreexpones, aléjate de la pared). Ahora usa una velocidad 1/3EV más lenta. Por ejemplo, de 1/250 a 1/200 o de 1/200 a 1/160.

No debes ver ninguna diferencia. Si llegas a notar alguna diferencia -- un poco más brillante, o quizás una ligera banda oscura que antes no habías notado -- es porque tu cámara no es capaz de sincronizar a la velocidad indicada por el fabricante.

Puedes forzar un poco la situación, usando el flash del cuerpo a baja potencia para disparar el flash esclavo a plena potencia. Eso añade un pequeño retraso de sincronización (realmente bajo) y te indicará cuales son tus limitaciones en este esquema con múltiples flashes. Añade un disparador por radio por aquí y un flash de estudio si lo tienes, por allá y tendrás toda la información sobre las velocidades de sincronización reales que puedes emplear con tu equipo.

Mi D3 por ejemplo, puede sincronizar perfectamente un SB-800 a plena potencia como esclavo óptico, pero produce una banda oscura a 1/250 si utilizo los Pocket Wizard y un AB800 o un AB1600 a plena potencia.

Luego, sube el volumen al 11

Si estás sincronizando con cable, con un disparador por radio, o con cualquier otro método que le haga pensar a la cámara que no tiene flash, sube la velocidad de obturación por encima de la máxima velocidad de sincronización y repite las pruebas. De ese modo te familiarizarás con las bandas producidas por tu cámara a 1/320 y 1/500, para estar preparado en esas situaciones en las que necesitas un poco más de control del ambiente.

En tanto en cuanto sepas exactamente que zona de la imagen no va a ser iluminada por el flash a esas velocidades, puedes componer (y/o girar la cámara) para lograr que la cosa funcione.

Nota del traductor: El título del artículo original "Know Your Sync" y la foto que encabeza el artículo son un juego de palabras, puesto que en ingles sync suena parecido a sink que significa pila -- en el sentido de lavabo, no de batería --

De cervezas con: Vermeer

2009-11-13T11:20:00.001+01:00

Pidiendo de antemano disculpas a todos los profesores y alumnos de arte que han habido y habrán, hoy lanzamos la segunda entrega de mis conversaciones casuales con los Viejos Maestros.

Estos tipos son los verdaderos expertos en la iluminación, y este es el marco en el cual los entrevistamos -- como fotógrafos. Resulta que los fotógrafos les hemos copiado tanto sus obras, que al final se encuentran cómodos entre nosotros.

Lo cual me recuerda, que estos Viejos Maestros, merecen tu respeto. Al menos, el suficiente como para permanecer despierto durante tu clase de humanidades a primera hora de la mañana.

Por supuesto que son difíciles de entrevistar -- no en vano llevan cientos de años de fama y admiración. Pero la persistencia, generalmente da sus frutos.

Antecedentes

Me encontré con Johannes Vermeer en un bar en el distrito de Adam Morgan en Washington DC, donde acababa de llegar desde Holanda para dar una charla y firmar algunos libros en Kramerbooks

Es holandes, y conocdio mundiamente por su retrato y por el uso de la iluminación con el estilo conocido como chiaroscuro, que se ha convertido en el modelo que siguen muchos de los fotógrafos actuales al iluminar. En este contexto, es en el que se produce nuestra charla.

David Hobby: Antes de nada, quiero empezar diciéndole que soy un ferviente admirador de su iluminación. Me encanta la separación interna entre sujeto y fondo que produce esa luz sobre sombras -- esa técnica me ha salvado muchas veces mientras trabajaba en el periódico, con su baja calidad de impresión.

Johannes Vermeer: Encantado de ayudarle. Supongo que aprendió esa técnica en la escuela.

DH: Bueno, ya que lo menciona, en realidad no.

JV: Ya, me lo imaginaba. Es algo que me irrita. Fui pionero en el estilo de iluminación que ha terminado por imponerse en la actualidad, y sin embargo ya-sabes-quien es el que se lleva los honores en la clases de iluminación.

DH: ¿Se refiere a Rembrandt?

JV: Gracias. Justo lo que te decía. No he tenido ni que decir su nombre ¿verdad?

DH: No, claro, pero...

JV: En serio ¿quién utiliza de verdad el estilo de iluminación de Rembrandt? ¿Necesitas cinco fuentes de luz? vamos, hombre..

DH: Monte Zucke si que la usa...

JV: Vale, dime otro nombre

DH: Ummm.... vale, me has pillado.

JV: No te preocupes. Rembrandt tenia un representante muy bueno. Entendía la fuerza de la marca como nadie más. Incluso utilizó el crowdsourcing en la "Guardia Nocturna". Fue un encargo conjunto. He oido que está trabajando incluso en una aplicación para el iPhone. Es una máquina. No puedes competir contra él.

DH: Eso resulta bastante importante hoy en día

JV: Siempre lo ha sido

DH: Así que Rembrandt se llevaba los titulares. Pero tu iluminación se utiliza por todos lados!. ¿Podemos hablar un poco de ella?

JV: Por supuesto

DH: Vale, entonces hablemos de "La muchacha con el pendiente de perlas"

JV: Una única luz -- una softbox arriba y a la izquierda. Fondo negro, nada de luz de relleno. Muy simple

DH: Y sin embargo es una de tus imágenes más famosas

JV: Eso me sirve para demostrarte que la cosa no va sobre la complejidad de la luz. Es sobre la conexión que se establece entre el sujeto y el espectador.

DH: Incluso han hecho una película sobre esta imagen.

JV: Sí, sí, me nombraron "consultor técnico", lo que molaba un montón. Pero digamos que me gusta más el cuadro que la película y dejémoslo ahí.

DH: No sea modesto. Si incluso tenemos un fragmento!

JV: Vaya, que bien...

DH: Así, que al menos conocería a Scarlett Johansson ¿no?

JV: Sí, claro.

DH: ¿Y?

JV: Impresionante. Sencillamente espectacular. Wow. Si no tuviera 377 años...

DH: Sí, sí. Bueno, cuéntame algo más sobre tu estilo de iluminación. Te gusta mucho usar la luz de las ventanas ¿verdad?

JV: No tanta com te imaginas. En general pongo una softbox mediana o grande justo fuera de la ventana y simulo la luz diurna. Así tengo más control sobre la intensidad, el gradiente, el color, etc.

DH: Tiene sentido. ¿Que flashes empleas?

JV: Profoto 7B. De ese modo no dependo de la potencia. Y tampoco es que haga millones de fotos. Soy más de capturar el instante. Los 7B funcionan muy bien. Uno fuera y otro dentro.

DH: ¿Que quieres decir?

JV: Uno fuera de la ventana y otro dentro de la habitación. Una softbox con la luz principal sobre el sujeto -- generalmente arriba a la izquierda -- y otra softbox desde la derecha de la cámara, detrás, sobre el fondo.

DH: ¿Así de simple?

JV: Así de simple. Y de ahí es de donde viene la separación. Luz contra sombras. Eso es lo que realmente significa chiaroscuro literalmente.

DH: Si, ya lo sabía. ¿Es una palabra italiana, verdad?

JV: Correcto.

DH: Bueno, ya es hora de hablar de algo más complejo. Cuentame algo sobre "Los Procuradores", que se puede ver aquí arriba.

JV: ¿Que quieres saber?

DH: Esta es un poco, um, picante ¿no?

JV: Me gusta mezclar cosas.

DH: ¿De donde sale la idea original?

JV: Fue idea de ella. Era una modelo de Model Mayhem. Todas ellas lo son. A ella le apetecía algo más subido de tono. Llevaba tatuajes por todo el cuerpo. Me lo puso complicado con la ropa, para poder taparla por completo y que no se viesen.

DH: Así que ¿Model Mayhem es un sitio donde solo vas a ver si pillas cacho o hay gente sería allí dentro?

JV: Bueno, hay un montón de gente que lo único que intenta es quedar con mujeres. Excepto Caravaggio.

DH: ¿En serio? ¿Es el único estrictamente profesional?

JV: Dificilmente. Simplemente no le interesan las mujeres. Le gustan los chicos. En concreto, los jovencitos

DH: Oh.

JV: Solo tienes que revisar sus obras. Ya te darás cuenta.

DH: Vale, bueno a lo que vamos. ¿Que me puedes contar sobre la luz de "Los Procuradores"

JV: A ver si eres capaz de descubrirlo por ti mismo

DH: Ok... una fuente de luz grande a la izquierda. Quizás un poco elevada

JV: Es un flash desnudo disparando a través de una sábana de matrimonio. El clásico estilo McNally. Continúa...

DH: No hay mucha luz que venga desde la derecha de la cámara -- lo puedo ver por las sombras en el rincón.

JV: Vale ¿y?

DH: ¿Relleno en el eje? ¿Unos dos paso por debajo de la luz principal?

JV: Exacto. Revela los detalles, pero no deja trazas. Nuestros ojos pueden ver un rango dinámico muy grande en la vida real, pero cuando estamos iluminando una escena, tenemos que crearlo. Sin embargo no utilicé un anular. Es simplemente un paraguas grande detrás de la cámara.

DH: Perfecto. Se dice que nunca has posado para un retrato. Pero ese tipo a la izquierda, me suena mucho.

JV: Sí ¿verdad?

DH: ¿Eres tú?

JV: Yo no lo he dicho...

DH: Ok, tengo suficiente. Pero el detalle en la imagen es enorme. ¿Como la tomaste?

JV: PhaseOne P45+ en un viejo chassis de una Hasselblad 500.

DH: Se parece mucho a las fotos de Drew Gardner. ¿Lo conoces?

JV: Nunca nos hemos encontrado, pero soy un gran fan de su obra.

DH: Me imaginaba que deberías de ser fan suyo. Bueno, gracias por tu tiempo. Se que tienes que empezar esa firma pronto, así que vamos a ir terminando. Una última cosa -- ¿A quien debería entrevistar ahora? ¿alguna sugerencia?

JV: Hombre, también soy fan de Hopper.

DH: ¿Dennis?

JV: Edward

DH: Claro, por supuesto. ¿Me podrías poner en contacto con él?

JV: Haré una llamada

DH: Gracias!

________________________________

Para terminar

Aparte de las licencias artísticas, la idea de entrevistar a Vermeer como fotógrafo, tampoco es tan exagerado. Hay muchos estudiosos que consideran que sus cuadros son demasiado precisos. Hay artículos en los cuales se sugiere que Johannes Vermeer se ayudo de una camera obscura en sus cuadros.

La precisión geométrica, la sencillez de los decorados -- incluso el hecho de que muchos de sus cuadros hallan sido pintados (o podrían haber sido pintados) en la misma habitación -- todo apunta al uso de un primitivo antecesor de nuestras cámaras fotográficas actuales.

Si te ha gustado esta charla, seguramente estarás interesado en leer la primera de la entrega, que fue con Rembrandt.

Q&A: Un grupo grande, en una gran sala oscura

2009-10-13T17:33:00.001+02:00

A ultima hora de la noche, el miércoles, la lectora Vicki Madden me preguntó por Twitter:

"Necesito consejo para un trabajo importante el viernes -- ¿como fotografío a un grupo grande el el gimnasio de un instituto?"

Ante todo, hacer una pregunta así de genérica 48 horas antes de "un trabajo importante" no es lo más adecuado. Y usar @Strobist en twitter, no es probablemente el mejor método de contacto (Lo mejor sería probar en el grupo Strobist en Flickr para este tipo de consultas urgentes)

Pero la pregunta, resultó ser un buen ejercicio en planificación de iluminación en un ambiente no demasiado cómodo -- por no mencionar el tener que lidiar con la parte psicológica de fotografiar a un grupo numeroso. Así, que pese a lo genérico de la pregunta, decidí dedicarle un tiempo a responderlo.

(De paso tendría que posponer el "On Assignment" que tenía pensando publicar hoy. Esto hace que responder a esta pregunta, sea aún mucho más atractivo)

Así que Vicki, acompáñame en la construcción de esta imagen con el mínimo equipo posible

Primero lo primero

El montaje mínimo que emplearía para esta toma serían tres flashes desnudos en sus correspondientes soportes. Así que le envié a Vicki un escueto mensaje via twitter el jueves por la mañana dándole los detalles imprescindibles y la emplacé a leer este artículo justo antes del medio día del viernes.

Mis suposiciones son:

Primero, puede hacerse con tres flashes para dispararlos fuera de la cámara. Segundo, el gimnasio está completamente a oscuras, solo por hacerlo más interesante. Tercero, cuenta con la ayuda de alguien para poder montar la iluminación antes de que llegue el grupo. Y cuarto, supongamos que tenemos 60 personas en el grupo.

El gimnasio es grande y oscuro

Eso son buenas noticias.

En serio, son buenas noticias. Porque para poder iluminar a un grupo tan numeroso, vas a tener que poner las luces muy separadas para poder iluminarlos uniformemente. Y te interesa que esté oscuro. Si tuvieses que hacer esta foto en el exterior, con la luz del Sol, no tendrías ninguna oportunidad de equilibrarlas a ninguna distancia (por encima de unos 2 metros más o menos).

Así que la oscuridad está ayudándote.

Más buenas noticias desde el gimnasio: múltiples posibilidades de elevarte tanto a ti como a tus luces. Llama antes de ir y asegúrate de que están montadas las gradas. No lo dejes a la suerte, confírmalo y si no están, pídelas con firmeza.

Llámales y diles algo del estilo "Hola, soy Vicki Madden. Soy la persona que va a ir a hacer la foto de gripo en el gimnasio el viernes y necesito tener montadas las gradas, por lo menos una hora antes de la sesión, de modo que pueda montar la iluminación. Muchas gracias"

Llama directamente a la oficina e intenta utilizar el tono de voz que usarías si hicieses este tipo de llamadas todos los días. La persona que reciba la llamada no será la encargada de poner o quitar las gradas. Pero tu autoridad y decisión se encargarán de que tu mensaje llegue a los oídos apropiados.

Y pese a todo, tienes que llegar con más de una hora de anticipación y tener presente que te puedes encontrar con que no estén disponibles esas gradas. Simplemente cuenta con que pueden no estar y así no te agobiaras si cuando llegas no te han hecho caso. En ese caso busca al responsable del gimnasio y explícale que se supone que estarían montadas en unos minutos, para asegurarte de que está al tanto de tu programa de trabajo.

El esquema

Vas a hacer la foto desde mitad de las gradas, de ese modo estarás algo por encima del grupo y aún te quedará espacio por arriba para la luz principal.

Imagina que tienes al grupo delante de ti. Coloca al ayudante justo en el centro de lo que será, digamos tres filas de gente bastante apretadas en el suelo del gimnasio. Estima el tamaño del grupo y así tendrás una idea clara de la focal que debes emplear desde el punto donde vas a hacer la foto.

Coloca la luz principal

Digamos, por fijar alguna preferencia, que vas a poner la luz principal por encima de tu hombro izquierdo. Pon el flash bastante elevado por encima de tu posición (probablemente en la última fila de bancos).

Pon la potencia del flash a 1/2 y cierra el zoom todo lo que puedas -- digamos, 85mm o 105mm (los 200mm del SB-900 si tienes la suerte de tener uno de estos, es quizás excesivo). Apuntalo a un metro sobre la cabeza de tu ayudante colocado justo en el centro del grupo. No es que tengas mala puntería, es que apuntando de ese modo, tendrás el haz suavizado a izquierda y derecha y delante detrás.

Por en la cámara una velocidad de disparo elevada, digamos 1/125 o 1/250 puesto que estoy asumiendo que la iluminación del gimnasio es tan mala que vamos a prescindir de ella e iluminar únicamente con flashes. Dejemos que el gimnasio se oscurezca todo lo que haga falta.

Deberías obtener f/2.8 o f/4 en el centro del grupo. Si no puedes llegar a esas aperturas, sube el ISO a 800 si tu cámara es capaz de darte una buena imagen con esas sensibilidades. Si no es así, pon los flashes a plena potencia (es preferible lo primero, porque así tendrás mayor tiempo de reciclado y podrás hacer más fotos antes de que se te canse el grupo)

Si el flash te produce luz suficiente prueba a trabajar a f/5.6 y así mejorarás la profundidad de campo. ¿No crees que tu flash sea capaz de hacer esto? Igual te llevas una sorpresa.

Por supuesto, si estás usando monobloques, tienes potencia de sobra para trabajar a la apertura que quieras.

Prueba tu luz principal para obtener una buena exposición de tu grupo en tres zonas diferentes: justo en el centro, en la última fila lo más alejado posible de la luz principal y en la primera fila lo más cercano posible a dicha luz. Como estás usando el flash en modo teleobjetivo y lo has apuntado por encima de la primera fila y un tanto hacia el fondo del grupo, es bastante sencillo lograr una exposición equilibrada en toda el área.

Esta técnica llamada feathering te facilita la iluminación de áreas extensas uniformemente. El funcionamiento es sencillo: las zonas cercanas reciben el borde del haz y por lo tanto reciben menos luz, lo cual compensa el que estén más cerca. Además el borde de la zona iluminada en el suelo se irá tornando más oscuro a medida que te aproximas a la posición del flash.

Enhorabuena, ya has colocado tu luz principal.

Coloquemos la luz de separación

Ahora nos vamos a subir a las gradas del otro lado de la pista y a la esquina opuesta. Vamos a repetir el mismo proceso para crear una luz que nos separe a todo el mundo del fondo oscuro y que además nos ilumine un poco el suelo en las zonas donde no llega la luz principal.

(Atención: tus disparadores deben ser capaces de funcionar a lo largo del gimnasio. Si no llegan, podrías emplear esclavos ópticos que en estas condiciones deberían trabajar muy bien, puesto que los flashes están prácticamente apuntándose el uno al otro)

Apunta este flash sobre las cabezas, igual que hiciste con la luz principal y pruébala para asegurarte que obtienes una iluminación uniforme en toda la zona. Quizás necesites un gobo para evitar que la luz frontal llegué a la cámara. Así evitarás que se produzcan reflejos extraños y flare.

Ahora la luz de relleno

Está ha sido facil. Ahora tienes un campo de luz cruzada dura para iluminar uniformemente a tu grupo. Pero como vamos a trabajar solo con la luz del flash, las sombras serán muy oscuras. Vamos a resolver esto con un flash en el eje de la cámara.

Esta luz, como las otras dos va a ser un flash desnudo. ¿Por qué? Pues porque a menos que tengas un reflector parabólico de 5 metros, no vas a lograr nada con ningún modificador de luz a estas distancias, excepto quitarte intensidad de las fuentes de luz. Así que estamos buscando una iluminación eficiente y dura. Esas sombras duras creadas por la luz principal y la de separación van a funcionar muy bien, siempre y cuando tengamos controlado su contraste.

Así que vamos a colocar esta tercera fuente en tu posición de trabajo: a mitad de las gradas. Volvemos a poner al ayudante en el centro del grupo y variamos la potencia de la luz de relleno hasta que las sombras tengan buen aspecto. Probablemente, con una exposición de -1.5.EV por debajo de la luz principal estará bien. No es necesario hacer una medición separada, simplemente ajusta la potencia hasta que las sombras se vean bien.

Tendrás que ajustar el nivel de zoom de tu flash para que coincida con el del objetivo para poder iluminar correctamente a todo el grupo. Además conviene que utilices de nuevo el feathering apuntando el flash por encima de las cabezas para homogeneizar un poco la luz de relleno entre la primera y la última fila. ¿Ahora tiene sentido todo esto, verdad?

En esta posición, la luz de relleno está más próxima al grupo que la principal, así que espera potencias entre 1/4 y 1/8. Empieza por estos valores y haz cambios hasta que te parezca que obtienes el contraste adecuado en las sombras. Las sombras deben tener un aspecto natural, sombras con textura en lugar de un negro absoluto. Es como cuando cocinas y te dicen que salpimientes al gusto.

Coloca la luz de relleno al lado contrario del eje que tu luz principal. En nuestro caso, eso quiere decir a la derecha de la cámara. Y muy cerca de ella. De este modo no tendrás sombras cruzadas, pues la luz principal borrará cualquier posible pequeña sombra creada por la luz de relleno. Y la luz de relleno verá todo lo que puede ver la cámara, incluidas las sombras creadas por la luz principal.

Ahora haz que tu ayudante cambie de posición y haz pruebas en cada una de ellas. Admira tu trabajo.

Ya tienes colocada la iluminación. ¿Que hacemos ahora?

Ahora el grupo. Para 60 personas, yo los dividiría en tres o cuatro filas. Lo mejor es hacer que cada fila tenga una persona más que la fila que tiene delante. De ese modo tenemos una disposición en abanico y es fácil intercalar a la gente. Así, en lugar de tres filas de 20, mejor una de 19, otra de 20 y una de 21.

Antes de empezar, asegúrate de sabes quien es la persona o personas más importantes del grupo. Ellas van en la primera fila al centro. O en la segunda fila al centro si son muy altas. Antes de empezar con las fotos, preséntate a los mandamases y diles que probablemente vas a hacer algunas gracias a su costa para tener al resto del grupo relajado y colaborador. Suele funcionar.

En estos momentos eres el presentador de un circo de tres pistas. Trabaja rápido y ten a la gente relajada. Ponlos a todos juntos y concéntrate en cuatro cosas, rápidamente:

1. Ordenalos por altura -- los más bajitos delante, los más altos detrás. Ayuda a la gente a organizarse por ellos mismos, pidiendo por ejemplo que los más altos de 1,80 se pongan detrás y los más bajos de 1,65 delante. Ajustalos como sea necesario para intentar mantener los números de personas por filas de los que hemos hablado antes.

2. Toda la gente con gafas debe ponerse en el lado del que viene la luz principal. En nuestro caso, a la izquierda de la cámara.

3. Ahora haz que todo el mundo gire un poco su cuerpo hacia el centro del grupo. Esto, además de lograr un mejor aspecto para la imagen que si todos mirasen al frente, consigue eliminar todos los reflejos de la luz principal en las gafas de la gente (Incluso se evitan los reflejos de la luz de relleno, porque la gente mira hacia un lado cuando los hacemos girarse hacia el centro).

4. Indícales que todos deben de ser capaces de ver la luz principal (explícales cual de ellas es), de ese modo todas las caras estarán iluminadas. Si tú los puedes ver, la luz de relleno también les alcanzará. No hace falta ninguna luz de modelado para esto. Haz una prueba rápida y asegúrate de que no queda ningún pequeño problema. No es el momento de descubrir ningún gran fallo. Has tenido todo el tiempo de las pruebas anteriores para resolverlos.

Dispara rápido

Enfoca en el centro del grupo, a 1/3 de la profundidad del grupo. De este modo aprovecharás al máximo la poca profundidad de campo que tienes a tu disposición. A esta distancia de trabajo, no te preocupes, deberías tener suficiente. Pero aún así, intenta que el grupo sea compacto, solo por facilitar las cosas.

Mantén al grupo interesado, a costa de los mandamases. Si tienes la suficiente confianza como para bromear con esa gente, el resto del grupo estará mucho más relajado. Una vez le dije a un vicepresidnete de Northrup Grumman, que estaba rodeado de sus subordinados, que me alegraba de verlo de nuevo, esta vez vestido de hombre (Por eso es por lo que debes advertirles antes).

Avísales de cuando vas a hacer la foto. Como en uno, dos, tres (pop). Pero dispara antes de avisar en algunas ocasiones para evitar a la gente que parpadea al oír el aviso. Como en uno, dos, (pop) tres. Alguna gente parece que planea el parpadear con los flashes. De este modo, los vencerás.

Trabaja rápido, ten en cuenta tu tiempo de reciclado (que has probado antes) y dispara varias docenas de imágenes. Cuenta chistes todo el rato. Tienes que estar preparado para captar cualquier reacción con una imagen. No les avises de que esta es la última imagen. Avísales de que "solo nos quedan 30 minutos para terminar" y dispara cuando reaccionen. Seguro que reaccionan.

Usa una voz segura y autoritativa (como en el excelente ejemplo de fotografía de grupos de Bert Stephani) y mantén el control de la situación todo el tiempo. Lo necesitarás. Diviértete.

Buena suerte, Vicki

Rosco piensa a lo grande pensando en las cosas pequeñas

2009-09-30T19:04:00.001+02:00

Vale, seguramente estaré predispuesto a que me guste este nuevo kit de geles de iluminación con ese nombre tan chulo. Pero la verdad es que esto es el resultado de una colaboración bastante dinámica entre una comunidad de usuarios de la web y un negocio que ya existía, en la que nosotros hemos sido el problema y la solución.

Básicamente, demasiado abusar de algo bueno, prácticamente ha echo desaparecer ese algo. Al final lo hemos salvado transformándolo en algo aún mejor.

Una pequeña historia

Desde hace mucho tiempo, Rosco tenía en marcha un programa de muestras, de modo que ellos regalaban un paquete de muestras de sus filtros, que casualmente tenían el tamaño adecuado para ponerlos en nuestros pequeños flashes.

Si estabas dispuesto a pegarlos de cualquier modo y no te importaba demasiado el pequeño agujero que llevaban, tenías a tu disposición el arcoiris al completo sin más que pidiendo que te enviasen un catálogo de muestras. O dos. Este programa funcionaba muy bien, pues servía como puerta de entrada para vender las hojas de 20x24 pulgadas a $7 la unidad.

Porque después de todo ¿que va ha hacer un fotógrafo profesional con una pequeña muestra del filtro?. La verdad es que no demasiado.

Aún así, la gente seguía usando estas muestras para los flashes pequeños. Simplemente te quedabas con los "buenos" y tirabas el resto. La verdad es que se desperdiciaban muchos filtros, pero -- que más da, eran gratis ¿no?

Bueno, la cosa funcionaba más o menos bien, siempre y cuando no apareciese un tarugo que mandase a miles de personas a pedir por email un paquete de muestras de esos filtros. Lo cual es precisamente lo que ocurrió.

Eso llevo a Rosco a una situación muy incómoda, pues en lugar de perder una cantidad aceptable de dinero con algunas muestras, pasó a perder mucho dinero por culpa de esas mismas muestras enviadas a cientos de miles de seguidores del blog. El que los filtros fueran "gratis", no implicaba que también lo fuesen par Rosco. De hecho, había varias personas cuyo trabajo a tiempo completo consistía en cortar y montar los catálogos de muestras (Y yo que creía que tenían un clonador o algo parecido)

Así, que hace aproximadamente un año, Rosco se planteo suspender los catálogos de muestras. Lo cual era la peor solución posible. Así que me puse en contacto con un tal Joel Svendsen de Rosco y nos pusimos a trabajar conjuntamente para encontrar una solución.

The Strobist Collection

Aquí la tenéis. Una colección de 55 geles -- varias copias de los que son realmente útiles y sin agujeros (en la foto solo aparece una copia de cada uno). El kit tiene un precio de venta recomendado de 9€. Y aunque 9€ no suena tan bien como gratis, el gratis no había modo de mantenerlo.

Se han montado varios negocios -- personas aisladas como Mason Trullinger y tiendas como MPEX -- que compraban las hojas grandes y las cortaban en kits para venderlos a particulares. Pero la escala de estos negocios no era suficientemente grande como para compensar el problema que suponía la entrega de catálogos gratuitos.

Con este kit (que aunque no es gratis, tiene un precio razonable), pasamos de llevar una situación hasta la muerte a hacerla sostenible. Me parece que es una solución fantástica para Rosco, puesto que estaban dispuestos a cerrar el programa de envio de muestras justo antes de que hablásemos al respecto y planteásemos esta solución.

Puesto que hay varias copias de cada filtro, uno de estos kits debería durar mucho más tiempo que un catálogo de muestras. Y es un modelo de negocio que resulta sostenible para Rosco, las tiendas de fotografía y los usuarios de pequeños flashes.

Además, me voy a forrar en derechos de marca.

(Bromeaba)

Realmente no voy a cobrar nada por los derechos a Rosoco, porque cuando el producto llegase a manos del comprador, estos derechos se habrían triplicado. Además, Strobist se ha comprometido con el proyecto en forma de publicidad gratuita por unos 3.000.000 de visitas al sitio. Quiero ver funcionar este proyecto y espero que vosotros lo apoyéis.

Que colores y porqué

Le hemos dedicado bastante tiempo a pensar que colores y en que cantidad debería contener la colección y creo que hemos llegado a un buen conjunto.

Cinco de cada:

* CTO completo, 1/2 CTO y 1/4 CTO así como los correspondientes CTB. Además de su uso principal como geles de equilibrio de color, permiten un modo bien calibrado de ajustar arriba o abajo la temperatura de la iluminación. Además, se desplazan con la misma intensidad hacia lo cálido y lo frío para iluminaciones frío/caliente con dos flashes (por ejemplo uno con 1/2 CTO y el otro con 1/2 CTB). Donde las dos luces incidan con la misma intensidad, tendrás luz neutra, pero las sombras de cada luz serán frías o cálidas. Los CTB y CTO son los geles más útiles de toda la librería de Rosco.

* Rosco 08 - El gel clásico para la luz principal sobre piel. Una vez has iluminado la piel a través de este filtro, ya no lo quitas nunca. He dudado entre el #08 y 1/8 CTO, pero creo que el #08 es mejor. Pones la cámara en balance de blancos de luz día y pones este gel en la luz principal. ¿Para que calentar todo el fotograma? Mejor usas el gel en el flash y calientas solo el sujeto.

* Verde ventana - Para equilibrar fluorescentes clásicos. Para los flurescentes más modernos hay que mezclar uno de estos con algun CTO.

[Nota: con este esquema, la foto en general tendrá una dominante cálida, pero tus flashes y el fluorescente estarán equilibrados, que es lo importante. Una corrección global de color en el postprocesado, te devolverá los tonos neutros. Por cierto, tengo una idea para corregir el flash para cualquier color de luz ambiente. Dentro de poco os lo contaré]

Dos de cada:

* N9, N6 y N15. Son filtros neutros -- Sirven para aprovechar mejor los flashes manuales. Tienen 1/2, 2 y 3 pasos de opacidad, de modo que puedes ajusta la potencia de esos flashes que solo funcionan a plena potencia. También te sirven para controlar en medios pasos los flashes que solo tienen regulación por pasos enteros. Y lo más importante, puedes hacer que cualquier flash dispare a 1/128 de su potencia, para controlar al máximo esos trabajos en los que la fuente de luz está muy próxima a tu sujeto.

Uno de cada:

A veces necesitas producir algún efecto más espectacular. Mientras que yo he sido quien ha decidido los anteriores, la genre de Rosco han sido los que se han encargado de elegir los 9 colores para generar efectos adicionales. La gente Rosco tiene experiencia tanto con el color como con la iluminación y a sido una suerte para nosotros contar con esa experiencia para hacer la selección.

Aunque en la web de Rosco dice que los filtros son de 1x3 pulgadas, realmente son de 1.5x3.25 pulgadas. Es un simple error de la web.

Disponibles ahora mismo

Rosco ya tiene stock de estos juegos de filtros en su red de distribuidores. Además de ello, Rosco ha empezado a contactar con tiendas de fotografía para facilitarnos el acceso a estos kits. En la propia página de Rosco a nivel internacional o Rosco Ibérica en España, se pueden ver los comercios que actualmente venden este kit.

Gracias por ayudar a David Hobby a correr la voz. Y si conoces alguna tienda de fotografía que tenga no tenga este kit, igual le puedes sugerir que se apunte a ello.

Boot Camp II: Ultimo Encargo - Lo que te mueve

2009-09-09T08:54:00.001+02:00

Aunque el verano termino de manera no oficial ayer, aún queda un último encargo pendiente para terminar el Boot Camp 2.

Siendo como somos, unos verdaderos creyentes en la gratificación tardía, creo que puedo hablar en nombre de toda la organización presente en el cuartel general de Strobist Internacional, cuando os digo que hemos guardado el mejor encargo para el final.

Es tu encargo, tú debes decidir si lo aceptas...

Este encargo, como te puedes haber imaginado por el título va sobre medios de transporte -- literalmente lo que te mueve.

En los últimos tres años, este ha sido un tema bastante recurrente en la galería del grupo Flickr de strobist. Así que pensé que sería apropiado darte la oportunidad de enseñarnos lo que tienes.

Me gustaría aclarar que la foto de arriba es de mi coche en mi garaje.

He dicho que me gustaría. Pero tristemente, no puedo. Pero me gustaría que fuesen mis cuatro ruedas (si pulsas en la foto verás quien es el autor)

En la flota de vehículos corporativos de Strobist, tenemos tres máquinas. En la división de vehículos con motor humano tenemos una mountain bike Trek 430 del 2004. La compré y la usé en un sorprendente golpe de buena suerte, dada mi complexión.

La división con motores de combustión interna consiste en un par de vehículos del 2006 -- un Scion XA y un scooter Yamaha de segunda mano, un Vino de 49.5cc. Debo añadir que entre los dos son capaces de hacer 29 Km por litro.

Lo que quiero destacar es que cualquiera de ellos puede seleccionarse para este encargo, solo que tendrás que esforzarte un poco más.

Usa estas limitaciones como una excusa para ser algo más creativo, puesto que este encargo no está tan limitado como los tres anteriores. Pero intenta mantener el motivo de tu fotografía en un objeto que pueda ser clasificado razonablemente como medio de transporte.

Y pese al impresionante deportivo rojo, intenta recordar que el encargo no será juzgado por lo impresionante que sea tu vehículo. De hecho si tienes la suerte de tener un cochazo, tendrás la obligación de generar además una foto super impactante.

Como puedes ayudar

Si buscas el componente caritativo, esta vez es muy sencillo. No solo puedes ayudar a cualquiera a vender su coche, sino que además puedes elegir el modelo que quieras sin pagar derechos.

En los EEUU, te sugeriría hacer una búsqueda de vehículos usados en cars.com. Si no tienes vehículo propio, puedes hacer muy feliz a cualquier vendedor con un puñado de fotos impresionantes de su coche. Además le servirán de recuerdo una vez lo venda.

Premios, tenemos premios

Midwest Photo Exchange a tirado la casa por la ventana en este encargo, así que nosotros también vamos a tirarlo todo excepto el fregadero.

Como aperitivo ¿que os parece un Starving Student kit con el LP120, un Speedlight Prokit 6 Reflector y uno de esos nuevos kits combinados compuestos del Strobist Gel Pack y el LumiQuest FXtra?

Y como en el resto de los encargos, el juego de DVD Strobist y el juego de cartas para redondear el premio.

Recuerda que este es el último encargo, así que es tu última oportunidad para embolsarte uno de estos premios.

Y como la persona responsable de hacer los envios postales, me gustaría recordaos que tras los tres primeros encargos el marcador es:

Extranjeros con mirada aviesa: 3
Fotógrafos estadounidenses: cero patatero

(más o menos como cuando ves los resultados de los partidos de clasificación para los Mundiales de Fútbol ¿no?)

Solo para que lo sepas.

La letra pequeña

La etiqueta para este encargo es:

SBC2ASSIGN4

Acuerdate de que para cada encargo es diferente, así que no la líes poniendo la etiqueta de un encargo anterior. La foto, además debe estar en la galería del grupo Strobist para que sea seleccionable (acuerdate de poner la información sobre la iluminación). Una vez publicada, la foto debe aparecer en esta búsqueda pasados unos minutos. Y recuerda, solo una entrada por participante.

Si quieres preguntar algo o hacer algún comentario sobre este encargo, lo puedes hacer en inglés o en castellano, como siempre.

Y puedes comprobar como lo están haciendo otros bloggers siguiendo este enlace.

La fecha límite es al final del día 21 de Septiembre de 2009, así que no llegues tarde.

Y como comprobante (que se le exigirá al ganador para comprobar que ha hecho la foto específicamente para este encargo), tienes que hacer una foto del mismo encuadre en la que además se vean en primer plano 4 dedos de tu mano.

Ya sabes, solo para comprobar que todo es legal.

Boot Camp II: Resultados del Tercer Encargo

2009-08-26T16:44:00.000+02:00

Saludos desde La Cueva, que es como llamamos en casa la combinación de oficina/sotano que me estoy montando. Hoy vamos a comentar los resultados del tercer encargo del Boot Camp II en que tenías que iluminar y fotografiar un ambiente residencial

Espacio en blanco de forma intencionada

Como podéis ver aún no hay nada de mobiliario en La Cueva, pero eso va a cambiar muy pronto. Me estoy estrujando la cabeza para ver que puedo hacer con todo ese espacio y os iré contando como se pueden utilizar todas esas paredes, suelos y techos de forma creativa.

Quiero hacer algo interesante, y hay mucha gente con un montón de imaginación espacial dandole vueltas al lugar. Ya os contaré más adelante.

De momento quería hacer una foto del rincón completamente vacío de la sala, para daos un ejemplo de como puedes crear formas y volúmenes con poco más que una fuente de luz y una caja grande. Al fin y al cabo, el encargo no era sobre como encontrar una habitación impresionante, sino como resuelves la iluminación del espacio elegido.

Hablando de habitaciones, prácticamente todos tenéis controlado el asunto de las residencias. Aunque algunas casas parecen habitadas por la familia Addams y otras se parecen mucho a un lugar de venta de alucinógenos.

Algunos habéis elegido el hacer una foto de un detalle. Incluso hemos tenido un intento descarado de soborno.

Habéis subido muchas fotos de cocinas -- incluidos algunos buenos ejemplos de resolución de problemas complejos. Pero todas carecían de mensaje, lo cual está claro que es muy difícil de sacar de una foto de una cocina. Pero aún así, se han logrado unos equilibrios muy impresionantes.

Si el número de entradas presentadas es un indicador, este tercer encargo ha demostrado ser más complicado que los anteriores. Hemos tenido la mitad de fotos presentadas que en los encargos anteriores (esperad al cuarto y ya veréis).

Vamos a por la lista
Me gusta la geometría de esta toma, y el flash entrando por la puerta, que parece luz natural.

Pero me gustaría meterme en esa habitación y encender la lámpara sobre la mesita -- dejando abierto un poco más el obturador, obtendría una nueva mancha de luz y otra capa más en la imagen...

Hay muchas cosas que amar de esta toma: el color intenso, el equilibrio de luces (ambiente interior, flashes, fuego en la chimenea y atardecer), las lineas geométrica sy la cuidada composición.

Pero tiene una pega que me asalta cada vez que la miro. Si vas a realizar una composición tan geométrica, y tienes todas esas lineas rectas, te tienes que esforzar un poco más en alinear perfectamente todas esas lineas verticales y horizontales. Si no tienes un objetivo descentrable, siempre puedes desplazar la cámara por completo y recortar el encuadre para lograr el mismo efecto.

Un montón de cosas interesantes en esta toma donde Lucas ha utilizado la luz contra una paleta de sombras, para lograr un bodegon tenebroso en este rincón de una habitación a oscuras.

Si sigues el enlace, podrás ver las fotos del setup, que amablemente ha publicado Lucs (muchas gracias!)

Esta foto es más complicada de lo que parece, y ha sido construida sobre la exposición de base creada con un flash rebotado.

De nuevo, si te vas a poner tan cerca, intenta que todas esas verticales queden verticales. Puesto que la toma está toda construida con flashes, te podrías haber esforzado un poco más poniendo algo en la TV que se expusiese correctamente gracias a una velocidad de disparo adecuada.

Este salón de Thailandia tambien ha sido elegido por la composición geométrica, donde tenemos capas de cuadrados y rectángulos anidados en otros rectángulos y cuadrados. El autor se ha tomado la molestia de alinear perfectamente las verticales y las horizontales lo que le añade mucho impacto al diseño.

Y fijándonos en lo minimalista de la toma, prácticamente toda está iluminada con la luz ambiente. Incluso las luces del techo están cubiertas con papel traslúcido para suavizarlas.

El único flash presente en la toma, y cerrado con un snoot, es el que ilumina las cabezas de Budha, que también parecen recibir algo de luz ambiente desde arriba. Una idea a considerar: muchas veces, puedes obtener mejores resultados empleando la luz ambiente para la toma en general y añadiendo los flashes únicamente en las regiones que quedan demasiado descompensadas. Esta imagen es un magnífico ejemplo de esta forma de iluminar.

Esta foto, podría estar iluminada completamente con luz ambiente, porque Kevin nos vende muy bien el equilibrio entre la luz de relleno y el haz de luz directo.

Pero de hecho, está toda iluminada con flashes. La "luz ambiente de relleno" es un flash rebotado en el techo, varios pasos por debajo de la luz principal, generada con un snoot casero de 15cm

Me gustan las formas reveladas por el flash disparado desde el exterior a traves de la persiana. Genera tantas lineas de detalle, que la distorsión de las verticales en la derecha no llegan a distraer. Cuando hay tantos elementos en una imagen, puedes dejar pasar muchas cosas.

Me gusta también el segundo flash concentrado en la parte posterior de la sala, llevando la atención a ese rincón, aunque yo e¡le hubiese bajado la intensidad uno o dos pasos. Si se lleva al punto en el que prácticamente no se ve, es cuando la imagen empieza a parecer exquisitamente delicada.

Por último, esta foto que es una muestra de la más sincera muestra de admiración. Lo que a Daniel le falta en cuanto a originalidad, le sobra en habilidad de ejecución -- esas flores en un ambiente completamente monocromático son las que hacen la foto.

Bien hecho.

Y para serte sincero, mucho mejor que la mía.

______________________________

Y el ganador es...

Me parece que este encargo os ha sorprendido a muchos por su dificultad encubierta. Puede ser bastante complicado equilibrar ventanas, lámparas y flashes. Por no hablar de esas luces de bajo consumo. Pero bueno, al menos el sujeto no se movía ¿no?. Y a cambio de este ejercicio, vuestra pareja ha logrado que limpiéis al menos una de las habitaciones.

La verdad es que podría haber seleccionado cualquiera de ellas -- y otras que no he mostrado, pero a las que les he dejado comentarios y notas. pero quien se lleva los premios en esta ocasión es, definitivamente, esta.

Boot Camp II: Tercer Encargo

2009-08-07T13:23:00.000+02:00

Para el tercer encargo del Boot Camp 2, tu trabajo será emplear la iluminación para crear una foto de interiores interesante.

Y si eres tan creativo como en esta entrada del Boot Camp anterior, no tendrás ni que terminar de hacer la cama.

Espero que este reto nos traiga un montón de imágenes. Los introvertidos no tienen que hablar con nadie, y quienes solo tengan un flash pueden usar otras fuentes de luz para completar la iluminación. Y por supuesto hay unos premios muy apetecibles. En ese aspecto, hemos mejorado algo.

Y por los aficionados, este es un buen entrenamiento para lo que puede llegar a ser tu primer trabajo profesional de cinco dígitos.

¿Como? Dejadme explicarlo.

¿Como podría decir de forma delicada que la mayor parte de los fotógrafos que se dedican a fotografiar interiores de casas son una montaña de fétidos excrementos?

Quiero decir ¿por que preocuparse en tomar buenas fotos de algo que se convertirá en la primera impresión de una de las ventas más importantes que vas ha tener que hacer en tu vida?

Mi experiencia
Cuando pusimos a la venta nuestra casa, la primavera pasada, le dedique algo de tiempo a fotografiar todas las estancias y a publicar una web enseñando todos los detalles. No fue demasiado trabajo y no me costó un euro. Además fue bastante divertido y nos proporcionó una buena colección de fotos para recordar nuestra antigua casa.

Para ser sinceros en realidad no tenemos ningún modo de recordar la habitación de Ben como realmente era, porque tuvimos que limpiarla antes de poder hacer la foto. ("Wow, nunca me imaginé que el tio Ben fuese tan aseado...")

Pero la verdad es que este esfuerzo nos permitio en la la primavera del 2009 (La Gran Crisis Mundial de la Construcción) vender nuestra casa en tres semanas por el precio que pedíamos -- dos veces seguidas.

(El primer comprador tuvo problemas con la financiación y volvimos a empezar de nuevo y la vendimos otra vez).

Le pusimos el precio justo, lo cual es absolutamente necesario estos días. Y la pusimos a la venta con una colección de fotos que era mucho mejor que cualquiera de las que se utilizaban para vender otras casas en ese rango de precios. Lo cual, creedme, no fue nada difícil.

El resultado fue una gran afluencia de compradores, desde el momento en que la casa salió a la venta. Nos pasábamos el día enseñándola. Estoy absolutamente convencido de que las fotos generaron todo este tráfico, puesto que hay una gran cantidad de viviendas a la venta dentro de nuestro rango de precios.

Al poco tiempo, hice las fotos de unos buenos amigos. Su casa también se vendió bastante rápidamente, prácticamente por el precio que pedían, lo cual sería una coincidencia my grande si las fotos no tuviesen nada que ver.

Pero es muy difícil no sacar mejores fotos que las de esas cámaras compactas con flash integrado que tanto abundan en los anuncios inmobiliarios.

Vuestro Encargo

Para este encargo solo tenéis que fotografiar una habitación -- cualquier habitación -- pero intentad iluminarla de modo que parezca algo especial. La luz puede crear un instante, una sensación o un ambiente. La foto que abre el artículo es un ejemplo excelente de lo que puede hacer la iluminación.

Para mantener el desafío equilibrado, mejor utilizad viviendas privadas. Nada de espacios comerciales.

Intentad ir mas allá de una mera instantánea de la habitación e intentad construir algo artístico. Digo esto, porque os vais a enfrentar a un montón de habitaciones my bien iluminadas y las que destaquen serán aquellas que tengan algo extra.

No quiero gente en esta foto -- es la foto de una habitación. Esa semidesnuda modelo en el sofá no os va a ayudar esta vez.

Como documentación a considerar, podéis utilizar el artículo que publiqué sobre las fotos de mi casa. Para los que tengan poco equipo, les recomiendo este otro artículo sobre como iluminé la cabaña de troncos que se puede ver a la izquierda con un único SB-800. Finalmente, tenéis este artículo sobre un hotel en Costa Rica.

Solo son consejos básicos para que puedas empezar. Pero lo recuerdo de nuevo, aquellas que destaquen serán las que añadan algún ingrediente secreto que las haga únicas. Y tampoco es necesario pasarse. El ingrediente secreto puede ser por ejemplo, una composición sencilla pero perfecta -- como en la foto de arriba por ejemplo.

¿Como puedes ayudar?
Si estabas buscando el componente caritativo de este encargo, no podría ser más evidente. Si tienes algún amigo que está intentando vender su casa, puedes pasar algunas horas fotografiándola para él.

Seguro que consigues mejorar sus posibilidades de venta, si lo comparas con las típicas fotos de las inmobiliarias. Igual hasta te libras de ayudarle en el traslado.

Además, igual resulta que eres bueno en este tipo de fotografía. Y quien sabe donde te puede llevar esto.

Premios, tenemos premios
Nunca se puede ser demasiado rico, demasiado delgado o tener demasiados flashes. Así que vamos a premiar con un "más dos" al ganador de este encargo, con un kit proporcionado por Midwest Photo Exchange

El kit, valorado el $450, está formado por 2 flashes LumoPro LP120, un soporte de 2.5m, un soporte/girafa de Inrterfit, 2 paraguas blancos, 2 rotulas, un adaptador universal (para sincronizar los flashes con cualquier cámara), un montón de geles, un cable pc sync de 5 metros, cinta gaffer, coleteros y una bolsa acolchada para llevarlo todo.

Por cierto, que los LP120 se han vendido muy bien y la segunda tanda de producción está previsto a punto de terminarse. El tiempo de espera hasta la tercera tanda de producción, puede llevar a que se agote el stock de estos flashes hasta finales de Septiembre. Pero el ganador, no tiene de que preocuparse, los suyos están reservados.

Espera, aún hay más.

Como en el resto de paquetes de premios hasta el momento, también va incluido un juego de Strobist DVD, que ahora mismo están agotados en USA (La nueva tirada legará a principios de septiembre y si quieres comprarlos en Europa, aún les quedan en The Flash Centre).

Y como no, un juego de cartas Trade Secret Strobist.

La Letra Pequeña
En esta ocasión, la etiqueta para la foto a presentar es:

SBC2ASSIGN3

La foto debe además subirse al grupo Flickr Strobist como siempre (acuérdate de incluir la información sobre la iluminación). Si lo has hecho bien, tu foto debería aparecer en esta búsqueda en unos minutos.

Si quieres preguntar algo sobre este encargo, puedes hacerlo en ingles o en castellano.

Y si quieres ver lo que otros bloggers están haciendo, aquí tienes la busqueda.

La fecha límite es el 14 de agosto antes de la media noche en hora local. Intenta no retrasarte.

Y como foto de verificación (que le pediré al ganador para que demuestre que la foto está hecha para el encargo), haz una segunda versión de la misma habitación con tu mano en primer plano, haciendo el gesto de correcto (con el pulgar hacia arriba).

Boot Camp II: Resultados del Segundo Encargo

2009-07-21T17:11:00.001+02:00

Primero que nada, respecto a elegir la comida como el tema del segundo encargo mientras estoy tratando de perder peso, solo se me ocurre una cosa:

Mala idea.

Alrededor de ochocientos participantes

Esta vez he simplificado el proceso de selección para hacerlo menos penoso. Primero he eliminado toda la basura vegetariana para avanzar rápidamente. Luego he dejado que Flickr elija a los ganadores ordenando las entradas por "interestingness". Facilón.

(Como casi siempre, bromeo)

Han sido necesarias varias cribas para poder quedarme solo con estas diez. Y en un día cualquiera, otro conjunto de diez fotos distintas a estas podrían haber sido seleccionadas por cualquier otra persona. Pero "cualquier otra persona" no estaba aquí, así que os tendréis que conformar con mi selección.

Para vuestra información, os diré que me quedé con varias docenas de fotos -- todas ellas me gustaban mucho -- y en ese momento invité a algunos cocineros del vecindario para que me ayudasen a seleccionar los diez últimos finalistas. Así que estas fotos han pasado tanto mi criba personal, como la opinión de los entendidos en comida.

Vamos a por ellas

Sin un orden concreto

Porque aunque todos hemos visto millones de fotos de Coca Cola, yo nunca había visto esta.

Porque el autor se dedico a mirar y mirar hasta que vió un detalle único y lo iluminó espléndidamente (Yo hubiese puesto una capa de papel traslúcido como segundo difusor para evitar que se viesen las varillas del paraguas en los reflejos)

Me gustaría destacar que Hipporage ya ha logrado tener una imagen finalista en cada encargo. Brutal.

Porque es sencilla y bella.

Porque cuenta una historia (Siguiendo el enlace verás porqué llego a esta imagen y como la envió)

Porque la iluminación funciona en la imagen sin llamar la atención sobre ella misma. Esa es una cualidad muy admirable y en la que habitualmente fallo.

Porque aunque la foto es inegáblemente "fría", me ofrece una oportunidad única para escribir la frase "heiney humeante" con total impunidad.

¿Y cuantas veces pudo hacer esto?

(La respuesta: una)

Ya lo tienes Ben. Tacha esta frase de la lista.

(Nota del Traductor: "fría" por "cool" que también es "molona" o "gansa". Además, el termino "heiney" se aplica coloquialmente al trasero, así que la "heineken humeante" se transforma en "heiney humeante", es decir "culito caliente". Por cierto, Ben es el hijo de David Hobby de 8 años. Bufff, cada vez DH lo pone más difícil metiendo tantos dobles sentidos en frases de 5 palabras!)

(Una nota al margen: Hay una leyenda que cuenta que había una apuesta entre varios reporteros del The Baltimore Sun -- con dinero de verdad sobre la mesa -- para ver quien colaba la frase "cosas blancas cremosas" (creamy white things con bastantes connotaciones eróticas de poco buen gusto) en un artículo que llegase a ser impreso.

El reportero Joel McCord dicen que fue el que mas cerca estuvo, describiendo un cuadro sobre la barra de un bar. Al final, los correctores, que estaban al tanto de la apuesta, la eliminaron en el último minuto)

Por lo bien que funciona la luz sobre las fresas, los vegetales y el propio cuchillo.

Por el modo en que el cuchillo une a todos los elementos.

Porque el fotógrafo utilizó este encargo para colaborar con una CSA muy interesante (Estaría siempre por allí, si viviese en Massachusetts)

NOTA: Esa CSA seria un magnífico proyecto fotográfico a largo plazo. Apuesto lo que quieras a que siempre tendrías una comida magnífica si lo llevases a cabo.

Porque, bueno, demonios! es una piña luminosa, por el amor de Dios!

Nunca antes había visto esto. Un melón, sí. Pero ¿una piña?. Tuvo que poner el flash 383 que metió dentro de la piña a plena potencia. Y le ha quedado impresionante!.

Y las hojas iluminadas con dos luces cruzadas y con paneles de abeja también me gustan mucho. Pero aún así, esa piña luminosa...

No sé porqué, pero me recuerda "la lampara" de Un Cuento de Navidad.

Y yo quiero una lámpara como esa. En serio.

Porque podría ser una escultura en el MOMA.

Porque la iluminación es al mismo tiempo minimalista y tridimensional.

Por el modo en que el ajo destaca como el único elemento con color en la imagen. Bellísimo.

Por las capas de diferentes texturas -- especialmente la pátina en la sarten.

Porque es viejo y sugiere una historia.

Por lo ligera de la composición de los picantes. Hubiese sido muy sencillo poner demasiados elementos en esta toma.

Nota: También me gusta esta foto de un pescado, que tiene una puesta en escena y una orientación similar. Demasiado similar como para que los dos fuesen finalistas y han estado apunto de serlo.

Por la luz y la composición.

Porque el reflejo en la cuchara es tan chulo, que parece un gráfico generado por ordenador.

Por las texturas tan diversas, todas iluminadas con belleza.

(Puede que recuerdes a Konstantin por este artículo.

Por el tema ejecutado a la perfección.

Por el modo en que se han seleccionado los ingredientes, la composición de los mismos y la iluminación.

Porque mi esposa ha estado presionando constantemente en para que eligiese esta (Aunque no hacía nada más que repetir que le faltaba un chorrito de aceite de oliva)

Porque nunca se me hubiese imaginado, que un Oreo pudiese fotografiarse de un modo tan apetecible.

Por el espacio negativo.

Por el prefecto control de la tonalidad.

Por el modo en que el logotipo se defiende a duras penas de la leche que se acerca. Es el instante preciso...

Vamos terminando que empiezo a tener hambre

Ahora mismo os digo quien es el ganador. Pero hay un no finalista que se merece una mención especial, por ser tan evidentemente Capitán Obvio que casi consigue colarse en la final.

Casi.

Incluso ha hecho una película en time-lapse de como hizo la toma.

Paul Morton fue uno de los que pensó que una foto de una botella de Diet Mountain Dew sería un camino directo al Orbis. (Buen intento chavalote. Pero estaba esperando algo similar, así que supe resistirme a tiempo)

El video me ha hecho partirme de risa.

Me alegra que nadie conozca mi verdadera debilidad cuando hablamos de comida. Me la creó a finales de los 60 mi abuela, Thelma Hobby, en su pequeña cocina de Mulberry, Florida.

Eso si que hubiese sido difícil de resistir

Así que, a falta de buñuelos

El ganador del anular Orbis, los Lighting DVD y las Trade Secret Strobist Cards es el autor de esta foto.

Boot Camp II: Segundo Encargo

2009-07-06T17:01:00.001+02:00

Desde el punto de vista logístico, este segundo encargo va a ser más sencillo que el del retrato. Pero será mucho más peligroso para nuestra masa corporal.

Y puesto que no vas a tener que lidiar con un modelo en este encargo (al menos no con uno vivo), voy a compensar el nivel de dificultad dando un plazo más apretado.

Aprentándonos el cinturón

Seguramente, puedo asegurar que la mayoría estamos saliendo menos a comer por ahí que el año pasado por estas fechas. Pero no es a ese "apretarse el cinturón" al que me estoy refiriendo.

En mi caso, no es tanto que el cinturón se haga pequeño, como que tenga que abarcar cada vez algo más grande. La comida y yo estamos hechos el uno para el otro. Y hemos mantenido una relación mucho más intensa en estos últimos seis meses en los que he estado viajando continuamente. Así que este verano me he propuesto controlar la linea un poco.

Dicho esto, me parece que me he equivocado completamente al plantear el motivo para el segundo encargo del BCII -- fotografiar un sujeto gastronómico de manera tan efectiva que me haga desear devorarlo.

La inmensa mayoría estáis usando luces pequeñas, que están perfectamente indicadas para este tipo de fotografías. De hecho, como ya os he mostrado en otro artículo, podéis crear una iluminación muy elegante con un único flash y algo de cartón y papeles.

Pero no os contentéis con poner cuatro tomates encima de la mesa -- eso ha sido solo un ejemplo sencillo de como trabajar la luz. Para este encargo, debes intentar crear todo el ambiente -- hacer una foto que no desmerezca en la portada de cualquier revista culinaria de gama alta.

Cuidado con meterte en mucha complejidad

El truco está, por supuesto, en lograr el equilibrio entre los elementos necesarios para crear el ambiente deseado y la máxima del la fotografía gastronómica: Keep it Simple, Stupid (mantenlo simple, estúpido).

Antes de decidir que vas a fotografiar, dedica algo de tiempo a mirar ejemplos de fotografías de comida y fíjate en lo que te gusta. No te quejaras de que no hay ejemplos. Yo de ti empezaría a buscar por Google.

No intentes fotografiar un pavo asado entero, o cualquier otro plato muy sofisticado a menos que estés completamente loco. Te harás un gran favor si te centras en algo que puedas hacer son estilo y sencillez.

Desde el punto de vista de la iluminación, tanto si usas un paraguas, como un caja de luz o cualquier otra cosa, debes considerar seriamente iluminar la comida desde detrás y arriba. Eso te ayudará a crear la profundidad y la textura necesaria y te pondrá en el camino directo a una buena fotografía con poco riesgo. No quiero decir que este estilo sea obligatorio, por supuesto, pero mucha gente que nunca ha hecho antes este tipo de fotografía, puede cometer el error de pensar que se puede iluminar igual la comida que un retrato.

Además de eso, mima el detalle de las sombras. No es que la imagen tenga que ser plana -- realmente no hay ninguna regla sobre como deben de ser de detalladas las sombras. Lo único cierto es que debes controlarlas. El modo más sencillo es utilizando algunos reflectores pequeños.

De nuevo, la escala de nuestro sujeto nos ayuda. Puedes usar como reflectores, folios doblados, papel de aluminio o cualquier cosa similar. Si eres de Gran Breaña, igual con que te quedes cerca de la comida, ya vale (Puedo decir esto, porque pese a llevar pantalones cortos todo el verano, mi piel sigue siendo lechosa cuando llega el otoño...)

Alimento para la mente

Prometí una oportunidad para hacer el bien con cada encargo, y este no va a ser diferente. Este no es un requisito para el encargo, sino más bien, una oportunidad que te tu esfuerzo no sea en vano.

El hecho de que salgas menos a cenar, probablemente indica que algunos restaurantes de tu zona están empezando a sentir el problema. Así que quizás podrías redondear el encargo, fotografiando tu plato favorito en algún pequeño restaurante de tu zona.

El propietario seguramente no tenga en estos momentos el exceso de liquidez necesario para plantearse una sesión fotográfica en condiciones de sus platos, y quizás ahí es donde tú puedes ayudar. En algún momento, las webs de restaurantes necesitan justo eso, una foto impresionante de algún plato. Y puede ser la tuya.

¿Y que ganas tú con esto, ademas de salir a cenar? Bueno, seguro que el plato va a salir mejor presentado de la cocina de este modo que si tu te encargas de prepararlo por tu cuenta.

Un pequeño consejo -- avísales antes y diles a lo que vas. Intenta quedar con ellos a media tarde, cuando no interfieras con el ritmo normal de las comidas o cenas, y cuando puedas elegir la mesa en la que fotografiar.

Si les explicas lo que vas a hacer (y porqué) y les ofreces compartir tus fotos con ellos, seguramente te encontraras con que se muestran muy colaboradores -- y con un entorno muy agradable en el que trabajar. Especialmente si eres un cliente habitual que realmente quieres crear algunas imágenes de calidad para el restaurante.

Estoy empezando a pensar que realmente estamos ayudando a los hijos de Roberto a ir al instituto cada vez que vamos a comer a nuestro restaurante italiano favorito. Y este es el restaurante al que iría si tuviese que hacer este encargo.

De nuevo os repito que todo este asunto del restaurante no es obligatorio. Pero puede ayudarte a resolver algunos problemas aunque sea simbólicamente. Por experiencia, le sugeriría al cocinero que hiciese las cosas muy sencillas, puesto que su primer instinto será preparar un plato muy barroco para lucirse. Enseñale algunas fotos de comida que te gusten (seguramente serán simples y sencillas) y dile que las tome como ejemplo.

También vale hecho en casa

Por supuesto, también eres bienvenido si lo haces todo en tu propia casa. Eso no va a suponer ningún descrédito ni pérdida de valor para tu aportación.

Y solo por aclarar las cosas, pongamos los límites con bastante holgura. Si es comida o bebida, vale. Algunos de los lectores de fuera de los USA, pueden incluso demostrar su orgullo, enseñándonos algunas de las delicias típicas de su país.

Pero cualquier cosa que hagas, mantenlo simple. Piensa en la vida como sujeto fotográfico de tu comida. Las comidas a la parrilla o a la brasa son especialmente complicados -- generalmente se suelen fotografiar medio crudos y decorados con "tostados" hechos con un soldador. No intentes hacer las cosas más complicadas de lo que deben ser.

Por ejemplo, los postres que no llevan helado suelen ser bastante estables. No te pongas las cosas más difíciles de lo que deben ser. Alimentos sencillos y básicos, pueden ser un gran motivo para una foto.

Hay muchos recursos disponibles

Una búsqueda rápida en Google de "food photography" te proporcionará un montón de recursos muy valiosos:

DPS: Food Photography -- An Introduction
Still Life With: Food Photography Blog
Vegan Yum Yum: Food Photography for Bloggers

Estas entradas estaban en la primera página de resultados, así que no puedes decir que falta información, si estás dispuesto a buscar.

Por supuesto los fotógrafos somos animales visuales. Así que muchas veces ayuda el ver trabajar a un profesional del tema:

Como participar

Como en el anterior encargo, envías tu foto a Flickr y la subes al grupo Strobist de Flickr y la etiquetas como:

SBC2ASSIGN2

Si lo has hecho bien, tus fotos deberían aparecer en esta búsqueda al cabo de unos minutos. Por favor, envía una única entrada. Como pienso preparar un pase de diapositívas con todas las participantes, por favor no le pongas esa etiqueta a ninguna foto que no corresponda al encargo.

Tampoco le pongas la etiqueta a ninguna foto que no sea apta para verla en el trabajo o con los niños cerca.

De hecho, cuanto más miro la foto de este gusanito, más inapropiada empieza a parecerme. Pero quizás sea un problema solo mío. Como ya os indiqué en el otro encargo, romper estas reglas, como mínimo implicará que tu foto sea eliminada del grupo y que seas descalificado.

Por favor, recuerda que la foto debe estar correctamente etiquetada y subida al grupo Strobist en Flickr, de lo contrario no aparecera en la búsqueda.

Y por favor, este es un blog sobre iluminación. Así que aunque sea perfectamente posible hacer fotos fantásticas de comida con luz natural, tienes que emplear al menos un flash. Puedes combinarlo con la luz ambiente si quieres. Como siempre, indica en la foto los detalles de la iluminación empleada.

Si tienes alguna pregunta, o algún comentario sobre el encargo, puedes consultar este hilo en inglés o este otro en castellano.

Y por supuesto, puedes ver lo que otros bloggers están diciendo respecto a este encargo.

Y el ganador es...

Un único ganador será elegido entre todos los candidatos. Esa persona recibirá el siguiente paquete de premios, enviado a cualquier lugar del mundo:

Y me encanta poder decir que el premio externo de esta semana es:

Un adaptador de flash Orbis, que transforma cualquier flash en un anular.

No es por coincidencia, que este elemento lo encuentro realmente útil para fotografiar objetos pequeños, como por ejemplo la comida. (Piensa en ese relleno suave, sin sombras para complementar a esa iluminación dura que resalta los bordes de tu otra fuente de luz).

No dejes que se te queme

Puesto que esta es la foto más sencilla de los cuatro encargos (incluso puede que demasiado sencilla para algunos), la fecha límite es la media noche de 11 de julio.

A los que os gusta dejarlo todo para el último momento, deberíais pensar en empezar por lo menos a la hora de comer ese sábado...

No te pases de listo

Aunque es bastante probable que tengas en tu portfolio algunas preciosas fotografías de comida, no estamos interesados en ellas. Así que para estar seguro de que has preparado la foto para este encargo, el ganador deberá hacer la misma foto que ha presentado, pero con dos monedas en primer plano.

Así que no te olvides de hacer la foto de verificación con las dos monedas, no sea que ganes....

_____________________

Podéis encontrar algunos artículos de la sección On Assignment, dedicados a la comida:

:: Vodkas Aromatizados ::

:: Lemon Cake ::
:: Macaroni Shells ::
:: Cheeto (and various other Munchie Porn)

Boot Camp II: Resultados del Primer Encargo

2009-06-26T12:01:00.000+02:00

Me he mirado tantas veces las más de 700 fotos que habéis presentado al primer encargo del SBII, que cada vez que veo una de ellas me pongo enfermo.

Bromeaba.

Están muy bien. Pero me he pasado muchísimo tiempo mirándolas.

Vamos a ver unas cuantas menciones y al afortunado ganador

En primer lugar, ha sido sorprendente ver cuanta gente se ha tomado la molestia de hablar con otra persona para que le dejase fotografiarle. Ya se que esto no resulta sencillo para mucha gente y espero que al menos os halla servido como experiencia. También me ha gustado veros las caras, que ahora puedo confesar que era mi motivación para la segunda parte de este encargo.

En segundo lugar, me habéis sorprendido con la gran cantidad de fotos que podrían haberse publicado directamente en cualquier revista de alta gama -- incluyendo bastantes que podrían haber sido perfectamente portadas. Teniendo en cuenta que la mayoría de los lectores del blog sois amateurs, es una pasada.

Ahora vamos a la parte difícil -- elegir un ganador. La elección es, por supuesto, subjetiva. Y no es menos cierto que por lo menos un centenar de las fotos que se han presentado podrían haber ocupado el lugar de la elegida. Le he dedicado algo de tiempo a dejar notas en algunas de estas fotos, aunque no demasiado porque estábamos acabando la mudanza (eso parece ahora mismo un manicomio)

Dicho esto, he decidido mostrar algunas imágenes para hablar sobre ellas y enseñarlas como ejemplo. Espero que me perdonéis lo personal (y por lo tanto aparentemente arbitrario) que el proceso de selección de fotografías puede llegar a ser. Lo importante no es eso, sino que muchos de vosotros os habéis atrevido a dar el salto y bañarse donde cubre.

Y deseo que os sirva también para ir cogiendo experiencia.

Algunas de las fotos que os voy a enseñar son combinaciones de dos fotos, otras han preferido dejar el retrato del fotógrafo fuera del envío, en la colección de Flickr.

Como siempre os comento en este tipo de artículos, pulsando sobre la imagen os llevará a la página de Flickr donde la podéis ver en grande y todos los datos de quien la hizo. Y por favor, dedícale algo de tiempo a dejar una nota en los comentarios de tu favorita.

Vamos a ver las fotos que más me han impactado
________________

Porque parecen sacadas directamente de las páginas de la revista WIRED.

Por el gobo fabricado en casa para la luz principal.

Por el fondo completamente enfocado, que podría haber sido una distracción, pero que en lugar de ello sirve para mostrar las sombras de la luz de relleno inferior de un modo muy atractivo.

Porque el fotógrafo utilizó como modelo a su padre, que está en el paro desde hace poco, lo que añadió algo de diversión y quitó preocupaciones familiares en un momento delicado.

Por la mirada de pillo del modelo (foto superior)

Por el uso de los elementos gráficos y el color en la composición.

Porque añadiendo un fondo que sirve de contexto, pero manteniendo un encuadre de primer plano, se añaden varias capas de interés a la foto.

Por la confianza que irradia el sujeto -- parece que sea el amo del mundo.

Por la inclusión de un fondo que sugiere la profesión del sujeto, pero de un modo que no te partillea el cerebro.

Porque la iluminación es simple, elegante y no llama la atención sobre ella misma.

Porque el sujeto transmite una gran profesionalidad y calidez -- su expresión te hace desear trabajar con ella.

Porque la composición -- incluyendo el fondo contextual -- es suficientemente cerrada como para servir de avatar en Facebook o Linkedln y ser legible. Esta foto se puede utilizar de muchas maneras.

Por la gran calidad gráfica.

Por lo extraña de la expresión.

Por el uso tan creativo de un modificador de luz como fondo para la toma.

Por como la luz principal elevada y esa exposición tan abierta, encajan perfectamente completando la imagen.

Porque ha colocado al sujeto en un fondo que la mayoría de la gente ignora mientras lo pisotean buscando algún fondo para su foto.

Por el modo en el que su expresión, el pelo, la hierba se unen en un todo.

Por la composición que hace que la flor del fondo parezca que está en su pelo.

Porque trabajando con este ángulo, el fotógrafo a podido utilizar un paraguas como luz principal y el cielo cubierto como una enorme caja de luz rellenando desde el eje.

Por la intensidad.

Por en encuadre tan cerrado, que acentúa esa intensidad.

Porque el reflejo del teclado queda fenomenal en esas gafas curvadas. No es ninguna novedad, pero está muy bien resuelto.

Por como la conversión a B&N le añade simplicidad a la foto.

Porque el sujeto (izquierda) rezuma modernidad.

Por lo bien que se han controlado los reflejos especulares en las gafas.

Por la gama cromática y el rango tonal. La separación interna está muy bien lograda -- el rostro funciona muy bien contra ese fondo.

Porque ¿cuantos hijos pueden regalarle por el Día del Padre, a su progenitor una foto en la que "rezume modernidad"?

Por la expresión y la conexión que se establece rápidamente con el sujeto (izquierda)

Por la iluminación.

Por el fondo, que al principio parece confuso, pero que realmente está formado por obras de artesanía que fabrica la modelo.

Por el encuadre en diagonal.

Por lo bien ejecutada que está esa iluminación de perfil. (Iluminara un poco desde detrás del sujeto, como aquí se puede ver, es mejor que iluminar directamente de frente.)

Por la expresión y el instante.

Por la visión del fotógrafo del diseño del fondo y su uso para añadir dinamismo a una imagen que sin él, habría sido muy estática.

Por la composición del sujeto (izquierda) y lo bien que funciona esta iluminación con él.

Por la reducción a lo esencial que se produce al convertirla a B&N.

Por la conexión entre sujeto y fotógrafo -- y lo bien que las fotos de los dos hermanos quedan en conjunto. Probablemente un buen regalo para el Día del Padre.

Porque la mayoría de hermanos que conozco no son capaces de dejar de molestarse el tiempo necesario para hacer dos fotos como estas.

_________________________

Así que aquí tenéis algunas buenas imágenes en el enorme campo de entradas que habéis presentado, muchas de las cuales también podrían estar aquí.

Si quieres ver un pase de diapositivas con todas las entradas, más vale que te sientes en algún sitio cómodo, te prepares bastante café y sigas este enlace.

A claro, y para saber quien de estos fotógrafos ha ganado el premio de este primer encargo, puedes pulsar este enlace para descubrir el secreto.

Boot Camp II: Primer Encargo

2009-06-10T17:23:00.004+02:00

Nota del traductor: El término mugshot al que se refiere el encargo no tiene traducción directa. Se trata de un retrato cerrado en primer plano. Básicamente hombros y cabeza solo.

Hay un viejo refrán: en casa del herrero, cuchillo de palo.

Aplicado a nosotros, quiere decir que muchos fotógrafos no tienen un retrato suyo reciente.

Tu primer encargo te permitirá corregir esta situación, y de paso tender una mano amiga a alguien que se halla visto afectado recientemente por la actual crisis económica.

Hecho correctamente, este encargo te proporcionará un modelo para tu encargo y un fotógrafo para tu propio retrato.

El primer encargo del Boot Camp II hay que ponerlo en el contexto de una tasa de desempleo del 9.4% en USA y de más del 17% en España. Lo cual indica, que seguramente conoces a alguien que está en paro.

Así, que en lugar de fotografiar tu figurita de Dragones y Mazmorras pintada a mano a ultimas horas de la noche en tu salón, otra vez, vamos a darle a tus habilidades un buen uso. Para variar. La gente que acaba de perder el trabajo, seguramente andará muy liada buscando entre sus contactos, preparando currículums, etc. Un buen retrato, seguramente les resultará muy útil.

Para dejar las cosas claras: puedes elegir a quien te de la gana para la fotografía y cualquier persona que elijas será un sujeto válido para el encargo. Pero si vas a hacer un retrato de todos modos, ¿por qué no aprovechar ese esfuerzo de modo que sea bueno para otro? Y como premio, tendrás a alguien con quien intercambiar papeles para que te haga un buen retrato (Solo tienes que enseñarle como enfocar en tu ojo más cercano a la cámara y a reencuadrar la foto)

Si eres un novato absoluto y no sabes por donde empezar, te recomiendo que revises el tutorial de como hacer un retrato en un rincón. Seguro que lo puedes hacer mucho mejor, pero al menos eso te puede servir como punto de partida.

Casualmente (bueno, en realidad no) acabamos de terminar una serie en tres entregas sobre como realizar un retrato (aquí, aquí y aquí). No necesitas demasiado equipo para hacer este encargo -- todas las fotos de este artículo están hechas con uno o dos flashes (Y no, no te los voy a explicar. Ahora es el momento de que te pongas a pensar un poco)

Intenta que sea apropiado

Si estás fotografiando a un contable en paro, intenta hacer algo que se ajuste a sus habilidades. A menos, por supuesto, que esté aprovechando la pérdida de del trabajo como una excusa para darle un empujón a su carrera de artista. No deberías fotografiar a un artista del mismo modo que lo haces con un contable.

Tienes que esforzarte para conseguir un retrato que se adapte a tu sujeto. Además, es buena práctica el crear fotos que se adapten a una publicación en concreto o a los límites impuestos por un encargo. Y lejos de ser un inconveniente, todas estas limitaciones te ayudan a enfocar mejor el encargo y eliminar opciones.

Un buen primer plano funcionará igual de bien ya sea publicado como un pequeño recuadro o en todo su esplendor a página doble. No desprecies los primeros planos cerrados solo porque tu motivo tenga el tamaño de un balón de fútbol. Algunos fotógrafos son capaces de consagrar su carrera entera a este tipo de encuadres cerrados.

Por supuesto que debes prestarle atención a la iluminación. Pero una vez la tengas resuelta, no te olvides de hacer una foto. Trabaja con tu modelo para capturar una expresión, un momento, algo de intensidad, una mirada, un sentimiento -- algo.

Adaptate a tus habilidades

Los primeros planos están por todas partes. Uno puede servir para ficha de detención en cualquier comisaría, otro puede ser la próxima portada de WIRED. La belleza de este encargo es que el nivel de dificultad puede adaptase al fotógrafo.

Al menos, como principiante, debes aspirar a un retrato limpio, elegante y de aspecto profesional. Pero si ya eres algo más avanzado, puedes llegar prácticamente a donde quieras.

Tú sabes hasta donde puedes llegar. Así que asegúrate de que llegas hasta ahí. Pero si eso te resulta muy fácil, intenta llegar más allá. Los primeros planos son fáciles de hacer y ofrecen infinitas posibilidades creativas.

Como presentar tus resultados

Hablaba en serio cuando os dije lo de hacer la foto en ambos sentidos. Para dar por terminado este encargo, necesitas obtener dos fotos -- la que tú hagas y la que tu modelo te haga a ti. Lo preferible es que combines las dos con el Photoshop u otro programa de edición. Simplemente ponlas una al lado de la otra.

Si no tienes el software adecuado para hacer estas cosas, simplemente sube las dos fotos a Flickr, presenta en el grupo y etiqueta únicamente la foto que tú has hecho y enlaza a tu retrato en el asunto de la foto. (Alternativamente, si no sabes como crear enlaces, sube las dos fotos, una detrás de la otra para que queden consecutivas en el mural del grupo)

No nos intentes tomar el pelo -- debes subir las dos fotos para dar por completado el encargo. Por favor, no envíes solo la mitad del encargo.

Y para los introvertidos, este es el único encargo en que tendrás que fotografiar a otro ser humano. Échale narices y pregúntale a alguien si puedes hacerle una foto para un trabajo del colegio.

Si te dice "Demonios, no!!" y te patea solo preguntarle (al fin y al cabo estamos hablando de miedos irracionales ¿no?), simplemente pregúntale a cualquier otro. Quizás esa segunda vez deberías elegir a alguien más pequeño (y debilucho...)

El encargo debe estar terminado antes del final del día 23 de Junio (hora local). No te retrases.

¿Como las etiqueto?

Primero sube la foto a Flickr. Unete (si aún no lo has hecho), al Grupo Strobist en inglés (y ya de paso al español). Envía tu foto usando la opción de "Publicar en grupo" que hay justo encima de la foto en tu librería. No te esperes hasta el último minuto para subirla. Aparentemente, Flickr tiene un periodo de espera para usuarios nuevos durante el cual las fotos no salen en los grupos.

Y puesto que estás añadiendo la foto al mural del grupo Strobist, debes poner los detalles sobre la iluminación en la descripción. De ese modo, igual puedes ayudar a alguien más.

Una vez tengas la foto en el grupo, etiquétala con el término:

SBC2ASSIGN1

Si lo has hecho bien, la foto debería parecer en esta búsqueda al cabo de unos minutos. Por favor, envía solo una foto. Para la mayoría será una foto doble, una al lado de la otra, combinadas. Como vamos a crear un pase de diapositivas con todas ellas, por favor, no etiquetéis fotos que no pertenezcan al encargo con SBC2ASSIGN1.

Por la misma razón, por favor no metáis ninguna foto que no sea apta para ver desde el trabajo. Tal y como os dije ayer, violar alguna de estas normas, como mínimo os costará que borremos la foto del mural y por lo tanto del encargo. Gracias.

Por favor, comprueba que la foto está etiquetada correctamente y que sale en la búsqueda que os he citado antes.

Para preguntar cualquier cosa, o discutir algún asunto del encargo, puedes emplear este hilo del foro inglés o este otro del castellano.

Y el ganador es...

Elegiré un ganador entre todas las entradas bien etiquetadas. Esa persona recibirá de manera gratuita en cualquier lugar el mundo:

* Un Speedlight Pro Kit (info)

* Un juego de DVDs del Strobist Lighting Seminar (info)

* Un juego de cartas coleccionables de Strobist (info)

Los ganadores no hacen trampa. Los tramposos nunca ganan

Puesto que hay premios de por medio, vamos a tener que ponernos serios. No quiero ver ningún retrato antiguo salir del armario en este encargo. Hasta cierto punto, el incluir un retrato vuestro hecho con la misma luz en el mismo entorno, puede ayudar a mantener a la gente honesta. Pero solo para hacer más difícil hacer trampas, le voy a pedir al ganador la siguiente foto:

Los ganadores deberán enviar, cuando se la pida, una foto de su modelo, hecha en el mismo sitio, mostrando un dedo en alto. La única razón es para autentizar la sesión. Así que no te olvides de hacer esa foto durante la sesión. Por si ganas.

(Y por favor, dejémoslo en el dedo índice...)

Boot Camp II: Introducción

2009-06-09T10:26:00.001+02:00

Bienvenidos al Boot Camp II, una serie de encargos diseñados para lograr que los novatos levanten el culo del sofá y realmente se pongan a fotografiar algo.

Si ya no eres un novato, eres igualmente bienvenido. Pero comprenderás, que al menos al principio, no lo pondremos demasiado difícil para no asustar a nadie.

¿Que puedo esperar?

Este verano recibiréis cuatro encargos. En cada encargo os plantearé un sujeto en concreto y una escala y estará diseñado de modo que os sirva de introducción a cuatro áreas diferentes de la fotografía.

El tema de fondo de este verano es el derrumbe de la economía mundial, así que por favor, que todo el mundo venda sus acciones y utilice el dinero para comprar oro y municiones, si es que aún no lo habéis hecho.

Los que lleváis tiempo leyendo este blog ya sabéis que no nos tomamos la crisis mundial (o cualquier otra cosa) demasiado en serio. De echo nos reímos en la cada de la restricción de crédito (o puede que incluso nos escondamos detrás de él para darle una colleja) en lugar de acobardarnos por lo que puede ocurrir en el futuro si nos dedicamos a estar todo el tiempo preocupados.

Al fin y al cabo ¿que podemos hacer nosotros?. Nada ¿no es así?

Bueno, quizás no. Siempre podemos hacer algo. Incluso aunque sea poca cosa, sigue siendo algo. Así que cada encargo, de un modo u otro podrá utilizarse para hacer algo bueno en esta crisis mundial.

Puede que sea el encargo en si mismo. Puede ser alguna variante a la que puedes apuntarte de manera voluntaria. Pero lo importante es que los encargos no tienen porqué ser completamente estériles. Puedes lograr hacer algo bueno con ellos, si así lo decides.

Vale, vamos a hacerlo más interesante

Cada encargo llevará asociado un paquete de premios. Tenemos guardadas algunas cosas interesantes, que seguro que serán del agrado de cualquiera que sea lector del blog.

Justo cuando finalice el plazo de cada encargo, elegiré un único ganador, basándome en la calidad, la iluminación, lo adecuado del tema, la posición de las estrellas, lo que he desayunado esa mañana, etc. Para vuestra tranquilidad, os diré que al tener un jurado formado por un único miembro, las decisiones serán siempre unánimes.

El ganador recibirá el paquete de regalo, incluido el envío gratuito a cualquier lugar del mundo. Irá etiquetado como regalos, así que espero que logremos pasarlo sin problemas por las aduanas.

¿Como participo?

Los resultados deben enviados a través de Flickr. Ya deberías tener una cuenta abierta en Flickr. Si el gobierno de tu país está preocupado de que puedas ver una teta (o a un muchacho firme frente a una columna de tanques) que te ha bloqueado el acceso a Flickr, aquí tienes algunas alternativas.

Descarga Firefox e instala el complementeo Access Flickr! 1.11 y casi con toda seguridad podrás acceder.

Atento, esto solo es una sugerencia hecha desde nuestra brillante y rutilante democracia, que valora por encima de todo la libertad intelectual siempre y cuando no estés cerca de una estación de tren con una cámara colgada del cuello. Si tu gobierno decide empezar a perseguirte y quitarte todo lo que tienes, solo por usar este truco para acceder a Flickr, es asunto tuyo.

La Brigada Antifraude: Dos Notas Importantes

Por experiencia, se que cada vez que hay premios de por medio, hay gente que intenta hacer trampas.

Así que queremos estar seguros de que no te ves tentado a colar ninguna imagen previa, de tu catálogo en ninguno de los encargos. Así que cada encargo llevará asociado un pequeño código de seguridad que el ganador deberá aportar antes de que los premios sean enviados. Ya os daré más detalles.

En segundo lugar, el mayor beneficio que se puede sacar de esto es ver como el resto de participantes a lo largo del mundo, han resuelto exactamente el mismo encargo. Así que mi intención es poner un pase de diapositivas con todas las fotos que han participado en cada encargo, aquí en la página principal del blog.

Para poder hacer esto, necesito que la gente etiquete las fotos del encargo -- y solo las fotos del encargo -- de forma precisa. Las etiquetas están diseñadas de modo que no resulte fácil que se "cuele" alguna foto por accidente.

Como las fotos deberán publicarse en el grupo Flickr para poder entrar en concurso, tenemos algunos recursos a nuestra disposición. Las fotos etiquetadas que no sean apropiadas para el encargo se eliminaran del grupo, lo cual las quitará automáticamente del pase de diapositivas y evidentemente dejarán de optar al premio.

Y dependiendo de cuan grave sea la infracción, el fotógrafo será eliminado del grupo Strobist o probablemente baneado de Flickr. La idea es respetar la validez de las fotos incluidas en el pase de diapositivas. Así que no seas tonto del culo y no intentes aprovecharte del sistema.

Todo esto lo hago para proteger a la gente que participa de modo honorable en este asunto. Solo puedo prometer para los infractores un juicio justo y que el ahorcamiento será rápido y limpio.

Solo en casa

¿Escribes un blog? Si es así, te animo a que escribas sobre todo este proceso. Al fin y al cabo ¿por qué equivocarte y fracasar en la intimidad de tu casa cuando puedes hacerlo en publico frente al mundo entero?

Si quieres participar en un etiquetado de los blogs, es bastante sencillo. Simplemente enlaza con el artículo original de cada encargo en tu blog e incluye la frase "Strobist Boot Camp II" en el texto (no hacen falta las comillas). De ese modo, tu entrada saldrá en esta búsqueda de blogs de Google

Estas búsquedas deben estar activas durante el Boot Camp y algún tiempo después a disposición de cualquier visitante despistado. Que demonios, ¿no te parece que con estos enlaces vas a pasarte el verano nadando en una piscina llena de magníficas ideas?

Y esto es todo por el momento. El primer encargo os lo pondré mañana

Variaciones con dos luces. Toma Tres

2009-06-04T15:52:00.001+02:00

Para terminar esta serie rápida de ideas para retratos con dos luces, finalmente llegamos a algo que tiene un aspecto más habitual. Hoy veremos dos variaciones sobre el uso del paraguas como luz principal con relleno en el eje.

En los anteriores capítulos, utilizamos un flash con panal de abeja y una SB-III con un gobo respectivamente. Para la de hoy vamos a obtener un aspecto más clásico, aunque con algunas variantes interesantes.

En la foto anterior, Steve está iluminado completamente por flashes, no hay nada de ambiente en esa exposición. La luz principal era un SB-800 puesto en un paraguas traslúcido, justo sobre la cámara. Puedes ver el montaje en esta imagen:

(los montajes son cortesía de Syl Arena / Paso Robles Workshops)

Utilizamos una pared blanca como fondo, pero la hicimos aparecer gris oscuro alejando todo el setup del fondo para subexponerlo.(Aquí puedes leer más sobre las distancias relativas).

Podríamos haberla llevado completamente a negro, sin más que habernos alejado aún más de ella. Lo importante es que puedes elegir el tono que prefieras para la pared, eliminando luz -- o añadiéndosela.

Puesto que no necesitamos utilizar el segundo flash para el fondo, podemos usarlo libremente como luz de relleno. En nuestro caso, pusimos un segundo SB-800 en un adaptador de flash anular de Orbis.

Esta combinación de dos luces, nos proporciona un control total entre los niveles relativos de la luz principal y la luz de relleno, el cual viene determinado, obviamente por la potencia del flash anular.

Puedes colocar la luz principal, la del paraguas, donde quieras para modelar el rostro de Steven como más te guste. No nos tenemos que preocupar por las sombras, porque las vamos a borrar todo lo que queramos con la luz de relleno.

Y puesto que tenemos control sobre le nivel de relleno, podemos llevar esa luz principal a una posición más dramática. Solo girando un poco ese paraguas, podemos obtener una toma con mucho más carácter.

Aparece en escena "Tokyo" Bill. (Teníamos otro Bill en clase, así que les pusimos motes para poder distinguirlos)

Con Bill, llevamos la luz principal a un lateral completamente, para obtener esta imagen en plan Obi-Wan aprovechando la capucha de la sudadera. Bill estuvo a punto de desenfundar una espada láser justo antes de que terminásemos la foto.

(Eso por supuesto, se hubiese cargado el limite de usar solo dos luces para el ejercicio. Pero hubiese quedado fenomenal en la foto!)

Podemos girar la luz principal alrededor para esculpir su rostro y resaltar el borde de la capucha, porque no tenemos que preocuparnos para nada de las sombras. Nuestra luz de relleno llegará desde el eje a cualquier sitio que veamos desde la cámara. En estas situaciones es donde la luz de relleno en el eje resulta más útil.

Todo lo que veas desde el eje de la cámara, lo podrás iluminar. Tanto o tan poco como tu quieras controlando la potencia del flash de relleno. Aquí está el montaje:

Cuando utilizo dos luces de este modo, me resulta muy simple pensar en términos de "una para la figura, otra para el detalle". Controlas la forma con la luz principal y la profundidad de las formas (el relieve) con la de relleno.

Ese relleno puede ser un flash fuera del eje, o un Orbis (o un Ray Flash o un ABR-800) o incluso puede ser la luz ambiente. Cada uno tiene sus ventajas y sus inconvenientes.

Pero trabajado ese equilibrio entre forma y detalle puedes tener bastantes looks distintos con solo dos luces.

Primero, Riaz, luego Brett y ahora Steven y Bill. Solo han sido unos cuantos trucos sucios, de iluminación toda con flash que te puedes sacar de la manga en cualquier ocasión donde la luz ambiente sea controlable.

Lo que puedes encontrar muy útil, a partir de la semana que viene.

Variaciones con dos luces. Toma Dos

2009-05-28T12:10:00.001+02:00

En el último artículo de esta serie, vimos a Riaz, iluminado completamente con flashes contra una pared forrada de madera oscura. A la izquierda podéis ver a Brett, quien permanecía sentado en su silla, en un edificio comercial a medio terminar con las paredes recién lucidas y sun pintar.

En este capítulo: Luz alta en el eje con una pizca de luz en el fondo para separarlo del negro absoluto

Empezamos con la luz principal

Te daré una pista sobre cual era la luz principal. En estos momentos es mi modificador de luz favorito cuando tengo que ir a hacer un retrato. Ya se que parezco un disco rallado. Pero la luz no-suave / no dura que genera y el control absoluto de la dirección que me ofrece en un paquete tan pequeño, es demasiado atractivo para mi.

Iluminando desde arriba y delante de Brett, creamos un haz de luz en plan "tercer grado" -el tipo de luz que aparece en las salas de interrogatorios de las películas. El haz es algo duro y apunta directamente hacia abajo. Realmente no es completamente vertical, sino que está inclinado un poco hacia delante, hacia la cámara. Aún así, e incluso con el control que tienes al usar una SB-III, el pelo estaba demasiado iluminado.

Así que rápidamente pusimos un gobo en el borde más proximo a Brett: dos tiras de cinta gaffer. Con esto le ponía al haz de luz vertical un borde más definido. Lo cual de paso, creaba un aspecto de "asomarse al haz de luz" en Brett. Ese gobo es el que hace que la luz se oscurezca a medida que ascendemos por el rostro de Brett.

A mi me parece que es un aspecto nítido y tridimensional. No tan impactante como el que Peter Yang logró obtener, pero definitivamente es un look similar.

Aquí está la foto del montaje, por cortesía de Syl Arena. La "jirafa" que sujeta el SB-800 con el SB-III es el brazo para flash de un CSB Micro Mini. (Acabo utilizando este reflector por piezas mucho más a menudo de lo que lo uso montado).

Realmente necesitas una jirafa para este tipo de iluminación -- quieres tener la luz arriba y frente a ti y evitar que se mueva. En estas distancias tan cortas, unos centímetros tienen mucha importancia.

Así que nuestra luz principal es bastante potente porqué está muy cerca. Incluso bajándole la potencia la flash, tengo apertura de sobra para mantener la nitidez en todo el rostro. La otra ventaja es que gracias a esa proximidad puedo llevar la pared del fondo al negro fácilmente. Esto se debe a la corta distancia entre el sujeto y la fuente de luz.

Ahora que tenemos la pared completamente negro, podemos hacer con ella lo que queramos gracias a un segundo flash. Decidí apuntar el segundo flash a la pared con un difusor de plástico. Con esto eliminaba cualquier rastro de forma en la mancha de luz y el tono de la pared pasaba a depender únicamente de la distancia -- con un gradiente suave. Si quiero generar un gradiente muy abrupto acerco la luz a la pared. Si me llevo la luz lejos, el gradiente se hace más suave.

Puedo controlar el tono más intenso de este gradiente con la potencia de ese segundo flash, así que las dos variables se pueden controlar de manera independiente. Podría haber generado un fondo gris tenue sin poner esta segunda luz, simplemente acercando a Brett y a la luz principal a la pared, pero hubiese perdido todo este control sobre el gradiente.

Variaciones sobre variaciones

Aparte de todo esto, si me apetece, aún puedo hacer un montón de cosas con el resto de la luz principal. Recuerda que Brett está justo en el borde suavizado del haz, lo que quiere decir que estamos malgastando un montón de luz en el espacio que hay justo delante de él.

Podría coger toda esa luz con un reflector grande y muy bajo y rellenar las sombras del fondo si me apetece. O podía poner ese reflector enfrente, justo fuera de la imagen y orientado de modo que rellenase las sombras en la cara de Brett, de forma similar a lo que hicimos con Riaz. Podría controlar la intensidad de esa luz de relleno, sin más que introducir o sacar la zona central del haz de luz del reflector.

Puesto que tengo a Brett en el borde del haz, podría hacer incluso que esa luz reflejada fuese más intensa que la que en esta imagen he considerado luz principal. Muchas posibilidades -- incluso quizás, podría aplicar el truco de la almohada a lo John Keatly.

Para no enrollarme más, las sombras de la nariz y debajo de la barbilla, se pueden llevar a la densidad que te apetezca. Pero esa luz dura y vertical es la que le da a la imagen ese aspecto tan potente. Así que no te lances de cabeza a rellenarlas todas para "arreglarla".

Solo quería que comprendieses que puedes elegir completamente el rango tonal de la foto -- incluso aunque solo utilices dos flashes y no uses el ambiente.

¡Novato, veinte flexiones, YA!

2009-05-25T09:03:00.001+02:00

Durante los últimos seis meses, en este blog os hemos estado dando de comer información con cucharilla, como buenas mamás y no habéis tenido que hacer nada a cambio. El resultado: una panda de blandengues novatos que han ido dejándose caer por aquí desde la ultima vez que se hizo algo serio. Bueno novatos, ya habéis holgazaneado bastante.

Así, que a partir de junio....

Boot Camp II

¿Eres un inútil debilucho? ¿Llamas llorando a tu mami cada vez que necesitas equilibrar un par de flashes con la luz ambiente?

¿Aún sigues usando un flash TTL rebotado?

Estamos aquí para salvarte de ti mismo. Este verano, tendrás la oportunidad de mover tu culo (como diría Zack) y hacer algo.

Versión Recesión Mundial

Si, ya se que son tiempos difíciles por todas partes. Así que deja de quejarte y aprovecha este campamento para mejorar tus habilidades, hacer contactos e incluso ayudar a alguien.

Y solo para hacer las cosas más interesantes, vamos a tener premios. Cada encargo, tendrá un pequeño regalo para el mejor patea-culos de la banda.

Pero lo mejor no es eso, sino que tendrás la oportunidad de ver lo que fotografos de todo el mundo son capaces de crear exactamente en el mismo encargo.

Así, que pon a cargar esas baterías, ajusta esos LP604 compactos y revista tus panales de abeja hechos con pajitas. Y sobre todo corre la voz: el Boot Camp II empieza pronto, justo a la media noche.

Así que de momento podéis volver a lo vuestro, holgazanes...

Variaciones con dos luces. Toma Uno

2009-05-18T16:52:00.001+02:00

La gente siempre me pregunta cuantos flashes deben tener. Esa pregunta es fácil de responder -- todos los que te puedas permitir y uno o dos más.

¿Has visto? era fácil.

Pero un kit básico con el que ya se pueden hacer cosas interesantes son dos speedlights -- más todos los cacharros necesarios para ponerlos a trabajar a pleno rendimiento. Al fin y al cabo, si solo tienes un flash y este deja de funcionar, te convertirás en un fotógrafo a merced de la luz disponible. (Y no quiero decir que haya nada malo en ello).

El disponer de dos luces, no solo te da un montón de opciones, sino que además te sirve de seguro. Con este artículo, empezamos una nueva sección en la que ocasionalmente iremos viendo distintos esquemas de iluminación en los que solo he utilizado dos luces.

No va a ser nada muy sofisticado. Pero tampoco vereos los esquemas a los que estáis acostumbrados.

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Saliendo del clásico "paraguas a la derecha / luz de borde a la izquierda"

Digo esto, porque creo que he abusado de ese esquema muchísimo, sobre todo en mis comienzos. No solo he repetido el esquema, es que además parece que el paraguas siempre estaba a la derecha y la luz de borde detrás a la izquierda.

¿Por qué? No tengo ni idea. Era como si tuviese un botón de "preparar iluminación". Lo apretabas y te encontrabas con un retrato con el paraguas a la derecha y la luz de borde a la izquierda automáticamente.

Bastante consistente. Perfectamente aceptable -- sobre todo si lo comparas con un flash sobre la cámara o un flash rebotado. Pero... aburrido de solemnidad.

No quiero despreciar a nadie. Si se hace de forma sutil y equilibrando con el ambiente, esta técnica puede resultar elegante. Pero si tienes dos luces, puedes crear una escena sin tener que recurrir a la colaboración del ambiente.

Una combinación Suave / Dura

Generalmente mi modus operandi, cuando estoy montando una escena con dos luces, sin considerar el ambiente, es trabajar primero en la luz de relleno. Elijo la calidad que quiero que tenga la luz de relleno y ajusto la exposición de la misma. Entonces cierro la apertura uno o dos pasos para generar el ratio deseado entre luz de relleno y luz principal. Añado la luz principal, salpimento al gusto y lo remuevo suavemente hasta que la salsa se espesa.

Pero esta vez ya estaba trabajando con una luz principal con un panal de abeja, que por si misma generaba esta imagen.

No está nada mal, si te gustan las cabezas flotadoras.

Añadiendo una luz de relleno justo desde debajo del eje (observa la imagen superior) le da un aspecto muy atractivo a los brazos de Riaz. Además genera una envolvente tridimensional bastante atípica cuando se junta con la luz principal. Y genera además el reflejo especular que se puede ver en la pared detrás de Riaz.

Ese reflejo especular, elimina muchas de las sombras generadas en la pared, lo que hace que esta iluminación sea difícil de descifrar la primera vez que te la encuentras. Esas sombras "desaparecidas" parece que no cumplen ninguna regla.

La parte superior de la luz de relleno (un paraguas traslúcido) estaba justo debajo del objetivo, lo que quiere decir que el punto central del relleno estaba a unos 50cm del eje del objetivo. La relación de intensidades era de aproximadamente -2EV (quizás un poco más).

Me gusta el efecto generado por varias razones -- está perfectamente controlado, lo puedo reproducir en cualquier lugar si dispongo de dos flashes. Además el aspecto de la imagen es algo atípico. Esa última característica es de las que más cuentan en mi escala.

Cuando el ambiente no es tu amigo

Tener a tu disposición, algunas soluciones usando dos luces, son una buena ruta de escape cuando la luz ambiente es mala y tu único decorado es una pared. Esta pared forrada de madera era bastante agradecida. Más adelante, en esta serie, veremos otras situaciones en las que solo disponemos de la aburrida pared blanca.

Y para el postre, desierto

2009-04-17T13:43:00.001+02:00

Nota del traductor: el título de este artículo es un juego de palabras intraducible con las palabras dessert (postre) y desert (desierto).

Ya he regresado del GPP en Dubai, y (casi) me he puesto al día con todo el trabajo que se acumula cada vez que salgo de casa. Ha sido magnífico el hacer nuevos amigos y encontrarme de nuevo, con mucha de la gente del año pasado.

Tras seis días de duro trabajo, de nuevo nos fuimos al desierto para aprovechar la oportunidad de fotografiar en un entorno que no tiene igual.

Como reincidente en el GPP, tengo la fortuna de tener algunos contactos en el país. Mejor dicho, en los emiratos. Nigel y los chicos del Dubai Strobist Group se pusieron en contacto con Samir, quien a su vez se puso en contacto con Mostafa de Sharjah TV, una cadena de televisión nacional que tiene su cuartel general al otro lado del desierto.

De repente estábamos todos en dirección a dicho desierto para hacer reportaje de TV mientras fotografiábamos a Omar y su halcón. Siempre me había gustado saber más cosas sobre la cetrería -- justo hasta que Mostafa me contó que algunos de esos pájaros pueden costar más de un millón de dólares. Otra cosa más que me queda fuera del presupuesto.

Así que nos fuimos al desierto -- en un Jaguar por supuesto. Os diría el modelo, pero era demasiado exclusivo como para llevar puesto el modelo. Se parecía un poco a mi Scion XA, del mismo modo que el halcón de Omar se parece al periquito de los hijos de mi hermana.

Teníamos a Hala como conductor, un supermodelo disfrazado de superproductor del GPP. McNally también venía, con su asistente Drew y su colega en los cursos Bobbi Lane. McNally que iba a fotografiar a Hala, había aprendido la lección del año pasado y se había traído un Elinchrom Ranger. Eso es un quemador de retinas de 1100 wattios-segundo -- suficiente potencia como para tener contento a un octabox a pleno Sol en el desierto.

Como buen cabezón que soy, yo me lleve mis speedlights -- y acabé usando solo dos. Me resulta muy sencillo dominar al Sol con un único speedlight -- si puedo elegir la hora del día. Es como esperar a que Mike Tyson cumpla 87 años para darle una paliza. Pero como estrategia es bastante efectiva.

Un pájaro en la mano

Afortunadamente, Bobbi lo sabe todo sobre los halcones de un encargo anterior en una instalación de pájaros, o granja de halcones, o como sea que se llama. Así que fue de gran ayuda para explicarnos todas las cosas estúpidas que no debíamos hacer. En mi caso, eso es un trabajo a tiempo completo.

Así que nos fuimos a fotografiar en el desierto y Omar se trajo el más espectacular ave de presa que puedas imaginar. Básicamente, una máquina de despedazar carne, con alas y una buena pose.

Nuestra luz, aún estaba seis dedos por encima del horizonte, así que aún teníamos unos hora y media antes del ocaso.

El primer paso era buscar encuadres y fondos. Utilicé mi mano para ver cuan brillante sería el sol sobre Omar y su halcón, con un cámara de Sharjah TV en mis talones todo el rato. Bobbi, mientras tanto, se dedica a fotografiar a Omar con las ultimas luces de la tarde.

Yo se que no puedo vencer al Sol con los speedlights si suavizo la luz, así que preparé un pequeño crosslight alrededor de Omar en el mismo lugar donde Bobbi estaba ocupada fotografiándolo con la luz disponible. Procedimiento standard -- velocidad en 1/250, seleccionas una apertura que subexponga un poquito y añade luz con el flash desnudo para el crosslight. El ambiente se encarga de llevar las sombras a un nivel manejable.

El único problema es que el color y la textura del vestido tradicional arabe de Omar (se llama "Kandura") nos reflejaba un blanco nuclear de los flashes desnudos. Podría haberlo corregido en el postprocesado, pero realmente lo único que estaba haciendo era matar el tiempo mientras esperaba a la puesta del Sol.

Lo importante era que pareciese que estaba haciendo buenas fotos. Mientras me están grabando, queda mucho mejor hacer eso, que estar dando vueltas rascándome el culo y buscando boñigas de camello ¿no?

A medida que el Sol iba bajando, tenía más oportunidades. Al final encontramos el lugar ideal donde fotografiar a Omar utilizando la puesta de Sol como fondo.

Los atardeceres quedan muy bien si los subexpones uno o dos pasos, así que tomé un par de siluetas mientras esperaba. Solo porque la luz no es la adecuada para usar flashes, no debes desperdiciar el tiempo no haciendo fotos.

Quiero decir, en serio ¿cuantas veces estás en el desierto con un hombre vestido con el vestido tradicional Árabe y un halcón?

El año que viene vamos a salir en grupo a pasar una noche en uno de esos campamentos en el desierto donde podremos disfrutar del atardecer y del frío aire nocturno que lo sigue. Cuando estás haciendo fotos, todo ocurre tan rápido que no te da tiempo a saborearlo.

A medida que los niveles de luz empezaban a bajar, continué con mis esquema de dos luces duras (simplemente dos flashes desnudos en sus soportes) y me dediqué a probar la luz lateral y el relleno frontal con Omar. El fondo era el atarecer y toda la luz del sujeto proviene de los flashes. La luz principal está a lo lejos a la derecha y crea luz direccional que define al sujeto.

El relleno proviene de un soporte cerca de la cámara y llena las sombras para controlar el contraste sin añadir ninguna dirección adicional a la luz. Este relleno en el eje, acompañado por una luz principal dura, le da un aspecto muy a los años 50 que últimamente me estoy explorando. Se puede ver la sombra proyectada por esta luz de relleno en el lado izquierdo de Omar (sombra del brazo).

Y puesto que estamos usando luces desnudas, las podemos llevar muy lejos. Eso te produce una iluminación muy uniforme en un área bastante grande, lo cual hace que parezca un escenario con un decorado pintado.

Uno de los inconvenientes de trabajar con speedlights es que sueles tener que trabajar cerca. Eso genera una luz muy bonita, pero que cae rápidamente. Así que sueles acabar trabajando con encuadres muy cerrados. No pasa eso cuando puedes llevarte a esos pequeñines un poco más lejos.

Poca luz ambiente = Luz de paraguas fácil

Tan pronto como desapareciese el Sol, sabía por la sesión del año pasado, que los niveles de luz empezarían a caer más rápido que la bolsa el pasado Octubre. A medida que cae el ambiente, las pequeñas luces empiezan a ser lo suficientemente potentes como para usarlas con modificadores a unas potencias razonables. Esto es importante, puesto que como la luz no va a durar demasiado, necesitas tener el tiempo de reciclado más corto posible.

Pusimos una Westcott plegable con un SB-800. Ese flash fue mi luz principal. Al segundo flash le puse un adaptador Orbis para transformarlo en un flash anular. Ese sería el relleno en el eje.

Trabajando rápido, hice una foto del cielo que se oscurecía rápidamente detrás de Omar. Ya estaba lo suficientemente oscuro como para empezar a trabajar a una apertura que le resultase cómoda al flash.

Puesto que tenía pensado tener la luz principal a un metro más o menos sobre la cabeza de Omar, saqué una foto rápida de la arena iluminada más o menos desde es distancia para asegurarme que tenía la potencia adecuada. Si hubiese sido incorrecta, podría haberlo corregido rápidamente modificando la apertura y compensando para el fondo mediante la velocidad de disparo en sentido contrario. O podría haber cambiado la potencia del flash antes de levantarlo. Es más sencillo hacer las pruebas antes de llevar los flashes a su posición final.

Aquí tenéis una foto del montaje, gracias a Bobbi. La foto final ha valido la pena, pero aún sigo sacándome fina arena del desierto de mi culo (pensando en ello, si me pregunta Carson Kressley, le diré que me estoy exfoliando)

Tuve la suerte de contar con la colaboración de Dave, el asistente de Joe que hizo, no ya de soporte activado por la voz, sino de JAV: jirafa activada por la voz. Los speedlights y los pies compactos son tan ligeros que se pueden usar de este modo durante bastante tiempo sin matar al asistente. De todos modos, no tenía porqué preocuparme. No era mi asistente, así que realmente no tendría muchas consecuencias para mi, si le pasaba algo malo.

El Resultado

Dejando caer la luz directamente sobre Omar, conseguimos un montón de cosas interesantes. Desde el punto de vista de la dirección, logramos una luz bastante dramática en su cara, que añade carácter a la toma. La luz es suficientemente suave como para envolverlo completamente (te aconsejo verla en grande).

Además desde el punto de vista de la distancia, también resulta ventajosa. La cara de Omar está completamente iluminada por la fuente cercana, pero su kandura blanco está menos expuesto al estar más alejado de la luz principal. Eso ayuda a controlar los tonos en ese material tan blanco, algo que resulta imposible si lo ilumino desde lejos.

Además, como la luz está sobre Omar, la luz va oscureciéndose a medida que se aproxima a la cámara. Ese es un problema que aparece si iluminas frontalmente. Si te acuerdas de la sesión del año pasado, Joe lo resolvió tapando la mitad inferior de su paraguas.

Esa luz superior dejaba unos ojos bastante oscuros, además de hacerse muy débil a medida que descendíamos por el kandura. Ahí es donde el Orbis entra en acción. No lo utilicé como luz principal, sino como luz de relleno en el eje sin sombras.

Tampoco hay ninguna relación de intensidades de la que acordarse. Dado que has fijado la exposición de tu luz principal, solo tienes que ajustar la potencia del Orbis hasta obtener un relleno que te guste. Puedes ver lo que está haciendo esta luz de relleno si te fijas en los ojos de Omar o en el kandura debajo de su brazo.

En cuanto al estilo de la luz, me encanta la combinación de luz suave desde arriba y relleno en el eje. Omar recibe una luz fuerte y con carácter y puedo rellenar sus ojos tanto como quiera. El kandura deja de ser blanco nuclear y se transforma en un blanco cremoso, con textura y detalle por todas partes. Y la mancha de luz creada en la arena, hace que la escena parezca estar tomada en cualquier parte contra un fondo pintado.

Esperando a la luz

Cuando utilizas speedlights, para genera ciertos efectos, necesitas esperar a que la luz ambiente llegué a tu nivel. Y cuando llega, se estará moviendo rápido, así que conviene que lo tengas todo pensado y planeado mientras esperas a que llegue.

Honestamente, toda la tarde se termina en unos pocos minutos. Y no quieres desperdiciar ese instante cuando llega. Los experimentos iniciales, con luz dura, son básicamente unos experimentos para algo que quiero hacer más adelante y sirven para que Omar este cómodo con la sensación de ser iluminado y fotografiado.

Antes de que el sol se ocultase, Bobbi me preguntaba continuamente si necesitaba que se retirase un poco y dejase de fotografiar. Pero en realidad, tenerla ahí trabajando (y manteniendo a Omar ocupado mientras yo pensaba) fue una gran ayuda. Mucho mejor que haber tenido a Omar (y al tipo de la tele) de plantón viendome dar vueltas con esa cara de "ahora que demonios voy a hacer".

Una vez terminamos y lo recogimos todo en la oscuridad, hala nos llevo a un precios restaurante, donde no nos dejaron entrar porque Drew y yo llevábamos pantalones cortos. Que continuamente chorreaban arena.

Al final fue una bendición en lugar de un castigo. El "plan B" fue un maravilloso restaurante árabe donde la comida no podía haber sido mejor. Y además aceptaban a los fotógrafos con pantalones cortos y pérdidas de arena.

Breve introducción a los monobloques (II)

2009-04-03T11:22:00.001+02:00

En el último artículo le prestamos atención al panel de control de los monobloques. Pese a que para algunos haya sido una experiencia un tanto aterradora, en el fondo no se diferencian tanto de los speedlights. En este artículo vamos a concentrar nuestra atención en el extremo activo de los monobloques, donde la potencia extra que aportan es solo una de las diferencias importantes entre ambos tipos de luces.

Más grande, en más de un sentido

Por supuesto que los monobloques son más potentes que los speedlights. Condensadores más grandes, mayor energía -- pero exactamente el mismo principio de funcionamiento.

Pero si nos fijamos en la calidad de la luz, lo más importante es la diferencia en el tamaño físico de estas fuentes, que podéis apreciar en la imagen que abre el artículo.

Os enseño un speedlight y un monobloque en su configuración típica -- el tubo del flash dentro del reflector standard. Realmente no podéis ver el tubo del speedlight, pero está ahí. Es muy pequeñito y está situado en el centro de un reflector relativamente grande. Y ajustando las posiciones del reflector y el tubo, acercándolos y alejándolos de la lente de fresnel que cierra el frontal de la cabeza, puedes modificar el zoom del flash.

Pero sin importar el nivel de zoom que le pongas, tienes en total unos 20 centímetros cuadrados de superficie luminosa. Esta fuente genera luz dura a menos que la modifiques, lo que te va a costar algunos pasos de potencia.

Fijándonos en el monobloque, con su reflector standard de 18cm de diámetro y calculando el área, tenemos 254 centímetros cuadrados de emisor, unas diez veces más grande que el speedlight.

Desde lejos, ambas son fuentes duras. Pero cuando las acercamos, los speedlights siguen siendo duros, mientras que los monobloques empiezan a suavizar el borde de las sombras un poco. Ahora que pienso en ello, esta es una de las razones por las que me gusta usar el LumiQuest SB-III en distancias cortas.

Si nos fijamos en el área, el LumiQuest SB-III tiene el tamaño aproximado de un reflector standard en un monobloque. Y la pérdida de potencia no es importante aquí, porque estamos trabajando en distancias cortas. Es un modo sencillo de hacer que un speedlight no parezca un speedlight.

Así que además de ser más potente, los monobloques son físicamente más grandes, lo cual resulta muy interesante cuando los acercamos a nuestro sujeto. Y esta diferencia es aplicable igualmente a cualquier modificador de luz que no altere el tamaño de la fuente como los panales de abeja.

Un speedlight y un monobloque ambos con panal de abeja, generan básicamente el mismo tipo de haz concentrado, pero sin embargo el aspecto de esa luz es bastante diferente, simplemente por la diferencia en los tamaños de las fuentes.

Ahora vamos a quitar el reflector y a pegarle un vistazo al extremo del flash desnudo. Quitar el reflector es algo bastante sencillo en la mayoría de monobloques y una parte fundamental de su sistema basado en la flexibilidad. Así que ¿que nos queda ahora?

Tenemos una luz desnuda, en este caso es ese tubo que queda medio oculto a la vista (pero que es igual de eficiente) detrás de la bombilla traslúcida de modelado. Y toda su potencia continua intacta.

Luz desnuda en un speedlight

Este tipo de iluminación ya sabemos que puede simularse con un Stofen, un bote de plástico o un (*ejem*) Tupperware de $100 (debo... contenerme...) y todos hacen exactamente lo mismo -- lanzar la luz del speedlight en todas direcciones a la vez.

Esas cosas no son mágicas, ni hacen la luz más suave, por mucho que digan los cantos de sirena de quien intenta venderte un Tupperware de $100. La suavidad proviene de que la luz ahora viaja en todas las direcciones y rebota y rellena desde las paredes y el techo. Lo que quiere decir que quien pretenda usar uno de esos carísimos Tupperware en exteriores, debería rezar para tener unas nubes realmente bajas para ayudarle.

Es una broma, claro.

La belleza de las luces desnudas es que cubren todos los ángulos. No hay nada mágico, excepto si consideras magia el modo en que desaparece el dinero de tu bolsillo cuando te compras uno de esos Tupperware de $100.

Pero con un speedlight, cuando le pones un StoFen (o el bote de plástico, o la botella de alcohol o el carísimo Tuppeware) al flash para que disperse la luz en todas direcciones, pierdes bastantes pasos de potencia. Lo cual no pasa con el ya de por sí más potente monobloque que además está diseñado a partir de esta arquitectura de luz desnuda.

Pero puedes hacer zoom con los speedlights ¿no?. Sí!, aquí ganan los speedlights!

Bueno, si, aunque puedes comprar reflectores telescópicos para los monobloques. Generalmente están muy pulidos y pueden llegar a ser muy caros. Pero existe la posibilidad si la necesitas y puedes amplificar aún más la potencia de estos ya de por sí potentes flashes con esos reflectores telescópicos.

En definitiva, los monobloques te ofrecen potencia, flexibilidad y ciclos de reciclado rápidos. Puedes ponerlos bastante lejos y aún ser muy útiles. Puedes superar en potencia al Sol. Puedes iluminar objetos grandes con un nivel de luz ambiental considerable sin ningún temor.

¿Que tienen de malo?

Lo que todo esto te cuesta es dinero, espacio para almacenarlos, kilos a transportar y estar atado a un enchufe en la pared si quieres usar los monobloques a todo su potencial. Así que no son unos sustitutos evidentes para los speedlights -- solo son una solución distinta para un conjunto diferente de problemas.

Pero si ya trabajas con speedlights, quizás deberías considerar hacerte con un monobloque para usarlo como refuerzo cuando trabajas con los speelights. Cuando necesitas más luz, suele hacerte falta en un punto en concreto. Como una luz principal que sea más potente que el Sol o iluminar una habitación por completo mediante un rebote.

Actualmente estoy evaluando de nuevo mi sistema de monobloques y quizás termine haciéndome algo de daño en la cartera. Hablaremos de ello más adelante, pero primero quería asegurarme de que teníais todos cierta familiaridad con los monobloques antes de entrar en los detalles.

Espero que ahora ya estéis familiarizados.

Breve introducción a los Monobloques (I)

2009-04-01T16:56:00.001+02:00

Los speedlights son geniales y los utilizo el 90% del tiempo. Pero eso no significa que sean siempre la herramienta más apropiada para todos los trabajos. Ni tampoco quiere decir que deban ser la elección adecuada para tu estilo de iluminación.

Si has aprendido a utilizar tus speedlights en manual, no deberías asustarte por tener que usar "flashes de estudio". De hecho, a estas alturas, cualquier flash de estudio típico te parecerá bastante familiar.

Olvídate de los Dogmas

En primer lugar, cada vez que utilizo un flash monobloque, alguien suelta en los comentarios aquello de que "no es muy Strobist", como si hubiese algún tipo de precepto divino a respetar. Por el amor de Dios, Strobist es el nombre de una web. Lo sé, porque me lo inventé en el 2006. Y os aseguro que no vi ninguna zarza ardiente, ni utilicé unas tablas de piedra grabadas.

Cuando trabajaba como fotoperiodista, usaba los speedlights prácticamente todo el tiempo, por la sencilla razón de que siempre los llevaba encima. Y creé el L101 y el L102 basándome en los speedlights. Pero eso era simplemente porque los speedlights son pequeños, fáciles de transportar y el modo más accesible para que la gente aprenda a iluminar.

La mayoría de la gente aprende a disparar con una carabina de aire comprimido, y solo usan munición pesada cuando quieren perforar el motor de un jeep desde 300 metros de distancia.

En mi humilde opinión, llevar el asunto de los speedlights hasta tal punto que ni si quiera te puedas plantear usar monobloques (o cualquier otro flash de estudio) es sencillamente estúpido. Yo soy un fotógrafo que usa la luz disponible. Quiero decir, que estoy dispuesto a utilizar cualquier luz que tenga a mi disposición.

Speelights, monobloques, luces de coche, iPhone -- los he usado todos. Y si pensase que un pedo en llamas podría mejorar una foto... por favor, pásame las judías y las cerillas. Los speedlights son unas maravillosas pequeñas fábricas de luz. Pero no son las únicas, y no son necesariamente la mejor herramienta en cualquier situación.

Ya está. Tenía ganas de dejar claro este asunto.

Y estaba bromeando sobre las judías. No intentes usar los pedos como fuente de luz. Yo al menos, no lo voy a intentar en mi familia nunca más. No desde que tuvimos que llevar a urgencias a mi tío Morris (Y no, no estoy bromeando en estos momentos).

Estando aquí, hacemos esto

Para iluminar objetos grandes (o para iluminar con más potencia que el Sol a una distancia razonable) los flashes grandes tienen más sentido que los speedlights. Mis flashes "grandes" son dos viejos Lightning Ultra 600. Son muy parecidos a los modelos de WL y a los AlienBees, excepto que mis 600 están bastante machacados.

En estos momentos estoy revisándolos y decidiendo que hago con ellos en el futuro. Pero quiero aprovechar la ocasión para introducirlos para todos los que no estáis familiarizados con este tipo de flashes.

Hoy vamos a pegarle un repaso al panel de control típico de estos flashes, y veréis que os resulta muy familiar después de haber estado usando los speedlights en modo manual.

Aquí está el panel de control de un WL Ultra 600 que es un flash monobloque de 300 wattios-segundo (WS). El aspecto de este panel es similar al de otros monobloques, y este en concreto es unas cinco veces más potente que los speedlights que habitualmente manejamos.

Arriba del todo puedes ver el control de potencia. Es exactamente lo mismo que bajar el nivel de potencia de un speedlight, solo que en este caso no estás limitado a pasos (o medios pasos, o tercios de pasos). Es un control continuo, con un rango de unos 5 pasos y esa es una de las razones por las que me encantan los White Lightnings y los AlienBees.

En realidad, cuando hablamos de potencias, veremos que los speedlights y muchos monobloques se solapan. Por ejemplo, este flash tiene 300WS. Si lo bajo a mitad de potencia es un 150WS. Dos pasos por debajo es 75WS, que empieza a estar muy cerca de los 60WS de mi SB-800. Así que las potencia se solapan en cuanto bajo la potencia del monobloque en -3, -4 y -5 pasos.

La eficiencia del reflector en el WL consigue generar un poco mas de luz por cada wattio-segundo. Pero aún así, hay una zona en la que las potencias se solapan. Esto es muy útil, pues quiere decir que podemos combinarlos, de modo que puedes utilizar un único monobloque y varios speedlights.

A la izquierda está el interruptor para la luz de modelado, que es menos importante para nosotros que hemos crecido aprendiendo a utilizar speedlights. Está bien tenerla, pero supone un consumo extra cuando estás intentando alimentar los monobloques con baterías. Luego hablaremos de ello.

En la zona central puedes ver algunos botones, conectores y clavijas. El botón rojo etiquetado como "test" hace exactamente lo mismo que el botón de "test" de tu speedlight. lo pulsas y el flash se dispara.

Justo encima del botón de test hay una luz etiquetada "dump". Es un indicador de que el flash está almacenando demasiada potencia, porque lo has dejado cargarse y luego le has bajado la potencia sin dispararlo. Muchos monobloques son capaces de descargar este exceso de energía de forma automática (lo llaman "auto dump"). Pero si los tuyos no son capaces de hacerlo, es bueno que sepas como resolver el problema. Si la luz se enciende, dispara el flash. Así de simple.

Ese agujero redondo es el jack de sincronización. Esta conexión, que a muchos nos gustaría tener en nuestros speedlights, pero que raramente está disponible, es algo standard en los monobloques. Lo cual está muy bien, porque resulta realmente complicado poner un monobloque encima de una zapata. Atento al tipo de conectores cuando te pongas a buscar un monobloque: algunos modelos te pueden obligar a usar conectores propietarios, mientras que otros te permiten utilizar cables standard muy baratos. Mi preferencia personal son los jacks de audio de 1/8" o 1/4".

El botón blanco al centro a la derecha, el etiquetado "model", te ayuda a saber si tu flash está preparado, apagando la luz de modelado hasta que el flash está completamente cargado. Algunos flashes pueden configurarse para emitir pitidos cuando están cargados. Esta opción de apagar la luz de modelado mientras se carga, es un modo de tener un indicador visual de carga.

La cúpula blanca a la derecha es la fotocélula para hacerlo funcionar como esclavo óptico. Estas fotocélulas son bastante sensibles en los monobloques, pero no son orientables, puesto que siempre apuntan en la dirección contraria a la que está disparando el flash.

Las fotocélulas de los speedlights, en general pueden orientarse en cualquier dirección, con independencia de hacia donde apunte el flash, lo cual es bastante útil. En general, este problema se resuelve, gracias a que los monobloques los solemos disparar con mucha mayor potencia, por lo que resulta más sencillo que las fotocélulas vean el destello.

A la derecha del todo tenemos el interruptor principal -- así de sencillo. Justo debajo está el control proporcional de la luz de modelado, que te permite equilibrar las luces de modelado cuando utilizas WL a distintas potencias.

Para terminar este paseo, tenemos un fusible (bajo a la izquierda) y el conector para el control remoto (a la izquierda del todo). Este último conector permite controlar la potencia y sincronizar el flash desde un control remoto conectado por cable.

Si te parece complicado, no lo es. En el fondo no es más que un gran flash manual, con un control de potencia lineal, un jack para sincronizar y una fotocélula. Ya sabes como manejar todo eso, de tu época con los speedlights.

Y eso es todo lo que necesitas para manejar perfectamente la mayoría de los monobloques. Se ponen en los pies y les aplicas los modificadores de luz igual que hacemos con los speedlights, ya que la mayoría tienen ellos mismos adaptador para paraguas. Y toda la teoría y práctica que conoces es la misma, solo que ahora dispones de más potencia para jugar con ella.

Quizás creías que en esos curiosos paneles de control es donde estaban las diferencias más importantes. Pero en realidad, lo que distingue a estos muchachos de los flashes pequeños es la flexibilidad (y potencia) de la iluminación en el otro extremo del monobloque.

Y de esto hablaremos en la segunda parte.

CERN II: ¿Que estas haciendo, Dave?

2009-03-27T19:35:00.001+01:00

Tras visitar los cuatro grandes experimentos principales del LHC en el CERN (e impartir un divertido seminario el sábado) todo lo que nos quedaba por hacer era ver el Centro de Cálculo y hacer algunas fotos.

¿Crees que tienes problemas de almacenamiento? No tienes ni idea, sigue leyendo y verás lo que son problemas de almacenamiento

46.000.000.000.000.000 Bytes no pueden estar equivocados

Cuarenta y seis petabytes.

Esa es la capacidad de almacenamiento total combinada entre cintas y discos del centro de cálculo del CERN. Disparar siempre en RAWs de 16 bits no creo que fuese ningún problema para ellos.

Ese almacenamiento (12PB de discos y otros 34PB en cintas magnéticas gestionadas por un robot) es lo que se necesita para almacenar y procesar la ingente cantidad de datos que el LHC es capaz de generar cuando está en funcionamiento.

Básicamente lo tienen que almacenar todo antes de ser capaces de decidir lo que es estadísticamente probablemente innecesario. En cada paso del procesado de datos, esta ingente cantidad de información se va reduciendo cada vez más en una especie de "buscar una aguja en un pajar" elevado a la N-ava potencia.

Si lo hacen bien, cuando terminen la reducción de datos, quedarán serias evidencias de que existe el boson de Higgs -- el Santo Grial de la física de partículas.

Mis anfitriones, Peter y Andras, comentaron que podrían hacer buen uso de algunas fotos nuevas del centro de cálculo. Y puesto que yo se algo sobre almacenamiento en cintas de mi época de orgulloso usuario de un lector de cintas Commodore 1530 Datasette, creo que era la persona adecuada para el trabajo.

El lector de cintas robotizado de IBM que se puede ver en la primera imagen estaba completamente encerrado en un armario. Tiene una ventana en cada extremo y algunas ventanas más pequeñas por arriba. La luz ambiente era bastante fría (literalmente -- era azul Nota del traductor: en inglés el termino "cool" se aplica tanto a frio como a "chulo", de ahí los constantes juegos de palabras empleando el termino cool que no son traducibles al Español), así que decidí seguir con el y le puse un CTB a mi flash.

El gel CTB (conversión de tungsteno a luz día) es mi favorito para los azules. Tiene un aspecto muy natural, al contrario que la mayoría de azules raritos que vienen en los catálogos de filtros. También es bastante eficiente, no le roba demasiada potencia al flash. Y por último es muy fácil contrastarlo con el correspondiente CTO, algo que hago continuamente.

No podíamos meternos dentro de las máquinas, que estaban continuamente en funcionamiento. La cabeza robótica no dejaba de desplazarse a gran velocidad, y con gran energía. La suficiente como para matarte si te pilla por medio mientras está intentando localizar una cinta.

Así que nos conformamos con hacer la foto desde la ventana del extremo. Pero eso nos dejaba con pocas opciones para iluminar la escena. Pusimos un SB-800 con un CTB en el otro extremo del armario y en principio lo dirigimos hacia fuera, hacia una pared cercana, para obtener una luz suave y limpia. Pero Aaron sugirió que probásemos a darle la vuelta y a disparar hacia dentro de la máquina. Lo intentamos y la verdad es que la foto se veía mucho mejor.

Así que ¿como expones para el interior de la máquina? ¿Que potencia debes usar para los flashes?

Al final todo se reduce, como siempre, a resolver primero tu problema más importante. Y mi problema aquí, era obtener la suficiente profundidad de campo para que algunas cintas estuviesen enfocadas. La luz posterior servía para obtener algunos reflejos especulares de ellas, así que intentaba tener definidas la mayor cantidad posible. Aumentar la potencia de los flashes implica tener mayor profundidad de campo.

Así que el primer paso es obtener una potencia decente de los flashes. Puse el SB-800 a 1/2 de su potencia y probé varias aperturas hasta lograr la que me gustaba. Nada sofisticado.

El siguiente paso: equilibrar con la luz ambiente. Tenía dos fuentes a considerar -- la luz dentro de la máquina y los LED de estado de la cabeza robótica.

La potencia del flash estaba fijada. La apertura estaba fijada. Todo lo que tenía que hacer es ir bajando la velocidad de disparo -- 1/30, 1/15, 1/8, 1/4 -- hasta que el LED y el ambiente azul tuviesen el aspecto adecuado.

Un flashímetro me hubiese servido de bien poco. Tan pronto como hubiese metido i mano con el flashímetro Minolta IVF dentro del armario, esa cosa se hubiese puesto en marcha y me hubiese arrancado el brazo de cuajo.

Pero eso no es un inconveniente -- no he usado un flashímetro desde hace años y aún tengo los dos brazos para demostrarlo. No necesitas un falshímetro. Siempre que seas capaz de identificar tu problema principal. Al solucionarlo ya estás fijando un parámetro y con cada paso que das vas fijando el resto, como acabo de describirte.

Sinceramente, nuestro mayor problema resulto ser lo impredictible del movimiento de la cabeza robótica. Era igual de colaboradora que un niño de 3 años con su tazón de cereales y una cuchara delante.

Quería iluminar la cabeza desde arriba y puse un segundo flash con un gel CTO en una de las ventanas superiores. Pero el cacharro no quería colaborar y nos teníamos que ir a otra sala muy pronto. Así que apagamos la luz superior y nos apañamos con la mezcla de luz trasera y luz ambiental.

Otro piso, otro tunel

Una vez acabamos con el lector de cintas, subimos al piso de arriba a fotografiar la sala principal del centro de cálculo. La gente del CERN es bastante buena montando una gran potencia de cálculo a partir de elementos mas sencillos y esta habitación es básicamente una tonelada de ordenadores Linux y otra de discos duros interconectados para generar una potencia de cálculo y almacenamiento masivos.

Fue impresionante pasar tiempo allí -- filas y filas de estanterías llenas de ordenadores y discos duros. Sin prácticamente espacio para esconder ninguna luz.

Dedícale un instante a la vista superior del pasillo donde hicimos la foto, que estaba prácticamente rodeado por dos habitaciones. Había puertas de cristal en cada extremo (que abrimos) y un techo también de cristal. Y no teníamos suficiente luz como para superar al ambiente, así que tendríamos que usarlo.

Así que nuestro primer problema era dominar el ambiente. Por suerte era una luz de fluorescente bastante consistente. Para nuestros propósitos, esta luz venía de arriba.

Puse la cámara en balance de blancos fluorescente. Hice unos ligeros ajustes del WB hasta lograr el mejor aspecto. Entonces subexpuse esa luz ambiental en dos pasos. Eso lo hice porque quería usar el ambiente como luz de relleno, no como luz principal.

Puesto que habíamos cambiando el balance de blancos, tuve que colorear los flashes para compensar. Sin problemas, simplemente puse el verde.

Así que ¿donde ponemos los flashes?
Nuestro modelo sería Andreas, quien es el autor del programa de testeo de los discos que tenía ocupadas a todas esas luces azules encendiéndose y apagándose. Era como estar en el puesto de mando de la Enterprise. O quizás en 2001: Una odisea espacial. Me gusta la tecnología, pero puedo imaginarme a mi mismo, por la noche, atemorizado por todos esos ordenadores, discos duros y cintas funcionando sin parar a mi alrededor.

(No se puede decir que asustasen tanto a Peter, nuestro otro anfitrión y otro mago de los ordenadores en el CERN, que se había quedado dormido en una de las mesas mientras fotografiábamos al monstruo de las cintas)

Así que la unión entre las dos habitaciones era el lugar adecuado para esconder la luz principal, que llevaba un filtro verde y disparaba a través de un paraguas traslúcido. su función era doble: iluminar a Andreas desde detrás y a la derecha y pintar un bonito reflejo especular en los ordenadores de la izquierda.

Usé un 1/8 de potencia y ajusté la apertura hasta que me gustó el resultado. Cada vez que movía la apertura, tenía que compensar con la velocidad de disparo para mantener el ambiente dos pasos por debajo.

Esa era la parte fácil. Ahora venía lo difícil -- ¿como rellenar a Andreas e iluminar algo del equipo al mismo tiempo?

Desde el punto de vista de la posición, teníamos pocas opciones. La más evidente era justo desde donde estaba haciendo la foto.

Puse un segundo SB-800 con el gel verde justo a mi izquierda. A unos 30cm o así a mi lado. Eso serviría para llenar a Andreas y generar algunos reflejos en los cables y las máquinas Linux. Pero también se cargaría cualquier otra cosa del primer plano.

Eso es sencillo de resolver con un panal de abeja en el flash. Cualquier cosa que está cerca, está también en la zona exterior del haz. Así que usando un panal de abeja para bloquear esa zona del haz, evitábamos quemar los laterales.

¿Como elegir la potencia de ese flash? Sencillo -- ya tenemos la apertura adecuada para la luz principal. La velocidad de disparo la determina el ambiente y esos dos pasos por debajo de la principal donde hemos deseado ponerla. Puesto que esto no queremos cambiarlo, solo tenemos que ajustar la potencia de este flash de relleno hasta lograr el aspecto deseado.

Nada especial, nada de fotómetros. Solo el tradicional jugueteo con la pantalla y el histograma de la cámara.

Ahora lo que faltaba era pillar algunas de esas luces parpadeantes. Tampoco hay ningún secreto para ello. Simplemente dispara muchas imágenes y confía en la probabilidad. Al final siempre funciona.

Flashes manuales: Dos estrenos y una adopción

2009-03-12T08:36:00.001+01:00

Por fin hay unas cuantas alternativas a navegar interminablemente por eBay buscando flashes usados de Nikon o a gastarse algunos cientos de euros en un flamante flash de una de las grandes marcas.

Os presento a los nuevos LumoPro L120, el Yong Nuo YN460 y el Cactus KF36

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Completamente sincronizado: El LumoPro LP120

Imagina que alguien te preguntase que querías poner -- y quitar -- de un flash con zapata, pensado para fotógrafos a los que nos gusta iluminar.

Eso es exactamente lo que ha ocurrido con el nuevo LumoPro LP120, que fue encargado por Midwest Photo en respuesta a la disponibilidad (más bien, escasez) de flashes antiguos y a los recientes problemas de calidad de Vivitar.

El LumoPro LP120 ha sido diseñado específicamente pensando en iluminación manual con flashes fuera de la cámara. La idea era ponerle todo lo que puedes necesitar -- y nada que no necesites y que por lo tanto no deberías pagar.

Mi agradecimiento a Moishe de MPEX por asumir este proyecto. Ninguno de los grandes fabricantes estaba interesado en subirse al carro, así que lo hizo el mismo.

Características:

Cabeza standard con rebote y giros de 180/90

Cabeza con zoom manual (sin motores -- similar a la de los Vivitar 285)

Control manual completo hasta 1/32 de potencia sin valores "perdidos" como los que faltan en el 285

Importante: No lleva AUTO ni TTL

La potencia es equivalente a la del 285 -- número guía de 27 con la cabeza en la posición normal de zoom. (aún no lo he probado por mi mismo). Es un poco más potente con el zoom en su longitud mayor a cambio de tener un haz más estrecho. Este numero se ve afectado mucho por la posición del zoom y eso lo utilizan los fabricantes para alterar los valores reales. Asegúrate de no estar comparando peras con manzanas.

La zapata es de plástico duro y es posible cambiarla si se rompe

Ahora lo bueno: Cuatro modos de sincronización incorporados. Lleva la zapata, un conexión PC, un jack de 1/8" y una fotocélula incorporada. He podido esta ultima y mola. Un poco direccional, pero eso es bueno, puesto que le añade sensibilidad. Como la cabeza del flash gira independiente de la fotocélula que está en el cuerpo, pudes orientarla siempre de forma adecuada.

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La combinación de esclavo óptico y dos conectores externos lo hacen prácticamente universal. Para tener un montaje con múltiples flashes, solo tienes que sincronizar con la cámara uno de ellos y el resto, siempre que estén a unas distancias razonables uno de otro, pueden dispararse mediante la fotocélula. Y ese lo puedes sincronizar con un disparador por radio o sencillamente con un cable pc sync o un cable con el jack de 1/8". Ese esclavo funciona bien alrededor de las esquinas en las pruebas que he realizado en interiores.

Así es como trabajo la mayor parte del tiempo con mis SB-800, siempre y cuando sea el único fotógrafo en la sala claro. En cualquier entorno donde hay varios fotógrafos, es imprescindible sincronizar todos los flashes con disparador de radio para evitar que los disparos de otros flashes hagan saltar los tuyos.

El precio son $129.95, gracias a haber dejado fuera los automatísmos y el TTL. El primer lote lo están sirviendo ahora mismo desde MPEX. Atento, porque a partir de ahora, los diversos kits de MPEX llevan los LP120 en lugar de los Vivitar 285. (Si quieres, quizás puedas cambiarlos por los 285 -- no lo se. Aunque no se me ocurre ninguna razón para hacerlo).

Aún está por ver la duración de los pulsos a cada potencia. En las especificaciones del fabricante no aparece y MPEX está buscando a alguien que pueda medirlo. Si eres esa persona, por favor deja un mensaje en los comentarios del hilo en Flickr.

Preguntas y aclaraciones, discusiones y resultados de los primeros compradores empiezan a parecer en este hilo dedicado en Flickr.

Una cita barata: Yong Nuo YN460

El segundo, y con el aspecto de un SB-800 genérico, es el Yong Nuo YN640. Empieza a estar disponible en las tiendas y pude probar uno la semana pasada en el PMA.

Es pequeño y tiene un control manual muy sencillo en la parte posterior -- simplemente pulsa un botón para añadir o quitar potencia hasta llegar a 1/64. También lleva incorporado el esclavo óptico, aunque está colocado en la cabeza, cerca del tubo. La verdad es que me parece una solemne tontería, puesto que al ponerlo ahí, no te dejan orientar la fotocélula y el flash en direcciones distintas.

El LP120 del que hemos hablado antes, tiene la fotocélula en el frontal del cuerpo, así que puedes mover la cabeza y la fotocélula en distintas direcciones.

Pero el YN640 lo están vendiendo por menos de $50 en algunas tiendas de Hong Kong, lo cual es algo a considerar.

Otras cosas que me molestan un poco:

Tiene la pinta de un SB-800 o quizás de un SB-600 (y parece que se pueden montar en él los mismos accesorios) pero es dos pasos menos potente que el SB-800, al menos según las primeras pruebas. Además, incomprensiblemente, no tiene ni zoom en la cabeza del flash ni ningún modo de conexión exterior. Aunque si usas disparadores remotos con zapata, esto último no es un problema demasiado grave.

Podría vivir con esas limitaciones si estuviese buscando el modelo más barato de flash manual. Pero lo más preocupante es que se han encontrado inconsistencias en la potencia de salida cuando estás disparando en el rango bajo de potencias. No lo he encontrado yo -- esa información viene de uno de los primeros compradores que lo ha comentado en Flickr. Pero por menos de $50 igual te interesa comprobarlo por ti mismo.

Un montónazo de fotos aquí y un hilo de comentarios (con detalles de donde comprarlo) en este enlace.

Un déjà vu: El Cactus KF36

Espera un momentito. Este flash me resulta familiar....

El Vivitar 285HV, el que fue la decisión evidente para los aficionados a la iluminación manual fuera de cámara, tuvo una muerte lenta y dolorosa a causa del control de calidad. Y al final Sekar compro a Vivitar dejando el futuro del antaño venerable flash en el limbo. Ahora, la gente que fabrica los disparadores Cactus lo ha resucitado y le ha cambiado el nombre. Os presento al Cactus KF36.

Las mismas especificaciones que el viejo Vivitar, ahora solo queda por ver si han mantenido la calidad de fabricación. Las características principales: Cabeza basculante para rebotarlo (sin giro), control manual parcial (1/1, 1/2, 1/4 y 1/16 -- por alguna extraña razón no tiene 1/8). El número guía es 40, pero eso es con el zoom a 85mm (mírate el comentario que he hecho al hablar del LP120)

También tiene un modo "auto", el cual resulta muy cómodo cuando sincronizo a alta velocidad con la G9. Sin embargo, para añadir otra mala noticia, sigue llevando un conector externo propietario para sincronizar (arrrrrgh).

Por el amor de Dios, tíos, poned un conector PC o un jack mono de 1/8" en este flash. En serio, el mundo no os va a dejar campar a vuestras anchas en este asunto. Sony Betamax -- ¿he de decir algo más?

De nuevo está por ver la la calidad de fabricación. ¿Es como la de los viejos (realmente buena)? ¿Como la de los últimos fabricados (mala)? ¿Es aún peor?

No lo sabremos hasta que la gente no empiece a probarlos por si mismos. Si te decides a comprar uno, por favor, deja tus comentarios en este hilo de Flickr.

Lo mejor que puedo decir de los Cactus KF36 es que gozan de la reputada calidad de los envíos de Gadget Infinity directamente desde Hong Kong.

Eso se lo tengo que conceder: son capaces de poner cualquier cosa en cualquier lugar del mundo muy rápidamente y a un precio muy bajo.

Lo que más me ha gustado de las "características" del KF236, tal y como pone en la web del producto es

"Nuevo de fábrica, no usado anteriormente"

En serio, no me lo invento.

Nota de traductor: en el artículo original, los números guía están expresados en pies. He preferido pasarlos a metros, porque la diferencia (un factor 3) es muy importante y no quiero crear falsas expectativas

CERN I: La importancia de las cosas pequeñas

2009-03-11T19:18:00.001+01:00

ACTUALIZACIÓN IMPORTANTE: Me atormentaba no haber incluido ningún servicio púbico en este enlace, así que aquí está. Si te preocupa la seguridad del Gran Colisionador de Hadrones del CERN, siempre puedes consultar esta web para consultar la ultima información sobre si se ha generado algún agujero negro con consecuencias catastróficas para el planeta.

A los chicos del CERN les gusta decir que cuanto más pequeño es el sujeto, mayor es detector que necesitas para poder verlo.

Si quieres estudiar un insecto, usas una lupa. Si quieres estudiar a las bacterias, necesitas un microscopio. Si quieres estudiar partículas subatómicas, necesitas un acelerador de protones, que tiene una circunferencia de 27 kilómetros y lleva adosados detectores que son tan altos como un edificio de ocho plantas.

Afortunadamente, esto es lo que hacen precisamente en el Gran Colisionador de Hadrones (Large Hadron Collider, o brevemente LHC) en el CERN cerca de Ginebra, Suiza. I allí es donde estuve la semana pasada, disparando algunas fotos e impartiendo un seminario.

En pocas palabras: El mejor viaje que he hecho hasta ahora.

Y no hace falta que os cuente que al menos durante un buen rato, será muy difícil impresionarme con vuestros vulgares decorados fotográficos.

¿Te gustaría venir al CERN?

"¿Que hace falta para que vengas a dar un seminario al CERN?" me preguntaban en un email. Era de Peter Klemen, quien es el responsable del amacenaje de datos en el centro.

Solo tuvo que preguntar. El LHC es ~~probablemente~~ con toda seguridad el lugar más interesante en el planeta (realmente dentro del planeta) en lo que se refiere a tecnología.

Hice el viaje con mi amigo Aaron D'Souza, lo cual está muy bien. Él realmente entiende todo este asunto de la física de partículas. Y pude traducir de manera muy eficiente, los términos empleados al conjunto de gruñidos monosilábicos que forman mi vocabulario sobre el tema.

La cosa funciona más o menos así: Yo intento hacerle una pregunta, el entiende exactamente lo que estoy preguntando y le cuesta solo un instante ver hasta que punto debe simplificar la explicación para que yo sea capaz de entenderlo.

Si logro entenderlo, aunque solo sea en parte, lo consideramos como un verdadero triunfo lingüístico para los dos.

Así, que tras enfrentarnos a nuestro jet lag con la ayuda de una bebida energética, llegamos al CERN dispuestos a que nos desvelasen los misterios del universo. También quería fotografiar a alguna gente, utilizando los experimentos como decorado.

Nuestra guía para el primer experimento, ATLAS, fue Doris, que es una genio de los ordenadores especializada en adquisición de datos. Doris a la captura de datos, lo que Bill Gates es a la adquisición de riqueza. Excepto que Bill está unos cuantos órdenes de magnitud por detrás de Doris.

ATLAS es gigantesco. Mostruoso. Acojonantemente GRANDE. Bajas con un ascensor 100 metros dentro del planeta. El detector en sí mismo tiene 25 metros de altura y 46 metros de longitud. Pesa como cien Boeing 747 y es capaz de generar diez terabytes de datos al día cuando está en funcionamiento.

En este ultimo tema es donde aparece Doris. (Y tu crees que tienes un problema de sobrecarga de información).

ATLAS es una bella bestia simétrica que quedaría magnífico en el plato de Startgate, excepto que esta es real. Tiene unos enormes imanes toroidales y detectores de muones, incluso, digamos que ni un condensador de fluzo resultaría extraño en este aparato.

Y ahora mismo está cubierto por un metal oscuro, de modo que solo la mitad es visible. Encima de eso, nuestro acceso al detector estaba limitado a unas pasarelas muy estrechas en los laterales. Así que tras maldecir a los dioses de la fotografía durante algunos minutos en voz baja (en francés, por supuesto), llegué a la conclusión de que el único modo de hacer una foto en nuestra situación era con un gran angular.

Lo siento, pero es simplemente imposible hacer justicia a las facciones clásicas de Doris con un gran angular. Así que cambiamos de modelo y pusimos delante del objetivo a Xavier, un encargado de seguridad. Xavier es todo sonrisas en el exterior, pero por dentro es todo un profesional. Te aseguro que permaneces seguro si él te esta mirando.

Incluso lleva colgando un sensor de radioactividad del tamaño de un iPod, para asegurarse de que ninguna de esas partículas subatómicas le están haciendo ningún daño -- o a nosotros. Ya te digo, los chicos del CERN, tienen todos los juguetes chulos.

En cualquier caso, un retrato con un gran angular delante de la cara tenía más sentido con un poco de actitud por parte de Xavier.

Como puedes ver en esta foto del setup hecha por Peter Kelemen, teníamos cero espacio vertical en el que iluminar la toma. Para aclarar las cosas, yo llamo espacio vertical a la profundidad de la foto. Es decir, cuanto espacio tengo entre mi luz principal y mi sujeto, mi sujeto y el fondo, etc.

Por supuesto que teníamos toneladas de espacio vertical literalmente hablando en la caverna del ATLAS (en serio, lo llaman caverna), pero mi entorno para la fotografía estaba formado únicamente por la pequeña pasarela que veis en la foto. Metro y medio entre Xavier, la luz y mi culo pegado a la pared.

La luz principal es el paraguas a la izquierda muy pegada a Xavier, como se pude ver en esta otra imagen del setup. La sujeta quien posiblemente sea el más sobre capacitado soporte activado por voz en la historia del planeta. Fons usa el ordenador como Yo-Yo Ma toca el chelo. Excepto que Fons usa muchísimas más notas.

Por cierto, todos los conspiranoicos apreciaran la información que obtuve de Fons en cuanto al supuesto agujero negro que el LHC creará y destruirá el planeta. La respuesta rápida es, hum, bueno, sí, el LHC realmente puede producir un montón de agujeros negros. Pero serán my pequeños e inestables. Así que no lleves al límite la tarjeta de crédito, puesto que Fons me asegura que el LHC no te va a librar de la obligación de devolver el dinero.

Fons también me introdujo en algunas delicias gastronómicas en este viaje, la primera de las cuales fue la medusa.(Veredicto: Como comer bandas de goma gruesa, solo que finalmente se rompen en dos trozos después de mucho masticar.)

El segundo plato fueron los filetes de carne de caballo.

Fons fue tan amable como para dejarme probar un trozo, de lo contrario jamás me hubiese atrevido a coger el plato entero (Veredicto: Sorprendentemente delicioso).

Lo siento Emily. Ya sé que te gusta montarlos y cuidarlos, y te prometo mantenerme alejado de tu fiel Nirvana con mi cuchillo y mi tenedor. Pero miralo de otro modo, ahora a papá también le gustan los caballos. Pero de otro modo.

Volviendo al asunto de la iluminación. Además de la luz principal, en la foto anterior puedes ver la luz que ilumina el fondo. Está puesta en la misma pasarela, a unos 5 metros apuntando a la coraza del ATLAS. No quería iluminar esa cobertura oscura, solo crear algunos reflejos en ella. Lleva puesto un CTB para crear una clave fría en la iluminación.

En esta foto no se ve la luz de relleno en Xavier, un flash desnudo a unos 10 metros a la derecha en la imagen y desde un piso de altura. Esa luz me permite tener luz en los dos lados del rostro, pese a lo reducido del espacio.

Además de eso, le pedí a Xavier que encendiese la luz del casco para añadir pegada a la imagen. Siempre que hay luces ambientales interesantes dentro del encuadre, las suelo encender para ver que tal quedan. En este caso me gustó el resultado y la dejé encendida.

La iluminación de esta imagen proviene casi toda del flash, con la luz ambiente a unos -3EV.

El solenoide de muones "compacto"

Ese mismo día, algo más tarde, visitamos el CMS (Compact Muon Solenoid), que sospecho es el cacharro "compacto" más grande del mundo. Michael, que es quien aparece en la foto que abre el artículo, es un magnífico fotógrafo y además fue nuestro guía durante esta visita.

Tenía colgadas algunas de sus impresionantes fotografías en las paredes para poder explicarle al Rey de Bélgica como funcionaba el CMS (si, estuvo por aquí justo antes que nosotros). Michael nos enseño un truco muy chulo: disparando el flash integrado de su cámara en la boca de este sensor gigantesco, se iluminaban las etiquetas reflectantes que se utilizan para ver si el aparato se mueve durante su uso.

Me gustó mucho el efecto y también me di cuenta de que si disparas una luz directamente hacia la cavidad, rebotaba entre todas las superficies metálicas y parecía que estabamos iluminándola desde varias direcciones simultáneamente. Ya que no nos podíamos acercar mucho para iluminarlo, ese truco seguro que nos ayudaría.

Pusimos la cámara para subexponer el entorno un par de pasos y así utilizar la luz ambiente como relleno. (No es fácil iluminar algo que es así grande y complejo con dos sencillos speedlights, así que tienes que dejar que la luz ambiente te ayude)

En cada uno de los experimentos, mi estrategia era la misma -- dejar que la luz ambiente, hiciese el trabajo pesado, anularla un poco y entonces resaltar algunas áreas y a la gente con los flashes.

Como se puede ver en esta foto del setup hecha por Aaron, lo hicimos todo con un paraguas y dos pequeños flashes. Y un modelo muy sexy (Tranquilo, Michael -- me refiero al CMS)

El paraguas ilumina a Michael desde una segunda pasarela y también ilumina la barandilla para darle algo de contexto a la imagen. Si te fijas en la imagen (puedes seguir el enlace a la imagen a mayor tamaño), puedes ver otro flash en un Justin-clamp en la pasarela, justo detrás del pié de Michael disparando a la boca del CMS.

Las potencias de los flashes fueron sorprendentemente bajas -- 1/16 la luz principal y 1/4 o 1/8 (no lo recuerdo) la que ilumina el CMS. Teníamos unas superficies enormes, pero oscuras. No intentes iluminarlas completamente. Ajusta la exposición para ellas (un poco por debajo) y refina el ambiente

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Al día siguiente, nos enseñaron el experimento LHCb, y fotografiamos a Niko en una caverna iluminada por una pesadilla de luces de vapor de sodio. Este artículo ya está siendo suficientemente largo, así que no voy a extenderme más. También me dediqué a maldecir en francés en este decorado. Una habitación enorme llena de luces de vapor de sodio. Pero al menos el LHCb parecía una enorme cámara fotográfica.

Fons, también nos llevo a ver ALICE, el cuarto experimento en el tour. Usamos todas las luces que teníamos y aún así permaneció oscuro y turbio.

Los puntos de vista interesantes en los detectores, ya no están accesibles, pues ya está instalado el tubo de vacío (por donde circulan los protones y el resto de partículas utilizados en los experimentos). Pero mientras estaban construyendo los detectores era posible verlos desde el punto de vista del protón. Y hay algunas imágenes impresionantes tomadas desde ese punto de vista concéntrico.

Las más bellas las hizo Max Bryce del mismo CERN, y para un experto en la materia es casi una experiencia religiosa el verlas.

En algún momento de la visita, recuerdo que Max masculló algún tipo de disculpa por haber hecho algunas de esas fotos con una vieja Nikon D1X.

Bueno, yo también utilicé una D1X durante un tiempo y nunca hice ninguna foto ni la mitad de chula que las que hizo Max. Las máquinas ahora son impresionantes, pero para apreciar toda su belleza, tenías que verlas sin toda la topa puesta. Se pueden ver muchas de esas imágenes tomadas durante la construcción en esta bonita página hecha por The Big Picure.

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Rapeando

Para terminar, si aún te quedan cinco minutos, te recomiendo ver este video. Ha pasado todos los controles de calidad del CERN en cuanto a la precisión de los términos empleados -- y además con estilo. Y para un tour en más profundidad (con montones de enlaces interesantes) de los experimentos que visitamos, te aconsejo el artículo de Aaron.

Tres nuevas traducciones del Lighting 101 en PDF

2009-03-02T13:17:00.001+01:00

Estoy muy contento de anunciar, que gracias al esfuerzo desinteresado de un grupo de lectores multilingues, he podido publicar el curso Lighting 101 en Francés, Hebreo y Español.

Primer bateador -- Frances

Gracias al esfuerzo de equipo volcado en el proyecto de traducción frances, el L101 en versión francesa no es un montón de verbos mal conjugados y frases insultantes. My fracnes, no es demasiado bueno, verdad?

Estos chicos lo han formado un comité muy meticuloso que no ha tolerado el menor error. Según me comentan, han deliberado sobre cada problema hasta que ya no ha quedado ni una sola gota de vino. Que dedicación!

Gracias a Jacques, Mélina, Benoit, Charles, Christophe, Laurent and Jon, tantas manos hacen el trabajo más ligero (vale, lo siento, el chiste es malísimo)

El PDF se puede descargar desde aquí. Pero no tiene porqué quedarse aquí, este trabajo se publica para que se distribuya libremente por donde se quiera, siempre que no se modifique el contenido.

Bateando con la zurda -- Hebreo

Muchas gracias a la maquina de traducción unipersonal, Tomer Jacobson, Lighting 101 está disponible en hebreo.

Tendré que poner mi portatil delante del espejo para ver si logro entender esta escritura de derecha a izquierda.

Ostras, ni así consigo entendero! pero es muy bonito y un montón de trabajo para una sola persona. Eres grande, Tomer.

La versión Hebrea está aquí y como con la Francesa, podéis pasársela a quien queráis.

Y cerrando el paquete, Español

¿Que más puedo decir sobre Rafa Barberá? Ha estado traduciendo Strobist en Español desde hace bastante tiempo. Así que naturalmente, sintió que el debería terminar la traducción del L101 y paginar el PDF el solo.

Una vez finalizada esta tarea, se va a poner a resolver la crisis económica antes de empezar a buscar una solución al calentamiento global, con una mano atada a la espalda.

El Lighting 101 en Español está aquí (gracias Rafa!)

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Recordad que la versión en Japones ya está disponible (alrededor de 4000 descargas, solo desde el sitio de MediaFire) y por supuesto hay una versión Inglesa del mismo PDF.

Si quieres saber algo más sobre los proyectos de traducción, empieza por este artículo.

Y de nuevo, muchas, muchas gracias a todas las personas involucradas en este proyecto.

On Assignment: El Instituto Monteverde

2009-01-30T11:00:00.001+01:00

Uno de los motivos que me han llevado a Costa Rica, ha sido hacer algunos trabajos para el Monteverde Institute (MVI). En el MVI, los estudiantes universitarios acuden para aprender sobre la biodiversidad y la sostenibilidad ecológica por las que es famosa Costa Rica.

Pasé la mayor parte del día fotografiando a los estudiantes en distintos ambientes dentro de la escuela. Pero también fuimos a los bosques que hay detrás de la escuela para fotografiar a un par de voluntarios que han venido a Centro América para pasar algo de su tiempo en este entorno tan impresionante mientras ayudan a que las cosas sigan funcionando en el MVI

Voluntario Dan Swift

Uno de estos voluntarios es Dan Swift, que es el protagonista de la anterior foto. Viene de Buffalo NY, de donde seguro que este año no añora el invierno. Dan es un chaval de Buffalo de cabo a rabo, que incluso lleva tatuada una de esas bestias en su antebrazo derecho. Ha decidido salir durante un tiempo de la universidad y venir a ayudar aquí bajo y pensé que un retrato de Dan en el entorno ayudaría a motivar a otros estudiantes a seguir su camino.

Subimos por una colina en los terrenos detrás de la escuela hasta llegar a una gran higuera trepadora. Estas higueras empiezan creciendo en lo alto del árbol huésped, enviando zarcillos hacía abajo, envolviendo por completo a su huésped. Al final, este substrato muere y lo único que queda es la superestructura que ha formado la higuera.

Lo que queda es una estructura impresionante, con aspecto de "ente" peligroso. Algunos se quedan huecos, de modo que se puede escalar por el interior.

Nos decidimos a usar el tronco como fondo para el retrato de Dan. Yo quería añadir algo de luz, pero solo para resolver problemas y no para llamar la atención sobre ella misma.

La luz ambiental era soleada y con manchas por la luz que se colaba entre las hojas, y ese sería el primer problema que teníamos que resolver. Además, venía desde un angulo muy elevado (estábamos en el trópico) así que no funcionaría como luz frontal.

Eso fue fácil de solucionar -- nos pusimos a la sombra del árbol y transformamos nuestro Sol en lo alto en una luz para resaltar y separa el pelo. Además de eso, desde esa posición teníamos una bonita textura en toda la vegetación que rodeaba el árbol.

El único problema es que ahora el tronco era demasiado oscuro. Así que mi primer SB-800 se empleó para solucionar esto. Conecte el SB en un Justin Clamp, una preciosa pieza de hardware que por $54 une pinza a una pequeña rotula de bola y una zapata sin conexiones. Una unión perfecta para un flash y seguramente acabaré teniendo una para cada uno de mis incontables flashes. Con ella puedes colocar un flash casi en cualquier sitio.

El primer intento fue acariciar el árbol con una luz lateral para resaltar las texturas. Quedaba completamente horrible desde cualquier ángulo que lo intenté. Así que sencillamente decidí iluminar la cavidad en el árbol para añadir algo de tonalidad.

Se puede ver el efecto de la luz en el árbol en esta foto. Siguiendo este otro enlace, se puede observar como el Justin Clamp transforma una raíz en un soporte de luces.

Ahora tenemos la luz solar trabajando en la parte superior y en los bordes y un SB en el árbol. Así que toda la luz está llegando desde atrás hacia delante, lo que nos deja un entorno sencillo en el que iluminar a Dan. Y el detalle en el árbol servirá de paso, para enmarcarlo adecuadamente.

Cuando iluminas en planos separados tienes el control total sobre los tonos relativos entre el fondo y el sujeto. Pero eso no quiere decir que tengas que forzarlos al máximo para hacer que la foto tenga un aspecto sobreiluminado. Como ya he dicho, pretendía mantener la luz con un aspecto natural, y eso requería mantener los ratios de intensidad entre fondo y sujeto bastante ajustados.

Usé uno de mis pies para flashes para añadir la luz principal sobre Dan, quien de no haber sido iluminado estaría un par de pasos subexpuesto. Me guardé el soporte para esta luz principal, porque está es la luz que necesitaba colocar con mayor precisión.

Utilicé un SB-800 con la Lumiquest Soft Box III para suavizarla solo un poco, y la coloqué justo fuera de la foto a la izquierda. No trataba de sobreiluminarlo, solo sacarlo de la zona subexpuesta de la sombra (Trabajar contra el follaje iluminado por detrás es lo que le da a la foto toda su textura)

Incluso con el árbol iluminado detrás de él para generar separación, el lado derecho de la cara de Dan quedaba demasiado oscuro. Así que usé otro SB-800 desde detrás a la derecha de la cámara, detrás del árbol, para crear una sutil luz de borde.

Solo llevaba un pié, así que utilicé otros Justin Clamp para la luz de separación. Si estos soportes se plegaran completamente planos (o casi) serían perfectos. Pero incluso con su forma extraña y difícil de empaquetar, no voy a quejarme.

Lo sujeté a una pequeña señal cerca del árbol, justo fuera de la imagen a la derecha. Tampoco dejé que emitiese mucha luz -- justo la necesaria para definir el lado derecho de la cara de Dan (visto desde la cámara)

La Velocidad de Obturación Controla el Contraste

Teniendo todos los flashes ajustados (y con control manual de la potencia) para darte la cantidad necesaria de luz a la apertura elegida, es muy sencillo trabajar el rango de contrastes de la escena con la velocidad de disparo. Eso alterará la componente ambiental de la foto.

Subiendo la velocidad de obturación puedo oscurecer el entorno y hacer que Dan sea la estrella de la imagen. Recuerda que no importa lo lejos que lleve el fondo hacia las sombras, Dan seguirá estando perfectamente iluminado y separado de esas sombras por los flashes. Lo tengo iluminado con la luz principal y la de separación y además el trozo de tronco que tiene detrás está también iluminado por el flash.

Hace unos cuantos años, habría subexpuesto más el fondo para llamar la atención en la luz. Pero últimamente he ido transformando esta tendencia hacia un balance más equilibrado -- usando la luz para modelar el entorno, en lugar de sustituirlo.

Al final, la combinación de ambiente y flashes no llama la atención en si misma y eso me gusta. AL fin y al cabo esto es un retrato. Pero el objetivo real es permitir al observador imaginarse a si mismo en este ambiente.

Y si están pensando en como usar un año sabático, se me ocurren cosas peores que dedicarse a trabajar en el MVI en Costa Rica.

On Assignment: Manil Suri

2009-01-28T11:05:00.001+01:00

Uno de los placeres de ser fotógrafo es que te permite cruzar tu vida con un continuo fluir de personas muy interesantes. Uno de estos encuentros que he tenido recientemente ha sido con el escritor Manil Suri (The Death of Vishnu y The Age of Shiva), a quien fotografié para una revista literaria.

En estos momentos, nunca me parece tener el suficiente tiempo libre como para permitirme leer alguna obra de ficción, pero mi esposa es una gran fan de Suri. A mi me interesaba fundamentalmente por su otra personalidad, como profesor de matemáticas en la cercana Universidad de Maryland, en el condado de Baltimore.

No te cruzas con demasiada gente que sea capaz de explicar en profundidad el concepto de infinito y al mismo tiempo escribir novelas superventas entre clase y clase.

Cemento Abstracto, toma dos

Tras una serie de correos electrónicos, llegamos al acuerdo de que podría fotografiar a Suri en su oficina, o alrededores en el campus de la UMBC, antes de su clase de medio día.

No tendríamos demasiado tiempo, pero eso es parte del juego (y para mi, la parte más divertida) cuando haces fotos para una revista. Es la misma diferencia que hay entre jugar al ajedrez por placer y jugar una partida bajo una pistola con temporizador.

Y en este caso la analogía es más que adecuada, porque la UMBC es un Pez Gordo en el mundillo del ajedrez universitario. Les encanta capturar a los reyes de jugadores que estudian en universidades que son tres veces más caras que la UMBC.

Buscando decorados cerca de la oficina de Suri, encontré una zona detrás de su edificio, donde unas losas de cemento, castigadas por la intemperie, podrían constituir un fondo interesante. Creca de allí había un receso en el que podía construir completamente el look de la foto, pero voy a hablar únicamente de la foto hecha en el exterior para evitar que este artículo se transforme en Guerra y Paz.

En un artículo anterior, titulado Cemento Abstacto, fotografié a un científico que se dedica al estudio de los cementos a nivel molecular. Pero para Suri solo pretendía utilizar el muro de cemento como el punto de partida para construir mi fondo.

Me gustaba la textura, pero el tono era demasiado claro y demasiado homogéneo -- dos problemas que se pueden resolver fácilmente con un único speedlight.

Fijándote en este montaje de tres fotos, puedes ver el aspecto original del muro tal y como me lo encontré con una exposición en automático. Es una toma rápida, que ni si quiera está enfocada. Pero no necesita estarlo, puesto que como será el fondo la tendré un poco desenfocada en realidad. Ese tono es aproximadamente un paso por encima del gris neutro.

En la imagen central, puedes ver como queda el tono una vez he bajado la luz ambiental en dos pasos. Me gusta más ese aspecto para el fondo. También esta enfocada, aunque para mi gusto eso lo hace menos atractivo como fondo, puesto que compite en atención con mi sujeto.

Para la tercera imagen, lo he vuelto a desenfocar (enfocando en el punto delante de la pared donde estará Suri) y he disparado un pequeño flash con un snoot sobre el en un ángulo muy oblicuo desde la derecha de la cámara. El flash estaba a unos 60cm de la pared, oblicuamente y con un Honl shorty. Puse el lado plateado por dentro para suavizar la transición de la mancha de luz.

Cuanta luz le añades al fondo es una cuestión personal. Para mi, este fondo subexpuesto e iluminado parcialmente es mucho más interesante que la pared plana y clara de la que partíamos. El manchón de luz casual creado por el flash, le añade algo de interés y podemos orientarlo de modo que nos permita separar la zona en sombras de nuestro modelo si resulta necesario.

Con frecuencia utilizo este mismo proceso para construir mis fondos y que funcionen como una segunda capa en las fotos que les añade interés. Cuando te dediques a buscar un fondo en exteriores, ten en cuenta que siempre puedes oscurecerlo bajando tu tiempo de exposición. O añadirle algo de luz con un pequeño flash. O puedes hacer las dos cosas a la vez, como acabas de ver.

Aparece Manil Suri. He usado dos SB-800 cada uno con una LumiQuest SB-III, para la luz principal y la de relleno. La luz principal llevaba puesto un 1/8 CTO para caldearla un poquito y estaba a metro y medio a la izquierda del sujeto.

A esta distancia la luz no resulta ni suave ni dura, lo que genera un look que me gusta, excepto que tengo que controlar muy bien la profundidad de las sombras. Y esa profundidad se puede controlar muy fácilmente alterando la componente ambiental de la exposición.

Pero mi luz ambiental ya la estoy usando para controlar la región no iluminada de mi fondo. Así que necesito levantar las sombras de Suri con algo de luz de relleno. En este caso he decidido utilizar un relleno en el eje con un segundo SB-800 / Softbox-III, en este caso sin ningún gel cálido.

Podría haber puesto este flash sobre la cámara, aunque el SoftBox-III es un poco grande para eso y quería girar la cámara para un encuadre vertical. Así, que sencillamente puse el flash en un pié y disparé directamente desde debajo del flash. De ese modo, puedes incluso apoyar el borde inferior de la luz contra el objetivo para tener un relleno realmente en el eje.

Ese relleno tenía mejor aspecto entre 1.5 o 2 pasos por debajo, lo que mantenía el carácter de la iluminación dura sin perder el detalle de las sombras.

Esta foto salió de forma rápida y sencilla. Me gustaba tal y como había quedado, pero me apetecía añadir otra capa de complejidad, siempre y cuando pudiese hacerlo sin perder demasiado tiempo. Así que cogí uno de mis juguetes favoritos -- un objetivo Holga que tengo montado sobre una tapa de Nikon

Me encanta ese aspecto etéreo que producen las Holga cuando se une a luz esculpida. Los dos se equilibran el uno al otro como el limón y el azúcar en un vaso de limonada.

(Si sigues el enlace de la foto para verla en grade, verás mejor lo que ese objetivo está haciendo por esta foto)

Básicamente no consumes nada de tiempo cambiando el objetivo para obtener este otro look. Y la ironía de poner un trozo de plástico de $50 sobre una D3 de $5000 tampoco tiene precio (una relación 1:100 precio objetivo sobre precio cuerpo)

CORRECCIÓN: En este caso la Holga estaba usando una D300 -- solo 36 veces más cara que el objetivo...

Esta imagen (que es la que encabeza el artículo y he repetido aquí) es otro añadido rápido antes de que nos metiésemos en el interior para el segundo set. Simplemente cogí la luz clave y la dirigí desde arriba hacia unas escaleras exteriores para usarla como elemento gráfico.

El proceso es muy rápido: Exponer para el ambiente, bajarlo 1.5 o 2 pasos, añadir la luz principal algo caldeada (bastante cerca en este caso) y ajustar su potencia hasta que Suri reciba una buena exposición.

La escalera y el fondo se viñetean a ellos mismos a causa de la caída de intensidad tan rápida de una fuente próxima. No hay nada complicado en esta toma, pero las escaleras añaden un elemento gráfico que me proporciona un segundo aspecto antes de ir al interior.

Hasta el infinito y más allá

Suri es realmente un tipo interesante. No hay demasiada gente que tenga sus dos hemisferios cerebrales trabajando tan bien como lo hacen los suyos.

Si quieres ver si eres capaz de comprender realmente el infinito, pegale un vistazo a esta conferencia suya sobre el tema que ha subido a YouTube.

Si planeas intentar comprenderlo de verdad, te aconsejo dos o tres aspirinas preventivas como mínimo.

De cervezas con: Rembrandt

2008-12-15T11:52:00.002+01:00

Nota del editor:Con mis disculpas a todas las clases de historia del Arte jamas impartidas, este artículo es el primero de una serie de charlas de bar informales con los Viejos Maestros. Estos tipos fueron los primeros en iluminar seriamente sus obras, y siempre se merecen una segunda vista por parte de los que nos dormíamos en las clases de historia en el instituto.

El pintor holandés Rembrandt es un tipo duro de localizar. Nunca responde a mis llamadas telefónicas, no utiliza el email y se niega a utilizar un móvil. Hemos tenido la suerte de encontrárnoslo en un viaje reciente a Europa y fue tan amable de dedicarnos unos minutos de su apretada agenda para hablar sobre iluminación.

STROBIST (en italica): Ante todo, gracias por concedernos este tiempo para la entrevista. Los fotógrafos llevamos años estudiando su composición e iluminación y obtener algunas respuestas a nuestras preguntas es realmente fantástico.

REMBRANDR (en negrilla): No es necesario que me hagas la pelota -- He visto los hilos de Flickr. Evidentemente, David Hill debe haber sido su primera elección.

Bueno, realmente ya hemos hablado con él, como se pude leer aquí. Pero usted también esta haciendo algunos trabajos muy interesantes. Además, espero que tras leer este artículo, Vermeer tenga la bondad de responder a mis llamadas.

Lo dudo, pero puede intentarlo

Empecemos con su auto retrato. Uno de los muchos que tiene, de hecho, este lo hizo en 1659. ¿Que puede decirnos sobre él?

Siempre intento tener un autorretrato actualizado. Se sorprendería al saber cuanta gente no tiene un retrato decente de si mismo. Los hijos del zapatero van descalzos, como se suele decir

Hablando de números, usted trabaja muy duro. Algunos años, produce una nueva obra cada mes. ¿Como pude hacerlo?

O hago eso, o me paso el tiempo en los foros. Prefiero dedicar el tiempo a crear imágenes. En serio ¿cuanto tiempo de tu vida puedes dedicar a criticar el estado de la industria? es deprimente.

Ya había oído eso. Bueno, vamos a por el retrato -- una única fuente de luz, arriba y ligeramente a la derecha de la cámara. ¿Un beauty dish?

No, un reflector de 7" en un AlienBees AB800. Si se fija en la sombra debajo de mi nariz, puede ver que es más dura que con un beauty dish

Si, tiene razón ¿Y que nos puede decir sobre la luz de relleno?

Muy poca -- solo un pedazo grande de poliestireno a la izquierda. Aunque casi no se nota.

Bonito y sencillo. ¿Como consigue esa calidez?

Un cuarto de CTO. Me gusta calentar un poco la luz principal, aunque no mucho. Gran parte de lo que ve en mis trabajos es un giro de clave debido al envejecimiento. El que me vendió la inkjet dijo que daba calidad "archival". Y una mierda. Han empezado a amarillear tras solo 175 años. Chico, como añoro el Kodachrome.

Como todos. ¿Que hay del fondo?

Se va a reír cuando se lo cuente. Es papel pintado. Encargo uno nuevo para cada proyecto directamente desde su web. Cuarenta pavos. Corto tres o cuatro franjas anchas de 60 cm y hago coincidir los dibujos. Lo enrollo formando un tubo para que sea más sencillo llevármelo conmigo. Los pego a la pared con FunTack y borro con photoshop cualquier junta demasiado evidente. Lo guardo en un tubo de cartón y lo uso tantas veces como sea necesario.

¿No bromea? Nunca me lo habría imaginado. Ligero, portátil, barato -- me encanta

No es usted el único con trucos Hágalo Usted Mismo sacados del ghetto

Es cierto. Vamos a hablar de otra obra -- "La Demostración de Anatomía del Brazo del Doctor Nicolaes Tulp". Se me llena la boca con el título. ¿No podía encontrar un título más corto?

Piense en las búsquedas. Este me ha generado muy buenas ventas en las agencias de stock en los últimos 378 años. Aunque tengo la sospecha de que mi agencia me ha estado timando

¿Cual es su agencia?

Originalmente estaba con una pequeña tienda europea -- el típico negocio familiar. Buen contrato. Pero los compraron y entonces todo se fue al infierno

¿Quién los compró?

¿Quién lo compra todo?

Vale, dejémoslo. Vamos a hablar de la luz. ¿Que nos puede decir de ella?

Digamelo usted. ¿Que es lo que ve?

Hmmm... una fuente pequeña, pero suave. ¿Beauty dish? Un montón de watios por segundo para poder cerrar lo suficiente para enfocar toda la escena en profundidad. Muy alta a la derecha de la cámara, lo suficientemente alejada para iluminar uniformemente toda la escena

De momento va bien, siga, siga...

El relleno... déjeme ver... un pequeño flash detrás del segundo tipo contando desde la derecha?

No, tendría sombras secundarias. Esas son difíciles de explicar visualmente. Inténtelo de nuevo.

¿Luz reflejada por las gorgueras? ¿En serio?

Pues sí. Tienes un montón de luz de relleno cuando la superficie que usas como reflector es blanca y está tan cerca. También va bien para rellenar la frente del paciente. Siga, siga

¿El fondo iluminado por la luz principal?

Vale, ahora usted, simplemente no está pensando. La luz principal es muy potente -- el borde superior del arco debería estar iluminado

Si,tiene razón. Otra fuente de luz, algo suave muy bajo. ¿Una softbox en el suelo?

Si, un AB400 muy débil. La luz principal es un AB1600 con un beauty dish. Solo dos luces, con una sábana en el suelo, delante de la escena, justo fuera del encuadre, para tener algo de relleno. Añade algo más y empiezas a tener sombras inexplicables muy fácilmente. Luz motivada, luz motivada.

¿Y que hay de ese brazo abierto en canal -- Photoshop?

No, que va -- un tipo muerto. Se hace muy a menudo. ¿No has visto el trabajo de Joel Peter Witkin?

Por favor, acabo de comer

Lo siento. Este tipo es una pasada

Y usted que lo diga. ¿Podemos hablar de "La Guardia Nocturna"?

Por supuesto. A todo el mundo le gustan mis producciones cuando se trata de fotografías de grupo. Le diré una cosa -- me fastidia mucho cada vez que veo uno de sos trípticos desplegables de Hollywood de Annie Leibovitz en Vanity Fair. Homenaje, y una mierda. ¿Y Neal Slavin?. Por favor, no me pinche que me enciendo...

Usted es un Viejo Maestro. La gente rescata sus temas una y otra vez. Tienen una familiaridad clásica, que está más allá del tiempo. ¿Por qué cree usted que vamos a las escuelas de arte?. Porque queremos aprender a copiar a los mejores artistas.

Bien, vale. Pero algunos derechos de autor estarían bien. Quizás alguna mención de vez en cuando.

VAle, vale. Así que ¿cuales son sus influencias?

¿Para este tipo de trabajos?. Ultimamente me estoy fijando en Drew Gardner. ¿Ha visto su muerte del Almirante Nelson?. Una pasada!

Realmente. Me contó que ni si quiera pudo bajar el punto de vista para eliminar los edificios del fondo en la imagen final. Una pesadilla para el retocado. Este tipo es capaz de montar toda la escena. También tiene una "Luz Nelson" especial que metió en la escena.

A eso es a lo que me refiero. Tienes que contar una historia con ella, guiar al ojo con la composición y la luz.

Ok, vamos a hablar de la luz. Esa luz superior, no acabo de tenerla clara ¿más de una fuente?

No tan rápido. Empecemos con el relleno y construyamos desde ahí. Colgamos una sábana de matrimonio detrás de la cámara y le metimos dos AB800 detrás para obtener una luz suave, frontal e inmensa que no se hiciese notar.

Correcto. ¿Cuanto bajó la exposición en esta luz de relleno?

Unos tres EV. Al fin y al cabo era la "Guardia Nocturna"

Vale, ¿que hay de esa luz superior que aún no puedo identificar? ¿De donde viene? ¿Arriba a la izquierda de la cámara?

Si. Pero la cortamos con un cookie -- piense en un gobo con agujeros en él. Dejemos la luz pasar a través de él, pero formando parches. Obtiene luz direccional y puntos más brillantes.

De paso obtiene algo de luz en toda la imagen. Y puesto que los agujeros en el cookie quedan desenfocados, si quieres, tienes unas cuantas zonas más brillantes. Te lleva el ojo donde realmente quieres llevarlo. Simplemente un gran AB1600 colgando de las vigas. Esa fue nuestra luz principal

Así que el tipo de delante a la derecha -- ¿por que puedo ver tan bien por debajo del ala de su sombrero?

La luz de relleno es más intensa cuando estás mas cerca de la cámara. Es un pequeño gran truco

Por supuesto! Usted decide el alcance de la luz de relleno, al decidir lo cerca que la pone de la escena. Es todo el asunto de la distancia de la luz, incluso para la luz de relleno. Cuanto más cerca pones la escena, más rápidamente decae a medida que te alejas en la escena.

Ahora si que está usted pensando

Ha estado muy bien. Muchas gracias por atendernos -- las cervezas corren de nuestra cuenta

Por supuesto que corren de su cuenta. Nos vemos. Si por casualidad ve a Annie, dele recuerdos de mi parte.

Equilibrio Ambiente / Flash: Unas pocas palabras bastan

2008-11-10T12:54:00.001+01:00

A estas alturas, muchos de vosotros habéis leído en múltiples ocasiones la descripción detallada del proceso para lograr una luz ambiente equilibrada con los flashes. Y me gustaría poder avanzar un poco.

Hoy voy a intentar hacer dos cosas:

1. Encontrar un método para comunicar y/o entender rápidamente como se ha equilibrado una determinada foto.

2. Dejar de tener que repetir continuamente como he llegado a un determinado balance entre flashes y luz ambiental cuando las mezclo en alguna foto. Lo que ocurre prácticamente cada vez que hago una foto.

Primero debo hacer una confesión. Muchas veces cuando intento explicarle a alguien como he iluminado una foto, generalmente quieren saberlo todo sobre ella -- velocidad de disparo, ISO, apertura, potencia de los flashes, etc.

Y siendo honesto con todos vosotros -- la mayoría de las veces no tengo ni idea de cuales eran los valores empleados. No es que los halla olvidado. Es que no me preocupan en absoluto, y por eso ni me he fijado en ellos.

No bromeo, si le preguntas a cualquier fotoperiodista profesional "¿Cual es tu apertura favorita?", inmediatamente se darán cuenta de que eres uno de esos aficionados que se cuelan a nuestro lado en los partidos de fútbol. Nosotros no pensamos realmente en esos números.

La verdad sea dicha, nunca pienso en términos de valores absolutos de apertura o de velocidad de disparo. No son importantes. Es la relación entre los diferentes niveles de luz lo que realmente es importante.

Cojamos por ejemplo la foto de mi amigo Shadi, que aparece arriba. Fue hecha en una tarde calurosa, sin color, en Dubai. El proceso seguido para hacer esta foto fue el siguiente:

1. Encontrar el valor de exposición para la luz ambiente. (Eso es fácil - saca una imagen en automático, o en manual consigue que el fotómetro de la cámara marque "cero")

2. Ahora ya trabajando en manual, pon la cámara para subexponer dos pasos.

3. Pon el balance de blancos en tungsteno, con lo cual nos llevamos toda la escena, desde el gris oscuro a azul oscuro.

4. Ilumina a Shadi desde delante con un flash en el que has puesto un CTO (más otro 1/4 CTO para añadirle una tonalidad más cálida a la piel)

5. Añade otros dos flashes desnudos y sin filtros para crear las luces laterales de resalte (rim lights) expuestos unos 2 EV por debajo de la luz principal. Esta es la proporción de luz que llega a Shaid, teniendo en cuenta que los geles absorben luz, esos flashes laterales seguramente estarían disparando entre -3 EV y -3 1/2 EV.

Si estuviese hablando con otro profesional sobre esta foto, en lugar de contar todo esto, simplemente le hubiese dicho:

"Bajamos el ambiente en dos pasos, disparamos en tungsteno con un CTO en la luz principal (y un cuarto más) y dejamos los rim lights sin geles, unos dos pasos por debajo de la principal"

Esta frase me dice todo lo que necesito saber, porque empieza por una referencia no explícita y asumida por todos: La luz principal es la que determina la exposición correcta.

¿Cuales eran los valores exactos de apertura, velocidad y sensibilidad?. No los recuerdo, y no me preocupa. Simplemente no son tan importantes.

Lo que es importante es la relación entre la exposición del flash y la exposición del ambiente: alrededor de dos pasos (dos EV). Y solo para hacer las cosa más compleja, el echo de que desplazamos la clave de color usando el balance de blancos en tungsteno, filtramos la luz clave y dejamos sin filtrar las de borde.

Comprender este modo abreviado de pensar, incrusta en tu cabeza que es la relación entre las luces lo que importa -- no los valores absolutos.

Hay dos ratios de potencias a considerar: la relación entre la luz clave y el ambiente y la relación entre la luz clave y los flashes de relleno (o de fondo)

Dado que nuestro primer ejemplo es un poco complejo, vamos a revisar algunas de las fotos que ya se han visto en el blog, pensando y contando de manera abreviada el balance empleado.

"Ambiente de vapor de sodio. Fotografíado con balance en luz diurna, subexponiendo el túnel de viento en 1 2/3 EV, flash desnudo detrás de las palas de la turbina, sobreexpuesto alrededor de un paso"

Así, que esto nos dice que el punto de referencia para la exposición está realmente entre la exposición para el flash y la ambiente. Esta foto subexpone 1 2/3 EV el ambiente y la zona iluminada por el flash está sobreexpuesta 1 EV.

El ambiente es 1 2/3 pasos bajo -- con el color inadecuado para el balance puesto en la cámara -- y mi flash está sobreexpuesto. Esta foto debería apestar ¿no es así?

Sinceramente, si alguna zona de la foto estuviese "correctamente" expuesta, no sería tan interesante. La cosa a recordad es que elegí estos valores relativos de brillos, sin estar encadenado al fotómetro de la cámara o al valor "adecuado" medido por un flashimetro.

(Puedes leer más sobre esta imagen, incluido esos prescindibles valores de apertura y velocidad aquí)

________________

Vamos a intentarlo de nuevo

"Balance diurno en una sala con tungsteno. Expuesta para el flash debajo del bol naranja sobre la cara de Chris y bajando la sala en un paso y medio"

¿Cual es mi punto de referencia? La iluminación con flash de la cara de Chris. Puse el flash debajo del bol con poca potencia, disparé un par de imágenes hasta que conseguí la apertura correcta (más fácil de ajustar que la potencia del flash). Y entonces puse la velocidad de disparo necesaria para bajar la componente ambiental en un paso y medio.

Desde el punto de vista técnico, supongo que tendría que haber empleado el balance de blancos de luz incandescente, pero ¿por qué deshacerme de todos esos colores surrealistas?. Además ¿habéis visto el tono de piel natural de Chris Hurtt por la noche en el bar de un hotel de Dubai?

Pues eso.

Si piensas sobre el flash y el ambiente en términos de sus intensidades relativas (en lugar de pensar en valores absolutos), no solo hace más fácil el destripar las fotos que han hecho otros, sino que te facilita previsualizar las tuyas antes de hacerlas.

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Algunas veces, se trabaja tan lejos del ambiente que este no aparece en la imagen en absoluto. Necesitas transmitir esa información. Pero dado que estás muy por encima del ambiente, lo que no tiene importancia es si estás 5 EV o 12 EV:

"Matamos el ambiente; paraguas a la izquierda de la cámara, un gobo para controlar el reflejo en el armario; flash anular de relleno unos 2 pasos por debajo"

¿Cual fue el ISO? ¿La apertura? ¿La potencia del flash?

No me acuerdo, y no me importa. Porque todo lo que necesitas saber para reproducir este aspecto es lo que te he contado en la descripción anterior. Y si empiezas a pensar en tus fotos de este modo, te darás cuenta de que la iluminación es cada vez más sencilla.

(Puedes leer más sobre este encargo en este artículo)

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Ok, una más:

"Expuesta para los flashes en el helicóptero -- uno en la cabina delantera, dos en la trasera -- y bajado el ambiente en tres pasos"

Y no hay nada más. Eso te dice todo lo que necesitas saber sobre como está iluminada y expuesta esta imagen.

De nuevo los valores absolutos no importan, desde el punto de vista de analizar la imagen. Puedes usar los que quieras buscando una determinada profundidad de campo, o congelar las palas del rotor. Lo que quieras.

(Detalles sobre este encargo en este otro artículo)

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Así que ¿tiene sentido todo esto? Espero que sí, porque vas a verlo muy a menudo en este blog a partir de ahora.

No te preocupes, este blog no se va a transformar en entradas de solo tres frases desde ahora (eso quisierais) Aún hay un montón de cosas de las que hablar cuando se trata de crear la iluminación de una foto. Es simplemente, que no necesitamos reinventar la rueda una y otra vez.

En lugar de eso, te daré la información necesaria para que pienses por ti mismo y me remitiré a esta página para ayudar a los principiantes.

Ya se que la mayoría de la gente que lee este blog son aficionados. Pero como esto ya lo hemos hecho muchas veces, vamos a empezar a hablar y pensar como profesionales. Y si resulta que acabas de llegar y todo esto te suena a chino, aquí tienes algunos enlaces que te pueden servir de referencia para que explores todo este asunto del equilibrio de luces.

:: Lighting 101: Equilibrio de intensidades ::
(parte 1 de 2, principiantes)

:: Lighting 102: Equilibrando la luz | atardeceres ::
(parte 1 de 5, nivel intermedio)

Lighting 102: Unidad 7.2 - Discusión sobre Tiempo embotellado

2008-10-18T17:07:00.001+02:00

Pues aquí estamos, justo en el último encargo del Lighting 102. Esta serie nos ha llevado más de un año y ya es hora de echar el cerrojo.

Pero primero, vamos a pegarle un vistazo a vuestras fotos para el encargo de Tiempo Embotellado. Tal y como recuerdo, teníais que hacer una foto, haciendo uso del control temporal de la luz. Además de eso, estaba en juego un paquete de DVD, solo para hacerlo más interesante.

Empezamos con esta foto de un túnel de Noah Bennet. Fue iluminada durante una exposición larga, por alrededor de 270 disparos de flash, los cuales no solo salen en la imagen, sino que iluminan todo el túnel.

No tengo claro de como ha controlado el "flare" en esta toma, pero aparentemente ha descubierto como resolver este problema.

Esta es la imagen de Michael Foy de un poste para rascarse las uñas (los gatos, claro), que fue echa durante otra toma larga mediante montones de disparo del flash desde todas las direcciones.

El efecto final es muy similar al producido por un flash anular, aunque algo más sureal y sutil -- excepto por Molly, el gato fantasma, que aparentemente fue iluminado por uno de los destellos.

Este fubolín tan interesante fue fotografiado por thanmushroom, empleando un único 285HV con un snoot. Iluminó cada uno de los jugadores individualmente en una serie de exposiciones separadas que posteriormente combinó en Photoshop usando el modo aclarar de la composición de capas.

Seleccionar una imagen para los DVD no ha sido fácil. Sobre todo porque la primera foto que seleccioné como ganadora, resulta que se hizo una semana antes de la convocatoria (Grrrr.... tenía el artículo entero escrito ya!). Lo siento, pero no hay puntos extra por ser clarividente.

Y los DVDs van para...

No estoy completamente seguro de cual es el mensaje de Cesar T. Sánchez (también conocido como The Light Whisperer) estaba tratando de enviarnos con esta foto.

Quizás fuese "Si bebes, no conduzcas"

O quizás "Si vas a beber y a conducir, conduce un Ford"

Quien sabe. Pero ese efecto de variación de foco está muy bien. Cesar ha empleado la componente temporal para permitirse mover el foco, desde el modo macro de las llaves iluminadas por el flash, hasta la bebida, a metro y medio detrás para permitir que la luz natural las expusiese. Puedes ver todos los detalles de la toma, aquí.

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Además de Cesar, felicidades a todo el mundo que ha contribuido con todas esas magníficas imágenes a lo largo de todos los encargos del Lighting 102. Os habéis esforzado mucho y la verdad es que se nota. La serie entera del Lighting 102 está archivada con enlaces internos de capítulo en capítulo. Puedes verla toda de una vez empezando por aquí.

Esto pone el punto final al Lighting 102. Este es el último artículo de la serie, pero pronto aparecerá en el blog más material en el que podréis participar. Estad atentos a las novedades.

Preguntas y Respuestas, 26/09/2008

2008-10-18T16:35:00.001+02:00

Christine, desde Virgina (USA), pregunta:

"¿Es posible que un reflejo especular no salga quemado? Y si es así. ¿como lo mides y controlas su intensidad?"

Pues si Christine. Sigue leyendo para descubrir como controlar la intensidad de esos reflejos -- y para obtener una respuesta a tu segunda pregunta, que me gusta incluso más que la primera...

La pregunta de Chistine era en realidad más detallada y preguntaba por el proceso de usar una única luz como luz principal y como fondo mediante su reflejo especular.

La respuesta corta es sí, el reflejo especular puede ser del tono que elijas. Depende de dos cosas: La efectividad del fondo como reflector y la intensidad de la fuente de luz, pero vista desde el punto de vista de intensidad por centímetro cuadrado.

Cuanto más eficiente sea el fondo reflejando, más brillante será ese especular. Pero seguramente no tendrás demasiado control sobre esto, así que será mejor que aprendas a controlar su brillo manejando el tamaño de la fuente de luz.

Digamos que tienes dos luces, cada una iluminando tu sujeto a por ejemplo f/5.6 y una luz es dura y la otra está disparando a través de un paraguas traslúcido.

Ambas expondrán correctamente tu sijeto a f/5.6. Pero además de tener suavidades diferentes, también crearán reflejos especulares completamente diferentes, sea cual sea l superficie que produce ese reflejo -- ya sea tu sujeto o el fondo.

El reflejo especular de una luz dura, será pequeña y muy brillante -- y casi por seguro que estará quemado. Eso ocurre porque la luz es muy pequeña -- y por lo tanto muy intensa por centímetro cuadrado.

El reflejo especular de la luz grande, será grande y manejable. El tamaño de la fuente de luz es un factor determinante para la intensidad del reflejo especular. Y ese reflejo especular puede tener una gran variedad de tonos dependiendo de la distancia que tenga al sujeto y al fondo.

Esto se debe a que aunque ambas fuentes están emitiendo la misma cantidad total de luz, son completamente diferentes si nos fijamos en la luz emitida por cada centímetro cuadrado de la misma. Y puesto que un reflejo especular es básicamente la imagen formada por la superficie reflectante de la propia fuente de luz, la intensidad de cada uno de esos centímetros cuadrados es el principal factor a la hora de determinar lo brillante que es ese reflejo.

Y en cuanto a como medir estos reflejos, puedes usar un flashimetro en modo reflectivo para comprobar lo brillante que es ese reflejo. O simplemente, aumentar el zoom del objetivo de modo que tomes una imagen solo del reflejo y haces una foto. La imagen y el histograma en la cámara te darán toda la información que necesitas. El máximo del histograma te dirá donde quedará el tono de tu reflejo comparado con el gris neutro.

Ahora Christine está pensando:

Ella nos describe un segundo setup:

"Posible escenario 2: El reflejo especular está creado por una luz colocada específicamente pare crearlo -- por ejemplo, una luz de borde en la cara de alguien, o una luz de fondo contra una pared brillante -- de modo que cambiar su posición o intensidad no afecta a la exposición de la imagen"

Por supuesto que se puede trabajar así, pero yo lo haría de un modo ligeramente diferente. ¿Por que no colocar la luz de modo que puedas emplearla para generar el reflejo especular y de paso darle un doble uso?

Y eso es exactamente lo que hice en la foto que tenemos a la izquierda. Esta es de una sesión reciente para una empresa de software. Mi asistente, Patrick Smith y yo estábamos trabajando bastante rápido en la sala de conferencias de un hotel para hacer ocho retratos para publicar a página completa. Y solo en dos horas.

Mi luz principal viene de la izquierda de la cámara, unos centímetros fuera de la imagen y bastante cerca del modelo. Lleva un 1/4 CTO para calentarla y está iluminando su cara con luz suave a través de un paraguas traslúcido.

El segundo flash también dispara a través de un paraguas, pero ese flash está justo detrás de mi y ligeramente elevado.

Este es básicamente un "compre uno y llévese otro gratis" flash, y no solo está en el ángulo adecuado para generar un reflejo especular suave sobre la madera oscura del fondo, sino que además sirve como luz de relleno suave en el eje para mi sujeto.

Como comenté en el artículo sobre el SB-III, el relleno con luz en el eje óptico es algo que cada vez estoy utilizando más y más, de varias formas diferentes. Pronto me oiréis contar más cosas al respecto.

Preguntas y Respuestas, 19/09/2008

2008-09-29T13:28:00.001+02:00

Hojeando las preguntas que habéis enviado, al menos una docena de personas han preguntado por el procedimiento de disparar los flashes en manual sin utilizar un flashímetro. Así que hoy vamos a dedicarle tiempo en profundidad a esta pregunta.

Como un montón de profesionales, he pasado de usar un fotómetro de luz incidente, a mirar y trastear con la TFT de la cámara.

La versión condensada se reduce a pasar de trabajar con números a trabajar con sensaciones. Bueno, más o menos.

La gente que trabaja en estudio -- o los fotógrafos que quieren obtener un esquema de iluminación preciso y repetible -- suelen sentirse reconfortados por el valor exacto de apertura representado numéricamente en la pantalla del exposímetro. Medido hasta la décima de EV te ofrece precisión y consistencia.

Y la verdad sea dicha, si tuviese que montar 27 fotografías de catálogo al día, probablemente dejaría que fuese el fotómetro quien condujese. Es un tipo de fotografía diferente y el fotómetro, está realmente preparado para este tipo de trabajo repetitivo o de estudio.

Pero como alguien que suele ser más un fotógrafo en localización, mi primera idea es saber que voy a hacer con el ambiente. Así que la exposición que me da la luz ambiente, suele ser un mejor punto de partida que esos números mágicos revelados por el fotómetro después de dispara el flash.

No me acuerdo de la última foto en la que no tuve en cuenta la luz ambiente. Incluso aunque la anule completamente, necesito saber a que nivel está antes de poder exponer mi foto a salvo de cualquier contaminación.

Así que generalmente empiezo por una toma en prioridad de apertura, con el valor de f/ que considero sería bueno tener en la toma final y con el balance de blancos de la cámara puesto en diurno. Esta imagen inicial me da dos cosas: Una referencia para la exposición del ambiente y la referencia de la temperatura de color del ambiente. Por ejemplo, los fluorescentes saldrán verdes con este balance de blancos. Me gusta saber exactamente con que tipo de ambiente me tengo que enfrentar.

Una vez hecho esto, me pongo a jugar con la cámara en manual y veo hasta que nivel quiero bajar la componente ambiental antes de añadir mi flash.

El siguiente paso es moverme a una velocidad más alta de obturador y ver que le hace eso a mi foto. Es como en las fotos de Nick Turpin que mostré la semana pasada -- el ambiente no está ahí para quedar correctamente expuesto, sino para servir de base para mi composición final iluminada con flashes. Cuanto más bajo la componente ambiental (antes de añadir un flash) mayor rango tonal y profundidad tendrá la foto final, una vez la ilumine.

Así que a medida que bajo la exposición ambiental y jugueteo con la cámara, me fijo tanto en la imagen como en el histograma. El histograma me dice si estoy mandando alguna zona de la imagen al negro absoluto.

Puedo querer hacerlo, o no -- pero el histograma siempre me dice cuando está ocurriendo, mostrando una columna vertical a la izquierda del mismo. En la foto anterior, el histograma me dice que el helicóptero va a quedar de un negro uniforme y eso era justo lo que quería. Estoy más preocupado en mantener el cielo en la mitad inferior del rango tonal, que en donde quede el helicóptero.

La parte derecha del histograma me dice donde quedan las altas luces. Y esa combinación me da el rango tonal de la foto.

Pero al mismo tiempo que miro el histograma, me fijo en la foto. Me fijo en el ambiente que estoy creando para la foto final. En algunos casos, pongo el balance de blancos en incandescente, por ejemplo, solo por ver, que aspecto presenta la imagen con un giro de la clave de color. Experimento. Estoy creando el ambiente dentro del cual iluminaré mi imagen.

Una vez tengo el ambiente domado y llevado al punto que quiero, añado la luz. De nuevo a juguetear con la cámara y puedo ver que tal queda mi sujeto con el ambiente que le he preparado antes. ¿Se quema alguna zona cuando añado el flash? El histograma me lo dice -- y podré bajar la potencia del flash o alejarlo del sujeto (O cerrar algo más la apertura y abrir proporcionalmente la velocidad para compensar el ambiente)

En la foto del helicóptero, había ajustado previamente los flashes para que quedasen bien a la apertura prefijada antes de que despegase el helicóptero. Así que todos mis ajustes tenían que hacerse con la velocidad de disparo y comprobando la imagen en la TFT (Puedes leer más detalles sobre esta sesión aquí)

Seguimos con el proceso. Si mis altas luces están correctas, prácticamente ya he terminado con el histograma. De hecho, en la foto anterior, la zona iluminada es tan pequeña, que ni si quiera sale en el histograma, así que tengo que juzgarla mirando solo la imagen.

Habiendo escogido el nivel de luz ambiente, todo lo que me queda es la imagen en la pantalla. Ahora solo tengo que ver que tal quedan los rangos tonales relativos entre la parte iluminada por mi y el ambiente.

Los fotómetros son todo en cuanto a números y precisión. Trabajar con la pantalla de la cámara y el histograma se basa en las sensaciones que produce la imagen y en los rangos tonales relativos. Y construir la imagen siguiendo los pasos detallados antes, es un modo rápido y sencillo de obtener un equilibrio de exposiciones que deseas, sin tener que estar disparando flashes continuamente mientras usas el fotómetro Minolta. Solo tienes que prestar atención para tener el histograma dentro de un rango normal. A menos que decidas que deseas dejarlo caer por uno de los bordes para generar algún efecto.

Si tienes algún tipo de receta rígida que seguir, el flashimetro tiene todo el sentido. Pero a mi me divierte mucho más y le saco más creatividad a ir "salpimentando al gusto". Y en la practica, esto me ha transformado de paso en un fotógrafo mucho más fluido.

En lugar de casarme con f/stops y ratios, dedico mi tiempo a pensar en la sensaciones que transmite el fondo con el nivel de exposición elegido y en como voy a perfilar y colorear las luces que añado para construir mi foto final.

Preguntas y Respuestas, 12/09/2008

2008-09-29T12:53:00.001+02:00

La preguntas de estas semana son sobre geles.

James, quien podría habernos dicho donde vive, pero entonces tendría que habernos matado, nos pregunta:

"Si tienes un flash, digamos un CTO completo, ¿altera la potencia del flash su color? (Me gustaría saber si se produce el mismo efecto que con las bombillas, que cambian de color dramáticamente al bajarles la intensidad)"

James, el color del flash con el gel permanece consistente. Lo único que se varía cuando cambias la potencia del flash es la cantidad de energía que se descarga a través del tubo. El tubo dispara prácticamente siempre, con exactamente el mismo color.

Para quienes no han descubierto aún, el desplazamiento de color con las luces incandescentes, tened en cuenta una cosa: si estás intentando equilibrar un ambiente de luces incandescentes con un CTO en el flash, aseguraos que las bombillas están a plena potencia. El CTO solo equilibra el color en ese punto.

Pero si quieres un rojo ambiental profundo (para simular por ejemplo, una habitación iluminada por las velas) baja la intensidad de las bombillas tanto como puedas. Ya verás que colores más interesantes. Incluso se pueden apreciar a simple vista a medida que baja la intensidad

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Cherly, desde Toronto en Canadá nos hace una pregunta relacionada con esta:

"¿Cuanta luz absorbe el CTO? Me gustaría saber cuanto tengo que subir la potencia del flash para compensar cuando lo uso"

Una pregunta excelente, Cherly, y si te aprendes unos cuantos números, te serán de mucha ayuda en el futuro.

Un gel CTO completo te cuesta 1.1EV. A todos los efectos prácticos, puedes considerar que un CTO equivale a 1EV de pérdida de luz.

Lo que quiere decir que si el flash a 1/4 de potencia te está dando la exposición adecuada a una determinada distancia, si colocas un CTO sobre él, tendrás que subir la potencia a 1/2. Los CTO parciales siguen la misma tendencia: un 1/2 CTO te cuesta 1/2EV, 1/4 CTO cuesta 1/4EV, etc. etc.

Los CTB son algo menso eficientes y bastante no lineales: CTB equivale a -1.5EV, 1/2 CTB se lleva 1EV. Y el gel verde fluorescente se te llevará 1/2 EV.

Para la mayoría de los casos, si recuerdas que la intensidad del CTO equivale a la perdida que produce en EV y que el verde es 1/2EV, el ajuste de las potencias de flashes con geles será mucho más intuitivo. Familiarizarte con estos números te ahorrará, algún que otro ensayo durante las sesiones.

En las páginas de referencia de los fabricantes encontrarás todos los detalles sobre estos valores. Por ejemplo, los números para RoscoSun están aquí.

Si aún no eres capaz de distinguir un CTO de un CTB, puedes encontrar más información en las correspondientes secciones sobre geles del L101 y L102.

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Tim B., quien aparentemente tampoco tiene residencia fija nos pregunta:

"A propósito de rebotar el flash en el techo - Lo hice en una boda hace poco y los resultados fueron buenos. Aunque el techo era algo amarillento. Me pregunto si hay algún modo de poner un balance de blancos específico en la cámara para corregir esto. ¿Debería de haberlo hecho?"

Esto depende de un par de cosas, Tim. Primero, ¿cuanto contribuía la luz ambiental a la foto? Si estabas anulando el ambiente rebotando varios flashes potentes contra el techo, puedes tranquilamente desplazar toda la escena fácilmente en el procesado para compensar. Por supuesto, estoy asumiendo que el color del techo está razonablemente cerca del neutro. Si es amarillo canario, no tiene solución.

Si estás disparando en RAW (que para una boda debería ser obligatorio) haz una foto de la luz rebotada iluminando una carta de grises, una hoja de papel blanco, el vestido de la novia o cualquier otra cosa que quieras ver blanca o neutra. Corrige esa imagen en tu procesador de RAW y usa esa calibración para el resto de la sesión.

Pero si lo que estás haciendo es combinar la luz ambiente con el flash (lo que puedes lograr fácilmente, modificando la velocidad de disparo) entonces amigo mío, tienes un problema. Porque cuando desplaces el balance de blancos en el postprocesado para compensar la luz del flash, la componente ambiental de la toma también se desplazará.

El mejor consejo que te puedo ofrecer es: lleva una muestra completa del catálogo de Rosco en la bolsa de los flashes. Elige el color que complemente al color del techo. Por ejemplo, si el techo es ligeramente amarillo, deberías colorear ligeramente de azul el flash. Quizás 1/8 de CTB sea suficiente. De ese modo tus flashes ayudan a compensar un poco el color del techo y no tendrás que corregir tanto en el postprocesado.

Esto no es una ciencia exacta. Pon el balance de blancos de la cámara en diurno y haz una prueba rápida con el flash y el gel a ver si realmente te están ayudando.

Preguntas y Respuestas, 05/09/2008

2008-09-12T12:51:00.002+02:00

Hace tres semanas, David Hobby propuso en su blog que puesto que el Ligthing 102, había terminado, un buen modo de seguir aprendiendo es que la gente le mandase preguntas y el las iría seleccionando y respondiendo. Se le han ido amontonando, como el dice, un camión de preguntas así que poco a poco va a ir respondiendo algunas.

Esta semana, vamos a visitar el balance de blancos, la iluminación de grupos de una forma más uniforme y como regular la potencia de un flash sin ese control.

Balance de Blancos

David, desde Denver, CO (USA) pregunta:

"¿Que balance de blancos utilizas por por defecto?"

David, eso depende de como voy a iluminar mi foto. La inmensa mayoría de mis fotos están tiradas con el balance de blancos puesto en diurno. Nunca utilizo el balance de blancos "flash" y aquí viene la explicación.

Ese balance de color está diseñado para hacer un poco más cálida la imagen, para compensar el hecho de que los flashes son un poco más azules que la luz del sol. Pero para mi, este ajuste es demasiado basto -- ¿por que hacer más cálida toda la escena, solo porque el flash es un poco demasiado azul?

La situación más obvia es cuando estás utilizando el flash para fotografiar a alguien en un exterior soleado. Si configuras el balance de blancos en "flash", puede que corrijas el color del flash, pero al mismo tiempo le robaras algo de azul al cielo. Y eso no es bueno.

Es mucho mejor trabajar con el balance de blancos el luz solar y corregir el problema del flash, en él mismo con un gel ligeramente cálido. De ese modo, tu luz puede parecer neutral -- o incluso más cálida que neutra. Me gusta usar un gel de 1/4 de CTO en cualquier flash que sea mi luz principal. Es justo un poco por encima del neutro, lo que hace mejorar el aspecto de la piel en la mayoría de las personas.

Por supuesto hay veces en las que intento equilibrar luces de tungsteno o fluorescentes. En ese caso, el balance de blancos es incandescente o fluorescente y o bien pongo un CTO o un gel verde en el flash para hacer coincidir los colores. (Aquí encontraras más detalles)

Por supuesto también puedes usar el balance de blancos de la cámara en tungsteno cuando haces fotos con luz diurna para producir un desplazamiento de clave de color (por ejemplo aquí o aquí) pero creo que te estabas refiriendo a elegir entre balance de blancos de luz diurna o de flash ¿no?.

Iluminar un grupo uniformemente

Rebecca, desde Australia, pregunta:

"¿Como modificas tus técnicas de iluminación cuando quieres fotografiar un grupo de gente, una familia por ejemplo? ¿Como consigues una exposición uniforme a lo largo del grupo?"

Rebecca, hay varios trucos que se pueden usar en esta situación y todos se reducen a manejar la distancia y/o la dirección.

Como hemos aprendido en la unidad 1.2 del Lighting 102, alejar el flash puede hacer que se mantenga más uniforme a lo largo de un sujeto muy grande, como en la imagen de jugador de baloncesto, donde toda la pared del gimnasio está iluminada bastante uniformemente utilizando un único flash, gracias a que estaba bastante lejos de la pared.

Así que la distancia ayuda, pero te cuesta algunos pasos de apertura a medida que alejas el flash. Un buen modo de comprar distancia, es rebotar los flashes contra el techo si estás trabajando en interiores. No siempre es posible (techos muy altos, colores extraños, etc) pero cuando puedes, funciona muy bien.

Me gusta alejarlo un poco de mis sujetos, quizás tan lejos como la cámara, a unos 45º y dispararlo directamente contra el techo. El lugar donde la luz incide en el techo, se transforma en tu nueva fuente de luz. Es una gran marca de luz, no muy diferente a un paraguas -- pero mucho más lejos gracias a la altura (aquí puedes leer más sobre como hice la foto de la izquierda, donde la luz frontal es un único flash)

No intentes hacer carambolas con tu luz en el techo -- piensa únicamente en poner la luz donde la quieres poner. La mancha de luz en el techo será tu nueva fuente y no hace flata que te preocupes en apuntar hacia el grupo.

Tommi, desde Finlandia, también pregunto sobre este asunto. A mi me gusta disparar el flash directamente hacia arriba, justo desde debajo de donde quiero que esté mi fuente de luz. Si inclino el flash y disparo en ángulo, parte de la luz llegará directamente al sujeto -- no queda nada bien.

Así que alejarse o rebotar en el techo son dos opciones. Las dos te hacen perder potencia -- seguramente tendrás que trabajar a 1/2 o 1/1 para obtener una apertura medio decente. Así que prepárate a esperar al flash mientras se recarga.

La tercera técnica consiste en acariciar a los modelos con la luz (si no la estás rebotando en el techo), apuntando el flash a las personas más alejadas del mismo. Así que si tienes el flash a la izquierda de un grupo de cinco personas, deberías apuntar el flash a la ultima persona de la derecha, en lugar de a la del centro. Quizás incluso debas apuntar más allá de la persona de la derecha.

De este modo, estás cambiando ángulo por distancia. La persona que está en el lazo izquierdo del grupo es la que está mas cercana al flash (y por lo tanto recibiría más intensidad) pero el flash está apuntado de modo que no lo ilumina directamente. Así que la luz no le llega de modo eficiente. Así que no es tan brillante como debería ser.

Si pruebas esta técnica un par de veces y haces algunas fotos de prueba, verás lo sencilla que es. Cuanto más cerca está el flash del grupo, más vas a tener que desviar el haz de las personas más cercanas para poder iluminarlas uniformemente. Realmente funciona.

Otro truco; coloca la gente vestida con colores oscuros (o con la piel más oscura) en el lado más próximo al flash. Tramposo, lo sé, pero funciona.

Todo o nada

Phillip, desde Harrisburg, PA (USA) escribe:

"Estás fotografiando una modelo al atardecer. Solo tienes un flash, que además solo dispara al 100% de potencia. Puede disparar fuera de la cámara, pero siempre a plena potencia. ¿Que puedes hacer en esta situación.

Estos consejos pueden ayudar a algunos principiantes a los que les han regalado equipo obsoleto. Mi primer flash, fue un SB50DX que con mi cámara solo funcionaba al 100% de potencia!"

Phillip, este es uno de esos casos en los que sacarle el 100% a tu equipo no es necesariamente algo bueno. Esa capacidad de controlar de forma manual la potencia, es la característica principal cuando estás buscando un flash. Pero gratis, es mucho mejor que perfecto, y no me gustaría que nadie desaprovechase la oportunidad de tener un flash gratis solo por esto.

Hay varias cosas que puedes hacer para intentar resolver el problema. Pero ten en cuenta que son parches, no soluciones -- seguirás desperdiciando un montón de energía cada vez que el flash dispare. Así que ya puedes ir preparando 6 o 7 segundos de conversación para entretener a la modelo entre disparos mientras esperas a que el flash se recargue de nuevo.

Los primeros dos trucos son muy parecidos a los que le acabo de ofrecer a Rebecca. Primero, aleja el flash para reducir la potencia. Aléjalo un 40% más (por ejemplo de 5 a 7 metros) para perder un EV. Añade otro 40% y perderás otro EV, etc.

Pero a medida que alejas la luz se verá más pequeña -- y por lo tanto dura -- desde el punto de vista de la modelo. Así que tendrás que preparar otra pequeña charla sobre lo buena que es su piel y lo bien que soporta una luz tan dura. No te preocupes -- tienes mucho tiempo para hablar mientras el flash sigue recargándose.

Otra idea más apropiada que tiene que ver con la uniformidad de la luz. Acaricia a tu modelo con la luz, apuntando hacia arriba. Inclina el paraguas hacia el cielo y desperdicia así parte de la potencia generada por el flash. Además tendrás un bonito gradiente a lo largo del cuerpo de tu modelo. Otro buen tema para conversar con ella mientras el flash sigue chillando y tu esperas a que acabe de recargarse.

Una tercera cosa que puedes hacer es bajar la potencia de la luz en la modelo intercalando algunos geles neutros. En los juegos de muestra de Rosco se encuentran varias densidades. También puedes comprar una hoja completa de 20"x24" de gel de densidad neutra de 1-ND por menos de $10. Lo recortas en tiras y lo apilas a voluntad.

Mejor aún, compra una hoja de 1/2-ND y así puedes controlar con más finura la intensidad del flash. Piensa que esos filtros van a recibir mucho calor, así que mejor que dejes un espacio entre los geles y el flash para evitar que los queme.

Otra posibilidad es poner una hoja de papel delante del flash para absorber parte de la luz antes de que llegue al paraguas. Pones dos trozos de cinta adhesiva arriba y abajo y dejas que el papel forme una "U" grande por delante.

Otro truco más: la próxima vez que pidas comida al restaurante chino, guárdate el bote de plástico. No solo es un buen sustituto para esos carísimos difusores de los que no quiero dar el nombre, sino que además te quitaran uno o dos EV del flash. Simplemente corta una "X" en la tapa para poder encajar a presión la cabeza del flash.

Una ventaja adicional, es que la luz que llegue a tu paraguas será mucho más uniforme de este modo, así que la modelo tendrá mejor aspecto. Ya tienes otro tema más de conversación durante esas largas esperas entre recargas.

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Y estas han sido las preguntas y respuestas de esta primera semana. Estoy sorprendido por la gran selección de preguntas que aún tengo por responder, y espero responder a todas las que el tiempo me permita.

Si tienes alguna pregunta, simplemente puedes hacerla en cualquiera de los hilos de P&R en el blog inglés. David moderará las respuestas, guardándose las preguntas que se hagan para próximas entregas de esta sección.

Oportunidades y limitaciones

2008-09-04T10:27:00.001+02:00

Recientemente David Hobby ha subido a su cuenta de Flickr esta foto de un tal Stephen posando delante de un barco que en breve dejará de estar en servicio.

Como siempre que lo hace, un montón de gente publica sus opiniones. En este caso el segundo comentario desata una polémica. El comentario es:

¿No está Stephen expuesto demasiado brillante, o el fondo demasiado oscuro? Creo que la imagen parece un poco artificial.

A partir de aquí los comentarios, como suele ocurrir en estas situaciones se dividen en los que defienden la imagen y los que dicen que no les gusta. Vamos, lo habitual en los foros.

Lo que resulta interesante en este caso es que el propio David responde dos veces en el hilo, con dos mensajes que creo que reflejan muy bien su filosofía de la iluminación y de la "construcción" de imágenes en general.

El primero de ellos, bastante cerca del comentario original es una respuesta directa, sin demasiada filosofía detrás:

Realmente probamos a mover el brillo del fondo algo durante la sesión (variando la velocidad de disparo). Lo podíamos haber puesto donde quisiéramos, y decidimos dejarlo donde está. Por si os interesa, el fondo está subexpuesto -1.5 EV

Aquí básicamente está repitiendo el mantra que ha repetido hasta la saciedad en todo el L102: Cuando trabajamos añadiendo flash a una escena, no existe lo que llamamos "exposición correcta", el punto de equilibrio entre la iluminación con flash y la luz ambiente es una decisión creativa más a nuestra disposición.

Después de esto, siguen las adhesiones o rechazo a la imagen y la elección del equilibrio de luces hasta que finalmente David decide dar otra respuesta. Esta vez, creo que el mensaje encierra mucho contenido interesante. Tanto que al leerlo me he decidido a escribir este mini artículo. Veamos lo que cuenta:

No me importa en absoluto. Entiendo que otros hubiesen elejido otra distribución de tonos para el sujeto/fondo y eso es fantástico

Para vuestra información: bajamos la intensidad del fondo para tener control sobre la componente ambiental de la iluminación de Stephen. No teníamos ninguna sombra con la que trabajar y esta foto está hecha, justo al medio día -- con el Sol iluminando a Stephen desde la derecha, frente a él y casi sobre la cabeza

Para tomar el control de la luminosidad relativa de los diferentes planos, o bien oscureces completamente al sujeto (es decir, lo pones en una sombra) o bien reduces el brillo del fondo bajando la exposición global. Yo suelo hacer esto último por defecto.

Una tercera opción hubiese sido poner a la sombra al sujeto y haber bajado el tono del fondo, antes de volver a construir al sujeto añadiendo luz. Pero puesto que no tenía ninguna sombra disponible, tampoco pude emplear esta opción.

Para complicar un poco las cosas, además del mal (e imposible de modificar) ángulo del Sol, Stephen lleva una gorra y gafas (gracias, colega...). Eso limitaba aún más los posibles ángulos de iluminación.

Cada esquema de iluminación es la respuesta a las oportunidades y limitaciones definidas por el sujeto, el entorno en que haces la foto y el equipo disponible en ese momento.

Todos estos parámetros definen las opciones que tienes a tu disposición. Es tu labor elegir las que vas a emplear.

De esta respuesta, me parece interesante como piensa David respecto a la iluminación. No lleva una idea preconcebida de como va a iluminar. Es el sujeto y la escena las que le sugieren el mejor modo de iluminar para construir una imagen con los medios de los que dispone.

Una vez finalizada la parte puramente teórica del Lighting 102, es momento de proponerse cambiar el modo de pensar respecto a la iluminación. Y eso, solo podemos hacerlo cada uno de nosotros. Sin ayuda, aunque siguiendo las pistas que van dejando los maestros en este arte.

La imagen que abre el artículo enlaza directamente con la página de Flickr donde podéis leer toda la discusión.

Lighting 102: Unidad 7.2 - Tiempo Embotellado

2008-09-03T18:06:00.001+02:00

Antes de que nos metamos en el encargo para esta última unidad del Lighting 102, tengo otra técnica más que me gustaría que tuvieseis en cuenta, cuando estéis considerando el tiempo como variable en tus fotos con flash. Es muy útil, porque actúa como multiplicador para todos los que no tenéis tantos flashes como os gustaría.

Dado que el flash puede iluminar cualquier sujeto en un instante -- incluso aunque la exposición dure mucho tiempo -- hay varias técnicas para estirar un flash y transformarlo en varias fuentes cuando se está fotografiando un objeto estático.

Seguramente recordarás la foto de Jonathan Boek del mes de Julio, en la cual se dedico a correr entre los árboles durante una exposición muy larga, disparando el su flash con un gel verde desde detrás de varios árboles. Es una gran idea y muestra claramente, como puedes hacer que un único flash se comporte como una bolsa entera llena de luces.

Pero necesitas un entorno muy oscuro y un tiempo de pose muy largo para que te de tiempo a moverte a cada sitio y disparar el flash. Y si cometes un fallo, la imagen está perdida.

Otro modo de aproximarse a esta técnica es usar la exposición múltiple de tu cámara, si la tienes disponible. Algunas la tienen, otras no. Si tu cámara es capaz de hacer múltiples exposiciones, eso te da un grado de flexibilidad más y la posibilidad de tomarte un tiempo entre cada destello del flash.

Si no tienes tres PowerWizards (uno para dispararlo todo, otro para disparar la cámara en modo repetidor y otro en el flash), necesitaras convencer a un amigo para que vaya pulsando el disparador de la cámara cada vez. Evidentemente, la cámara debe estar en un trípode.

En aquel momento, creamos un tag en Flickr para identificar todas las fotos de quien quisiese probar esta técnica. Puedes ver los resultados aquí.

Para mi versión de la foto del bosque nocturno de Jonathan, elegí la ruta de las exposiciones múltiples, porque así podía controlar mejor la luz ambiental. Cuando hice esta foto, aún había mucha luz del atardecer, pero como cada una de las exposiciones está disparada a 1/250 de segundo, el ambiente está perfectamente controlado.

Incluso hubiese podido poner de fondo una foto hecha con solo luz ambiente, con digamos una subexposición de 3 EV para darle cuerpo a las sombras. Pero me gustaba más así, en negro.

Intenté la técnica de las exposiciones múltiples directamente hasta diez veces y nunca conseguí el resultado deseado. Así que decidí hacer trampa. Utilizo este termino libremente, puesto que no hay "normas" sobre como hacer este tipo de fotos.

Desde mi punto de vista, cualquier herramienta que tengas a tu disposición es jugar limpio. Así que decidí hacer esta exposición múltiple en imágenes separadas que luego he combinado en Photoshop. Hice cada foto por separado, iluminando un árbol diferente. Luego las puse como capas en Photoshop y las combiné utilizando el modo de composición "Aclarar" (lighthen). De esta manera, se comparan las dos capas, pixel a pixel y se elige el pixel más brillante.

Lo que quiere decir que funciona básicamente como una exposición múltiple -- excepto que puedes ajustar cada una de las capas / disparo de flash antes de sumarla a la imagen final. Puedes cambiar el color, la exposición, etc. Es un truco fantástico para fotografiar grandes escenas con un único flash. Yo por ejemplo, empleé el único SB-900 que me dejaron para esta foto. (Se transformo en una calabaza la semana pasada y tuve que enviarlo de vuelta a Nikon).

Muchas gracias al maestro de Photoshop Ben Willmore por indicarme el método de aclarado para la superposición de las capas.

El mejor modo en que puedo explicar la ventaja de poder construir esta exposición, controlando completamente la luz ambiente, es diciendo que esta foto está hecha casi una hora después de la exposición múltiple. A mi me parece que el nivel de control sobre el ambiente que se consigue es bastante elevado, sobre todo considerando que lo estás haciendo con un único flash.

El aspecto tan suave de esta foto, es porque utilicé una lente Holga de plástico (aquí hay más detalles) en la D3. No deja de ser irónico: una lente de 50$ en la D3. Pero me encanta el aspecto de las imágenes cuando lo combino con un flash desnudo.

Y eso es exactamente lo que hice en esta imagen. La cámara en el trípode, ambiente subexpuesto uno o dos EV y exposición de 30 segundos. Simplemente disparé la cámara y me fui al lado derecho del árbol (fuera de la imagen, claro) y disparé el flash manualmente.

La elección de la velocidad de disparo en la exposición múltiple, transformó el día en noche y la velocidad de disparo tan corta en esta segunda imagen, transformó la noche en día. Comprendiendo como se combina la luz ambiente con los flashes te permite hacer cosa así de chulas.

Hablando de hacer cosas chulas

Ha llegado vuestro turno. Ya tienes en tu poder todo lo que os quería contar sobre manipulación del tiempo en las fotografías con flash. Así que para nuestro último encargo del L102, tu trabajo es fotografiar un objeto estático. La imagen debe contener una combinación de flash y algún tipo de manipulación temporal.

Ya lo sé, esto es muy ambiguo. He querido dejarlo asó de abierto porque creo que así será mucho más interesante.

Cuando termine el encargo, elegiré una imagen y el ganador recibirá los DVD del Lighting Seminar, enviados a cualquier lugar del mundo donde resida. Espero que este pequeño obsequio añada más diversión a este último encargo.

Los detalles

La fecha límite es el 20 de Septiembre a media noche, hora local. Por favor, asegúrate de que tu foto está en Flickr y correctamente etiquetada antes de ese momento. Si eres nuevo en Flickr, apúntate ahora mismo (es rápido y gratis) y sube algunas fotos ya, así iras consumiendo la semana de espera que aplican antes de dejar que tus fotos con etiquetas aparezcan en las búsquedas.

Las etiquetas son:

Strobist
Lighting102 (atención: sin espacios)
Assignment
TimeInABottle (atención: sin espacios)

Y para la que consideres tu mejor foto, añade:

Final

Puedes ver todas las que ya ha subido la gente aquí. Las ediciones finales están aquí. Como siempre hablaremos del tema tanto en inglés, como en español.

El jurado estará compuesto por una única persona (David Hobby). La elección se hará basándome en la técnica, la creatividad, cuanto me gustaría haber hecho esa foto a mi, mi disponibilidad general de tiempo, lo que he tomado para desayunar esa mañana, etc.

POR FAVOR: No presentes fotos que ya tienes para ganar los DVD. Me gustaría premiar a la mejor foto hecha específicamente para este encargo. Voy a confiar en vosotros y en vuestra palabra, aunque deberías asegurarte de que los datos EXIF te respaldan...

Mucha suerte a todos, y estoy deseoso de ver lo que sois capaces de hacer.

Lighting 102: Unidad 7.1 - Flash Zoom y Stone Soup

2008-09-03T12:18:00.001+02:00

El término "stone soup" no tiene traducción directa al castellano. Hace referencia aun cuento de los hemanos Grimm cuya moraleja es la cooperación en tiempos de escasez. He preferído dejar la expresión sin traducir. Para más detalles sobre este término se puede consultar la wikipedia

Si recordáis el último artículo del Lighting 102, en él hablamos del movimiento, la rotación y la difusión selectiva como formas de modificar la imagen después de que el flash se haya disparado, pero antes de que se cierre el obturador.

La cuarta manipulación temporal que suelo introducir frecuentemente en mis imágenes es hacer zoom durante la exposición extra. Y el mes pasado, me saqué este truco del ~~cu...~~ sombrero durante la sesión "stone soup" en NYC.

Habiendo lanzado el desafío de que un fotógrafo local me buscase un sujeto y un lugar para fotografiarlo, al principio estaba un poco desilusionado con la respuesta obtenida. Quiero decir, se trataba de Nueva York, por amor de Dios. Debía estar ocurriendo algo interesante por allí.

Entonces apareció Tim Herzog que no tenía una idea, sino cuatro ideas diferentes. Su estrategia: lanzarlo todo contra la pared y ver lo que se quedaba pegado.

Lo que se quedó pegado fue una invitación para subir al tejado de uno de esos impresionantes edificios de apartamentos en Upper West Side con unas vistas magníficas sobre Central Park. No era un mal escenario, ya sabes, si tienes que tratar con la plebe... Aquí tenéis la vista, en dirección noroeste, justo después de que se pusiese el Sol. Es un panorama de cinco fotos hechas con la D300 y pegadas con el CS3 (Gracias por el truco de la panorámica sencilla, Ben!)

Si no te corroe la envidia, puedes pulsar sobre la imagen para verla en todo su esplendor. Michael (quien nos dejó subir a su tejado) permanecía a nuestro lado, disfrutando las vistas, con la serenidad de alguien que ha elegido un sitio tan acojonante para vivir.

Timothy, nuestro gracioso anfitrión, también había traído al marionetista Patrick Zung como modelo. Y Patrick no es uno de esos marionetistas que hace muñequitos de trapo. El fabrica esos muñecos que se usan para las películas de "stop-motion". Las articulaciones estaban hechas con bolas de billar -- genial. Era impresionante y un tanto escalofriante al mismo tiempo. Como algo salido de la película I.A.

La vista era impresionante. Pero logísticamente, sabía que la foto iba a ser complicada. El parque se oscureció completamente nada más ponerse el Sol. Y los edificios del Midtown, junto con el perfil de los tejados, nos obligaba a fotografiar en una dirección en la que era difícil coger buenas luces en la imagen a menos que nos apretujásemos contra el borde.

Tampoco teníamos ningún modo de iluminar fácilmente el lado más alejado de la imagen. A menos que tuviésemos un soporte para luces de 100m. O Spiderman.

Así, que a medida que la luz empezó a bajar de intensidad, iluminé a Patrick y a su amigo con un SB-800 en un paraguas (a la derecha de la cámara), mientras en secreto deseaba haber invitado a Peter Parker a la sesión. Realmente necesitábamos esa luz al otro lado para separar el fondo.

A medida que nuestra luz ambiente seguía cayendo, añadí un par de luces de acento para modelar a nuestros sujetos.

Como podéis ver, una venía desde atrás del modelo, a la derecha de la cámara y la otra desde debajo de la marioneta. Esas luces ayudaban a dar un aspecto más tridimensional a nuestros muchachos. Ambos flashes estaban filtrados con un 1/2 CTO y un verde fluorescente, que combinados dan un aspecto muy similar a las luces de vapor de sodio. Al menos, el aspecto que esas luces presentan al ojo desnudo, que no a la cámara. Era lo más lógico. Una luz blanca directa hubiese parecido extraña y artificiosa en este contexto.

Disparando a manu alzada con un 70-200/2.8, la luz ambiente estaba cayendo rápidamente. No había manera de separar la camisa negra de Patrick sin una luz por la derecha y la cosa se oscurecía segundo a segundo.

En cuanto la velocidad de disparo empezó a ponerse interesante (~1/4sec) empecé a mover el zoom a medida que disparaba. Esto me daba otro aspecto para las luces -- y una composición más abstracta para la foto. De repente el entorno no tenía porque ser un tejado de Nueva York. Era un fantasmagórico y extraño ambiente que encajaba bastante bien con el estilo futurista de la marioneta.

Así que decidimos que la camisa negra se pusiese completamente oscura y confiar en las luces de la ciudad dibujadas por el zoom como único elemento de separación. (Podía variar la intensidad de esas luces bajando la velocidad de disparo). Me gusto el efecto que el zoom le daba al fondo. Y la luz que iluminaba desde debajo a Patrick y la marioneta, también creaba algunas figuras interesantes. Por si no os habéis fijado, la figura que aparece sobre la camisa viene de la luz que ilumina desde detrás a la derecha.

Es importante que el nivel de luz sobre Patrick fuese menor que en el fondo. Si no fuese así, habría creado imágenes fantasmas durante la exposición sin flash. Teníamos luces de posición de vapor de sodio, que tapamos con unos trozos de espuma negra que siempre llevo en mi mochila. Simplemente los sujetamos con unas pinzas alrededor de la luz.

Podría haber usado a Tim como gobo, pero ya estaba trabajando como mi soporte-activado-por-la-voz para la luz de la derecha. Aún a salido algo de imagen fantasma sobre Patrick, pero creo que es tan poca que ayuda a crear un look abstracto para la imagen.

Otra cosa sobre el zoom -- empieza a moverlo (de gran angular a tele en este caso) antes de pulsar el disparador. Eso genera un movimiento más suave, sin los saltitos que te saldrían si no lo hicieses así.

Las últimas imágenes están hechas a f/2.8, ISO400 con velocidades de un segundo. Cuando se hace tan oscuro, es hora de llamarlo "noche". Además, en ese momento conviene que haya algo de comida involucrada.

En Nueva York, nunca estás a más de cinco minutos andando de una buena comida. Y allí nos llevo Tim.

Siguiente: Tiempo embotellado

Lighting 102: Unidad 7.0 - Variables temporales

2008-09-01T18:53:00.001+02:00

Hace algún tiempo, hablamos de que se puede equilibrar la exposición del flash y la producida por la luz ambiente dejando el obturador abierto el tiempo suficiente.

Pero durante ese tiempo, en que la luz ambiente está "quemando" su porción de la imagen, podemos hacer un montón de cosas para añadirle interés a nuestra foto. Y esto es precisamente a lo que vamos a dedicar la última unidad del Lighting 102...

La belleza de modificar la configuración de tu cámara, la focal o la posición durante una exposición que combina flashes con luz ambiente, es que puedes mezclar dos circunstancias completamente distintas en una única imagen. Es una especie de Photoshop-en-la-cámara, con un bonito componente aleatorio añadido.

Hoy simplemente voy a dar un repaso a algunas de las formas en las que puedes manipular la imagen durante esa larga exposición ambiental y os enseñaré los resultados finales.

Flash y desplazamientos

Para esta imagen de un soldado en los bosques cercanos al Ft. Meade en Maryland, basé mi exposición en el nivel de luz ambiental. El primer valor escogido fue la velocidad de obturación. Elegí la que me permitía crear el mejor efecto de desplazamiento.

Una vez escogida esta velocidad, el obtener una exposición correcta nos da la apertura necesaria. Ahora ya solo tenemos que ajustar la potencia del flash para iluminar correctamente la cara de Robert.

Así que ¿para que utilizar un flash?

Primero, porque nos añade un buen margen de seguridad al desplazamiento. Puesto que el flash se dispara instantáneamente, congela a nuestro sujeto. Esta técnica funciona mucho mejor si el fondo es brillante. Como estás calculando la exposición para el fondo, el sujeto quedará oscuro -- perfecto para ser congelado por el flash sin ninguna imagen fantasma por encima.

Segundo, te permite controlar la exposición de tu sujeto con respecto al fondo. Una vez iluminado, podría haber bajado o subido el brillo del fondo sin afectar al rango de tonos de la cara de Robert.

(Puedes encontrar más detalles sobre como hice esta foto en este artículo)

Para esta imagen de un recién llegado artista del hip hop, dediqué algunas imágenes a generar el efecto de desplazamiento, pese a que él no se estaba moviendo en absoluto. Este encargo parecía estar gafado desde el principio, así que estaba improvisando a ver si lo salvaba.

(Se que es una perversión mía, pero disfruto en situaciones como esta. Siempre que no se den muy a menudo, claro)

La imagen anterior es estática y en esta versión me dedique a mover la cámara en horizontal. El rapero (que actúa como "Bossman"), acababa de firmar su primer contrato con una discográfica y su ego estaba por las nubes.

Estoy seguro de que se merece estar rodeado continuamente por una docena de esas preciosidades bailarinas de la MTV. Y pese a todo, fue lo suficientemente enrollado, como para malgastar su tiempo en posar para la foto de cabecera de la sección de novedades de un periodicucho local. Así que (una vez lo conseguí arrastrar fuera de su sala de estar) cualquier cosa que quisiese probar para añadir variedad, tendría que hacerlo sin cambiar el montaje.

Pero incluso cuando trabajo sin tiempo, siempre intento quemar algunos segundos probando algo diferente, a ver como queda. Y aunque en este caso la cosa no fue demasiado bien (nos quedamos con la versión estática), el punto interesante es que un cambio en la velocidad del obturador y un movimiento en la cámara puede darte un segundo look para la imagen -- sin malgastar ni un segundo más del precioso tiempo de Su Majestad.

(Puedes leer más sobre esta sesión tan desgraciada en este artículo)

Vamos a girar como posesos

Otro modo de añadir una capa de abstracción es girar la cámara durante la exposición con flash. Cuando utilizo una compacta con su flash integrado, este es a veces, el único modo de mejorar la imagen.

En esta imagen de Danny Ngan, humillando a Chase Jarvis en el Guitar Hero, la rotación de la cámara me ayudó a crear un fondo algo más abstracto.

______________

Ya estés moviendo la cámara, o girándola, debes comenzar el movimiento antes de apretar el disparador. De ese modo el efecto será suave, sin los saltitos que aparecen si te esperas a apretar el disparador antes de empezar el movimiento.

Como antes, este efecto funciona mejor si el fondo es más brillante que tu sujeto.

Una situación difusa

Usar el tiempo como variable en una exposición con flash no implica necesariamente mover la cámara. Puedes exponer un tiempo de la imagen directamente y otra con un difusor. O con un filtro. O de ambas formas.

En el encargo "Winter Book Club" que se puede ver en esta imagen, empecé la exposición disparando un flash con filtro azul desde detrás de la imagen, con unas ocho capas de plástico sobre la lente de la cámara. Luego quité ese plástico y terminé la exposición pintando desde delante con un SB-800 equipado con un filtro CTO.

Todo esto debe realizarse, evidentemente, en una habitación completamente oscura, o de lo contrario entrará luz ambiente no deseada, cargándose la escena. De nuevo hay un artículo detallando como se hizo esta imagen aquí.

En estos momentos, ya debes empezar a tener ideas sobre como puedes usar el tiempo para manipular tus imágenes mientras estas se están registrando en la cámara. Podrías, por ejemplo iluminar a alguien contra un atardecer, y desenfocar la cámara durante la porción de luz ambiente. Evidentemente si necesitas mantener las dos porciones de la imagen alineadas, es imprescindible emplear un trípode.

Siguiente: Flash Zoom y Stone Soup

Una imagen más del encargo de los CTO

2008-07-10T21:09:00.001+02:00

Por alguna extraña razón, esta foto no aparece en la búsqueda de Flickr. Pero por suerte, un lector me la ha mostrado en los comentarios.

Mi reconocimiento a The Light Whisperer por esta magnífica foto de geles cruzados y luz rebotada.

Veamos que nos dice el autor sobre ella:

"F8 - 1/2 segundo. La cámara con el balance de blancos en incandescente. Dos flashes, a la izquierda, fuera de la ventana, uno sin ningún gel para simular la luz de la luna, un segundo flash en el pasillo fuera de la habitación a la derecha con un gel naranja fuerte. La exposición de 1/2 segundo dejó que la lampara de aceite iluminase pare de la escena"

Muy "cool" y al mismo tiempo, muy cálida.

Haz click en la imagen para verla más grande. El autor, también ha colgado un diagrama del montaje con algunas notas.

Siguiente: Las variables temporales

Lighting 102: CTO Assignment | Discusión

2008-07-10T20:58:00.001+02:00

Este es el resultado del encargo del 3 de Junio, en el que os pedía que usaseis un filtro CTO para hacer algo más que corregir la luz del flash para equilibrarla con incandescente. El CTO es seguramente el filtro de corrección de color más útil, como queda demostrado tras ver las fotos de los lectores.

Liderando el grupo tenemos a _JRP_ que a utilizado un CTO para crear este look nocturno.

Si mis dotes para entender el español e interpretar la luz funcionan, ha utilizado un Canon 420EZ a la izquierda, con un snoot y sin filtro. Además de eso puso un Vivitar 285 con otro snoot y un CTO para iluminar la cara del bebé.

Al configurar la cámara con balance de blancos incandescente, el flash frontal se transforma en luz blanca y el trasero se va hacia el azul. En conjunto, a mi me parece que la imagen evoca muy bien una escena nocturna.

Nota del traductor: me alegra mucho, que por fin un miembro del grupo en español tenga una imagen seleccionada por David. Felicidades!

Greg Cee ha empleado un montaje similar, pero a añadido otro 1/2 CTO al haz de luz que viene de la derecha.

Esto es importante, puesto que lleva la luz más allá del blanco, hacia los tonos cálidos, lo que viene muy bien cuando pretendes hacerlo resaltar sobre los azules provocados por el balance de blancos incandescente y la luz blanca.

La luz de relleno proviene de un paraguas, sin gel, y apuntando hacia arriba para reducir su intensidad en la zona inferior de la imagen.

Moraleja: Si estas intentando generar este cambio de clave, con un CTO en el flash, sobrepasa el equilibrio, bien con 2 CTO o por lo menos con 1.5 CTO para obtener esa luz cálida sobre luz fría que generalmente tiene mejor aspecto que luz blanca, sobre luz fría.

¿Que día del año puedes enterrar a tu hijo con espagueti sin meterte en líos?

El día del padre, por supuesto. Especialmente si es tu primer día del padre, que fue precisamente cuando Brad Herman decidió reproducir una foto que había visto hacía mucho tiempo, esta vez empleando a su propio hijo como modelo.

Brad a usado una paleta de colores neutros a cálidos: un CTO completo sobre los espagueti, 1/2 CTO a través del árbol para el fondo, y un flash sin gel para la luz de contorno.

Esta última, asumiendo que el WB es incandescente, pero mirando con detenimiento, no estoy tan seguro. La razón es que el CTO completo de la iluminación delantera, se ve muy cálido para ser un CTO con WB incandescente. Y la luz de borde tampoco parece estar coloreada con un CTB.

Me imagino, que o bien corrigió el WB un poco, o bien desplazó el color un poco en el postprocesado. Quizas Brad nos está dando alguna pista con el título de la foto.

De cualquier modo, este es el tipo de foto que hace que alguien coja el teléfono y llame a su contacto en la agencia de modelos infantiles. O al que tiene en Servicios Sociales. Confiamos con que después de la foto, tocase un baño.

También con la técnica del 1+1/2 CTO con balance de blancos incandescente, tenemos a jgentsch, lo que le permitió, no solo tener un azul mucho más profundo en el cielo, sino además tener una luz cálida en las flores y la ventana que contrasta perfectamente con el cielo.

Muchas gracias por la imagen del montaje. Siempre es útil poder ver como se ha hecho la foto. Aunque en la foto original, ya se ve parte del montaje, en la ventana a la izquierda de la cámara...

Shutter-Think decidió saltarse el balance de blancos en incandescente y generar una imagen mucho más cálida de una mujer practicando yoga.

Para lograr esto, fue en sentido contrario, poniendo el balance de blancos en sombra. Medio gel azul (CTB) en la luz principal, la lleva de nuevo hacia el blanco.

Pero capturó un montón de luz cálida de relleno, que proviene de otro flash con un CTO completo, que aparece aún más cálido gracias al balance de blancos en sombra de la cámara.

Recuerda que con la combinación de CTO y CTB parciales y completos tienes a tu disposición un gran rango de opciones para el balance de blancos de la cámara. Y puedes hacerlo con la iluminación general de toda la imagen, o localmente desplazando cada luz y restringiéndola con snoots

Para terminar, este auto retrato de nikonboy, le da completamente la vuelta a la escala frio/calido empleando un CTO en la luz frontal, una luz azul para el fondo y usando luz diurna para el relleno.

El WB de la cámara estaba fijado en tungsteno, lo que desplazó todo hacia los azules.

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Como grupo, estas fotos, son una magnifica muestra de los aspectos diferentes que se pueden obtener usando un par de hojas de acetato anaranjadas, una vez te das cuenta de que son bastante más últiles que usados como meros correctores de color.

Muy buen trabajo, chicos. Se puede ver el encargo original aquí y todas las imágenes presentadas en este enlace.

Siguiente: Una foto más del encargo de los CTO

Lighting 102: Assignment | Pon a trabajar el CTO

2008-06-03T11:15:00.001+02:00

Ya hemos hablado del uso principal de gel CTO -- equilibrar el color del flash, que por si solo está equilibrado a la luz solar, a las luces incandescentes. En una habitación iluminada por tungsteno, pones un CTO en el flash, pones el balance de blancos en incandescente y ya lo tienes todo hecho.

Pero el CTO es tan útil, se le puede sacar tanto partido que no podemos pararnos just ahora...

Sobrecargando el CTO

En la foto de arriba puedes ver a Shadi, quien tiene un aspecto tan impresionante que fue una distracción para las señoritas del curso intermedio de Dubai tan arrebatadora que tuvimos que salir al exterior para disimular el hecho de que las estaba poniendo un poco calientes.

Y tan calientes. En Dubai hace unos 70 grados a la sombra al medio día. Pero todo ese calor elimina todo el color del cielo. Llamar a ese cielo, una neblina grisacea es hcerle un flaco favor al gris.

Pero eso no nos impidió obtener un retrato causal de Shadi con un bonito cielo azul. Teníamos que ser rápidos -- la gente generalmente estalla en una llamarada tras estar más de cinco minutos en el exterior a esas horas del día. Así que para este retrato de Shadi, salimos fuera con tres SB-800, colocados en sus pies para un esquema triangular.

Para obtener ese azul, puse el balance de blancos de la cámara en incandescente, pese a que estábamos disparando en un ambiente de luz diurna. Ese balance de blancos, "arregla" la iluminación con tungsteno, simplemente metiéndole una gran dominante azul. Y ahí nuestro recién encontrado color de fondo.

Los flashes traseros no llevaban ningún gel. Les dejé meter una luz de contorno azulada para acentuar los fibrosos músculos que definen la nuca de Shadi. Señoritas, deberían sentarse o tomar un vaso de agua antes de continuar.

Pero observar con detalle esa región, porque es donde se puede apreciar el tipo de luz que te proporciona un flash sin gel y el balance de blancos en tungsteno. Se aprecia mucho mejor observando la foto en grande.

Para iluminar el rostro de Shadi, tenía que llevar la luz del flash a un color que fuese apropiado en este nuevo entorno de balance de blancos incandescente. Así que lo calenté un poco con un CTO, llevándolo a un color "correcto" para esta configuración de la cámara. De hecho, un pequeño trozo de acetato naranja es todo lo que he necesitado para transformar todo el entorno en azul.

Bueno, en realidad dos trozos, pues le añadí otro 1/2 CTO para llevar el flash un poco más lejos de "correcto" y tener una tonalidad más cálida en el rostro de Shadi para que contrastase contra el cielo azul. Este es un truco magnífico para un día con una luz horrible (o para un atardecer con cielo poco atractivo), cuando necesitas crear cierta atmósfera. Lo he usado tanto para fotografiar comida y como para retratos melancólicos.

Puedes observar que también he subexpuesto el ambiente unos cuantos pasos para saturar aún más el color. No es suficiente con cambiarlo de color, es necesario bajarlo de intensidad. Podríamos haber calentado también las luces de contorno, pero me gusta el aspecto acerado de ese contorno azul. Especialmente para un hombre que transpira confianza, como es el caso de Shadi.

También puedes aplicar este truco en interiores, con la luz diurna entrando por las ventanas.

Apunté en mi lista de favoritos esta foto, hace bastante tiempo, simplemente porque me gustaba mucho. Resulta que también está hecha en Dubai por Sid Siva (también conocido como WonderVAL), con quien estaría fotografiando en el desierto de los Emiratos Árabes Unidos unas semanas después. Que pequeño que es el mundo!

Sid empleó exactamente la misma técnica de desplazamiento de color para este retrato de negocios. La cámara puesta en incandescente. Baja la exposición hasta que el color del fondo está suficientemente saturado y añade algo de luz coloreada con un CTO donde resulta necesario.

Bien por Sid.

Te estás poniendo caliente... caliente...

Así que el asunto del CTO (y de otro 1/2 CTO) son mis herramientas cuando necesito un fondo en un día sin color. Pero he ido viendo en el foro de Flicker algunos ejemplos que me hacen querer usar los CTO en más situaciones.

Mira por ejemplo, esta foto de escalada de Dr. Benny. Esta foto mola. Simplemente pon un CTO con el balance de blancos puesto en diurno. El CTO te da la luz familiar de una bombilla -- o ese destello de luz dorada al atardecer, cuando empieza a esconderse el sol.

Esa mancha de luz, es la que realmente le da todo el valor a la foto. Justo un ultimo haz de Sol pasando por un agujero en las rocas de la derecha. Excepto que si te fijas, la luz solar realmente viene desde arriba y es bastante blanca. La luz cruzada que ha obtenido es preciosa.

Piensa un momento en el balance de blancos mientras observas esta foto. Lo que la hace destacar es donde ha decidido exponer la luz ambiente El Doctor, antes de añadir el flash con el CTO. Ha expuesto para las altas luces, dejando que las rocas se oscureciesen y entonces las ha levantado de nuevo con el flash filtrado con el CTO.

Perfecto.

Y esta foto, votada por mi como "La Foto que Probablemente Copiaré" del mes. Mazzapix ha mezclado algo de luz CTO (con un panel de abeja de pajitas) con la luz directa de otro flash sin filtro en una toma con el balance de blancos puesto en luz diurna, y ha hecho un rápido test para un retrato que realmente parece una cartelera de película.

De eso es de lo que estoy hablando.

Seguramente te dará la impresión de que me excito bastante cuando hablo de geles. ¿Y por que no?. Todas estas fotos están hechas gracias a la ayuda de esos pequeños trozos de acetato anaranjado. Y puedes obtener incluso muestras gratis. ¿Como no te van a gustar?

Tu Turno

Hace bastante tiempo que no hacemos un Assignment en el Lighting 102, así que ha llegado el momento de desempolvar las cámaras.

En esta ocasión vas a usar un CTO en cualquiera de los dos modos descritos arriba -- ambos son "rompedores de reglas", si quieres considerarlos así. O bien haces lo del balance de blancos en tungsteno en pleno día, o bien añades luz CTO en un balance de blancos diurno para resaltar algo.

El sujeto lo dejo abierto, con lo cual ya os veo jugando con ositos de peluche, maniquíes o huevos (por favor, por favor, que no sea de nuevo un huevo). Pero otros seguro que usáis esta oportunidad para poneos a prueba. Y ya sabéis que yo vivo probandome continuamente.

Este es el Trato

Para este assignment, las etiquetas deben ser:

Strobist
Lighting102 (una única palabra)
WorkThatCTO (de nuevo sin espacios)

Puedes ver todas las fotos presentadas a este encargo en este enlace. Y seguir la discusión en inglés y en castellano.

La fecha límite es el 24 de Junio.

Siguiente: Resultados de "Pon a Trabajar el CTO"

Novedad: Strobist Lighting DVDs

2008-05-28T08:28:00.001+02:00

Lo que empezó el verano pasado, como una idea sobre un par de deliciosos burritos Chiplote es ahora una realidad: El seminario de iluminación de Strobist está disponible en DVD.

Sigue leyendo para descubrir en que consiste, si pude adaptarse a tus necesidades o no y como obtenerlo.

Antes que nada, muchas gracias a todos los que me habéis apoyado o habéis demostrado interés por este proyecto en los últimos meses -- y sobre todo a aquellos que me habéis ayudado con el proyecto. Si, todo cuesta más tiempo del esperado. pero al final, creo que hemos acabado creando algo que puede ayudar mucho a la formación de mucha gente.

Nota: a lo largo del artículo he puesto varias fotos que fueron hechas para el DVD. Puedes ver algunas más en esta página

Antes de explicar lo que es, mejor empiezo por decir lo que no es.

Primero, no es nada sofisticado. No se trata de un trabajo en estudio publicitario purista, porque (a) no es mi estilo y (b) ese no es el modo en que las cosas ocurren en el mundo real. O al menos en el mío.

Siendo un proyecto autofinanciado, nos enfrentábamos continuamente a una serie de serias decisiones y prioridades. Para cada elección que se ha tenido que hacer entre contenido o acabado pijotero, hemos elegido el contenido.

Básicamente salíamos fuera y nos dedicábamos a rodar mientras fotografiábamos. No podía haber sido más casual. Si hacía calor, nos vestíamos acorde. O incluso nos desnudábamos.

Rochelle, arriba a la izquierda, disfrutó de una magnífica piscina fría para esta foto. Mientras tanto, yo me derretía en la humedad sofocante y la luz amarillento verdosa de las luces de vapor de sodio.

Un mal día con camiseta y bermudas es mucho mejor que un buen día trajeado, como siempre digo.

Durante las sesiones llevaba micrófono (para mejorar el audio) y en las secuencias se van intercalando imágenes estáticas a medida que las voy disparando. Decidimos que rodar en alta definición nos generaría demasiados terabytes de datos para procesar. Así que elegimos el tradicional DV para poder procesarlo todo más fácilmente.

Al final, el aspecto logrado está mas cerca de una película casera que de un video profesional de alta calidad. Pero el resultado neto es que hemos sido capaces de incluir muchas más situaciones con los mismos medios. Además de esto, mi cara es una de esas que se benefician de la baja resolución.

Empezamos con la idea de crear un DVD de dos horas e intentamos condensar todo lo que pudimos en ese DVD. Cuando hemos acabado, hemos logrado dejarlo en solo ocho DVDs y diez horas de contenido. El precio son $139.00 (y si te encuentras fuera de los EEUU es cada día que pasa más barato, a medida que el dolar se va depreciando...)

¿Que hay en los DVDs?

El primer disco trata sobre el equipo utilizado para la iluminación -- lo que necesitas, como funciona, las opciones de sincronización. etc. Este es obligatorio para todo aquel que empiece a verlo sin haber leído antes el Lighting 101.

Los discos del dos al cinco, provienen de un seminario de iluminación que impartí en Columbia MD, el pasado mes de Septiembre. Un grupo de gente muy maja, arrastró sus culos fuera de la cama un domingo tempranito (no tengo claro que Kate, el buho nocturno, se hubiese despertado del todo después de comer) y hablamos de iluminación e hicimos fotos durante todo el día.

El formato es similar a los seminarios que he estado dando en salas de conferencias de hoteles durante los dos últimos años. Mirando la sesión de la mañana, se puede ver como estaba preocupado de plasmar en película la sesión de todo el día. Pero para el medio día ya me había olvidado de todo y simplemente me estaba divirtiendo.

(La foto del seminario es de David Hoffman. Se pueden ver más fotos aquí)

Como es habitual en este formato, por la mañana fue la teoría (en formato Lighting 102) y después de comer realizamos la sesión práctica. La foto de la izquierda es de esa sesión.

Como ejemplo, he subido un trocito de diez minutos de como realicé esta foto:

Este es un ejemplo típico de como se desarrolla un seminario, y de como voy haciendo y comentando las fotos. Intento utilizar los elementos que me ofrece el entorno (en general no demasiado) e improviso diferentes técnicas de iluminación. Este, como el resto de los DVDs está regido por la técnica y diseñado para mostrar como aplicar diferentes modos de iluminación utilizando flashes pequeños.

Hicimos muchas fotos esa tarde, pero no tuvimos ni el tiempo ni el entorno adecuados para hacer todas las fotos que quería enseñar.

Así que el resto de los DVDs (del seis al ocho) son una serie de nueve sesiones in situ, en las cuales sigo utilizando el micro y voy mostrando las fotos a medida que las hago.

Hice retratos solo de rostros, retratos en interiores y en exteriores -- incluso una foto de grupo de once personas en una habitación que puede describirse como cámara de tortura para flashes pequeños.

También decidí hacer algo que como fotógrafo es difícil de aceptar -- dejar la cámara grabando mientras cometía errores e intentaba solucionarlos. A veces eso no es nada agradable. Pero creo que es un buen modo de aprender, no solo el manejo de la cámara, sino como desenvolverse cuando los enanos empiezan a crecerte entre los pies.

También hemos decidido airearlos. En lugar de editar lo más destacado, creo que es interesante ver el flujo de trabajo completo, hasta el punto que ha sido posible (Hubiese sido mejor si yo fuese una atractiva y alta supermodelo. Pero he intentado compensarlo con chistes malos).

Algunos de los problemas a los que nos enfrentamos eran penosamente evidentes y protestados profusamente -- my plan de rebotar las luces para la foto de grupo se evaporaron cuando el techo resultó estar a 10 metros de altura y estar recubierto de paneles de madera oscura. Ah y con un fondo curvo de madera oscura también. Si, muy oscura.

Pero esto es lo que te encuentras a menudo. Y creo que ser capaz de improvisar en estas situaciones y encontrar soluciones al problema es una habilidad que es importante dominar.

Hicimos fotos en salas de conferencias, en canchas, en gimnasios, en halls abarrotados -- como el caso del aprendiz de kendo de la izquierda (¿Como podría rebajar ese fondo rojo?)

Una de las cosas que más me gusta de la fotografía es resolver las limitaciones de tu entorno de trabajo. Nunca pusimos el pié en un estudio. Estos DVDs no van sobre equipo caro y/o sofisticado. Demonios, si incluso hicimos una de las sesiones con una Canon G7.

Pero algunos de los problemas fueron más sutiles y/o de naturaleza personal. Los reconocerás también y verás como los resolvimos -- incluso aunque no nos sentimos cómodos al comentarlo en voz alta en aquel momento.

¿A quién van dirigidos?

Por supuesto, muchos de los profesionales leyendo esto pueden mirar todas las estas fotos y decir "bien, yo puedo hacer esto". Y me parece magnífico. Pero es muy fácil olvidar cuando todos nosotros empezamos en esto.

Para que sirva de referencia, cuando escribo en el blog, lo hago pensando en mi mismo cuando era un profesional novato de 22 años. Yo diría que estos DVDs se encuentran en el nivel del aficionado avanzado. Especialmente para todos aquellos a los que les resulta más fácil aprender viendo a alguien haciendo las cosas -- y oyéndolo pensar en voz alta mientras lo hace.

Pese a todas las cosas buenas que tiene la fotografía, también las tiene malas. Una de las peores es que generalmente solo fotografiamos para nosotros mismos. Nunca tenemos la oportunidad de ver el modo de trabajo de otros. Por suerte todo esto está cambiando con la web. Y yo estoy intentando ayudar a este cambio, aunque solo sea en parte con este proyecto.

Es importante destacar que no descubro ningún gran secreto sobre la iluminación en estos DVDs. Trabajábamos todos los días con el mismo equipo y con las mismas leyes naturales. Y si eres lector habitual del blog desde su inicio, prácticamente todo el material te será familiar -- aunque todas las fotos son nuevas y hechas especialmente para el proyecto.

Pero para mucha gente, creo que ver todo el proceso de creación es un buen modo de aprender. Y espero que ver como se hacen será bueno para todos aquellos que silenciosamente vais haciendo vuestras pruebas pero que os sentís incómodos mostrándolas públicamente en Flickr. Estoy especialmente interesado en ayudaos a dar el salto inicial.

Para los lectores fuera de los EEUU

Quiero destacar tres cosas. Primero, Midwest Photo (el primer sitio donde el set de DVDs estará disponible) hace envíos a todo el mundo. Y están reforzando su equipo para poder manejar rápidamente cualquier sobrecarga de pedidos que puedan recibir en los próximos días.

Segundo, el DVD está codificado como Región 0 (lo que significa, esencialmente, libre de regiones) y está en formato NTSC. Así que necesitas algún modo de reproducir DVDs NTSC (muchos reproductores son multiformato, así como la mayoría de portátiles). En un futuro cercano, no hay planes de editar versiones PAL o SECAM.

Por ultimo, para aquellos entendéis el ingles escrito mejor que el hablado, los DVDs llevan subtítulos en inglés. Así, que si puedes leer el blog original, seguramente eres capaz de entender los DVDs.

Por este ultimo punto (y en general por el resto del proyecto), debo dar las gracias a Bill Millios, un lector de Strobist desde hace mucho tiempo y mi colega en este proyecto. Gracias a su insistencia se han incluido subtítulos en los DVDs. Resulta que Bill tiene dificultades de audición, pero me vendió el asunto de los subtítulos utilizando otros muchos argumentos.

No se me había ocurrido a mi, pero creo que mucha más gente será capaz de entender los DVDs gracias a su idea. Hay más detalles sobre Bill en su web: Hopeland Studios.

Preguntas / Comentarios

He abierto un hilo sobre los DVDs en Flickr. Si tienes alguna pregunta o comentario sobre lo que vas viendo en los DVDs, por favor, publícala aquí. Esta vez, prefiero que se use ese hilo en lugar de los comentarios del blog porque resulta más cómodo de manejar.

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Los DVDs de Strobist Lighting están a la venta en Midwest Photo al precio de $139.00

He publicado otras fotos de los DVDs en esta página.

Es mejor hacerlo juntos

2008-05-16T09:47:00.001+02:00

Una de las reglas no escritas del strobismo es divertirse. Al fin y al cabo, si haces esto por afición es porque te divierte y si se trata de tu profesión... mejor que te ayude a pasar un buen rato.

Por eso, desde el momento en que el blog de David Hobby empezó a alcanzar un número suficiente de lectores se empezaron a organizar "quedadas" (meetups) en las que compartir las experiencias.

En Strobist en Español, ya hemos organizado algunos eventos, pero de momento solo en España. Algunos miembros del grupo, de habla hispana, pero residentes en otros lugares del globo han intentado por sus propios medios encontrar a sus compatriotas, para así poderse organizar en grupos locales para compartir esta afición.

He decidido empezar a publicar entradas en este blog que ayuden a divulgar la existencia de los mismos, y así que resulte más sencillo para todos localizar a los compatriotas interesados.

Así, que sin más dilación, cedo la palabra a LuisBriones:

Strobist en Argentina

Cuando tome la decisión de compara una cámara reflex digital, comencé a recorrer los foros para ver las opiniones de las cámaras que estaban a mi alcance. Por casualidad me encontré con el blog Strobist en Español del cual me hice adicto, lo mismo que de su blog madre, Strobist, así también como de los grupos de flickr en español e inglés.

La mayoría de los integrantes de Strobist en Español, son de España, pero poco a poco descubría gente de este lado del charco. Hice un hilo en flickr para que cada uno comentara de donde era y poco a poco comenzaron a surgir Argentinos y latinoamericanos.

Cuando tenia identificados a algunos se me ocurrió crear un grupo flickr para los seguidores de Strobist de Argentina que también quedaba abierto para los amigos de países limítrofes se sumara. En ese momento había muchas cosas que estaban pasando en el mundillo Strobist en ingles y español, como los famosos encuentros de Seattle y otros que nos bombardeaban con videos e imágenes; y también fue el exitoso encuentro en Madrid, que me llevo a pensar ¿Por qué no podemos hacerlo acá?

De esta manera nació el grupo Strobist en Argentina. Empezamos con 4 personas pero poco a poco hemos llegado a 30 miembros al momento de escribir estas líneas. Si bien es un grupo chico, de a poco va sumando gente y calculo que pronto llegaremos a tener la masa critica necesaria para empezar a hacer cosas acá.

Es por eso que aceptando la gentil invitación de Rafa para publicitar nuestro grupo en el blog Strobist en Español escribo estas líneas invitando a todos los seguidores de Strobist de Argentina y por que no a todo el que se quiera sumar a ser miembro de Strobist en Argentina.

Arroyomolinos, The Movie

2008-05-15T11:13:00.001+02:00

Online Videos by Veoh.com

Hace unas semanas, el pasado 12 de abril, impartí un cursillo de introducción a la técnica Strobist. Nos juntamos unas 40 personas en el Centro Cultural de Arroyomolinos, cerca de Madrid y durante cerca de 10 horas ~~di la paliza~~ expliqué a los asistentes los pormenores del Lighthing 101 y Lighting 102.

Algunos de los asistentes tuvieron la idea de traerse algunas cámaras de video y se dedicaron a grabar todo el seminario. Ahora tienen entre sus manos la ardua labor de editar esas más de 12 horas de video para producir algo digerible.

El grueso del trabajo, al parecer se lo está llevando Miguel García (_Dopp_ en Flickr) quien de momento ha publicado la primera parte del seminario. En este capítulo me dedico a establecer los fundamentos necesarios para el resto del cursillo. Básicamente recuerdo como funcionan los controles de la cámara (Sensibilidad, Apertura y Velocidad de disparo) y explico el esquivo concepto de la velocidad de sincronización.

En las próximas semanas, _Dopp_ irá publicando en su blog, El Cuarto Oscuro el resto de las entradas. Ya sabes, si no pudiste venir a Madrid y quieres ver como una pequeña tos matutina se transforma en una gripe completa a lo largo de una jornada, esta es tú oportunidad.

Lighting 102: Unidad 6.2 - Equilibrando con incandescentes

2008-05-13T16:33:00.001+02:00

En el último artículo de L102, hablamos sobre los problemas a los que nos enfrentamos cuando tenemos que usar filtros para equilibrar los flashes con la luz de los fluorescentes. Colorear los flashes para equilibrarlos con las luces incandescentes (tungsteno), genera problemas similares y al mismo tiempo diferentes.

Por suerte, las luces incandescentes son más sencillas -- y más tolerantes.

Ante todo, para compensar la luz de tungsteno, tenemos que usar los geles "TCO (Temperature Correction Orange), que son naranjas y convierten cualquier fuente de luz con un balance de luces diurno, en otra equilibrada con las bombillas incandescentes (tungsteno). Eso quiere decir que nuestro pequeño flash se ha transformado básicamente en una bombilla, al menos desde el punto de vista del color de la luz que emite.

Como te imaginas, esa luz es bastante naranja. Pero cuando estás trabajando en un entorno dominado por la luz incandescente, tienes que hacer que la luz del flash concuerde con esa tonalidad. Y un gel CTO en el flash, lo hace naranja, así que tanto la luz ambiente como la del flash concuerdan en color. Si pones el balance de blancos de la cámara en tungsteno (generalmente está indicado por un pequeño icono que representa una bombilla), se corrige la tonalidad naranja y de nuevo tienes tanto el ambiente como el flash como si proviniesen de la luz del Sol.

Excepto cuando no funciona. Y aquí empiezan los problemas.

Como ocurre con los fluorescentes, las bombillas incandescentes a veces no tienen el color "correcto". De hecho, el color de las bombillas incandescentes puede cambiar radicalmente de un instante a otro.

¿Como? Bajándoles la intensidad.

Si no me crees, bájale la intensidad a una luz incandescente en una habitación iluminada solo por esa bombilla. Fíjate como cada vez es más rojiza. Se pone prácticamente de un rojo puro justo antes de apagarse.

Consejo: Si tienes que fotografiar en una habitación con luces de tungsteno atenuadas, intenta primero que nada, subir la potencia al máximo. Tendrás un nivel de luz ambiental más alto -- más sencillo de equilibrar con los flashes. Y de un color más acorde con el balance de blancos de tungsteno -- más sencillo de compensar con un CTO.

Sabiendo esto, ya te deberías de haber dado cuenta de que nunca vas a poder equilibrar perfectamente los flashes con los tungstenos, utilizando solamente un CTO. Y aunque puedas hacerlo, seguramente no querrás.

Ante todo, como cuando hablamos de los fluorescentes, cuando corregimos el color con geles, debemos usar solo aquellos que podemos cancelar exactamente con el balance de color de nuestra cámara. Y un balance de color específico, ajustado a la iluminación ambiente de la escena no es demasiado útil, pues tendrías que calibrar tus geles y flashes con ese color específico para que los resultados fuesen perfectos.

Si fotografías habitualmente en la misma habitación, con el mismo color de luz ambiente extraño, igual te interesa prepararte un juego de geles que te permitan equilibrar los flashes con ese color. Una vez hecho eso, si que podrías usar un balance de blancos específico en la cámara (denominado habitualmente "custom"). Pero en general, hacer esto todos los días, para cada lugar donde tengas que disparar, es muy poco práctico.

Afortunadamente, los flashes con CTO y la luz de tungsteno combinan muy bien aunque no estén perfectamente equilibrados. La luz principal será generalmente tu flash con el CTO y por lo tanto perfectamente compensado por le balance de color de la cámara. Una vez hecho esto, puedes dejar que el ambiente generado por el tungsteno vaya donde tenga que ir.

En general no será perfecto, pero será mucho mejor que si no pones ningún gel en el flash. Y esa diferencia de color la puedes atenuar, dejando pasar la cantidad de luz ambiental que quieras, recordando que ese equilibrio de intensidades lo controla la velocidad de disparo. Bajando su intensidad (más EV de subexposición), incrementan su color. Así que puedes subirlo un poco de intensidad para suavizar las diferencias de color.

Para resumir, las malas noticias son que con las luces incandescentes tienes un problema con el color, en el que seguramente no habías pensado antes. Por contra, las buenas noticias son que aunque no consigas un equilibrio perfecto, no debes preocuparte, el resultado será agradable.

Una vez explicados el CTO y el verde ventana, el siguiente salto será algo divertido: desplazar la clave de color de la imagen.

Siguiente: Assignment - Pon a trabajar el CTO

Lighting 102: Unidad 6.1 - Equilibrando con fluorescentes

2008-05-06T16:45:00.001+02:00

A simple vista, los filtros para flashes, los geles, son un concepto muy simple. Pones un trozo de plástico coloreado delante del flash y la luz se emite con ese color. Pero aún así, es sorprendente todo lo que se puede hacer con este simple truco.

En este artículo, que será el primero de una serie de cuatro, vamos a ver el uso más habitual -- transformar el color de la luz de tu flash, para hacerlo coincidir con el color de la luz ambiental. Es lo que llamamos equilibrio de color.

La primera vez que nos encontramos con el asunto del equilibrio de color fue en el Lighting 101 donde hablé de los dos geles más habituales. El "verde ventana" (o "más verde") se emplea para hacer coincidir la luz del flash con la luz de los fluorescentes.

De forma similar, el gel "CTO", cambia el color de la luz del flash para hacerlo coincidir con la emitida por una lampara incandescente (también llamada tungsteno o sencillamente bombilla). Pero hoy vamos a hablar solo del pequeño gel verde. Como ahora mismo veréis, es lo suficientemente complicado como para merecerse su propio artículo.

Antiguamente, el convertir el flash en fluorescente era mucho más sencillo que hoy en día. Sin embargo, para simplificar la discusión, supongamos que aún vivimos en una situación en la que todos los fluorescentes son iguales. Al menos por el momento.

Tradicionalmente, la luz de los fluorescentes era verde. Aproximadamente 30 unidades de corrección de color (CC) de verde, para ser exactos. Así que colocando un gel verde ventana de 30cc en el flash, podías hacer que la luz de este fuese del mismo color que la ambiental.

Si tu ambiente es verde y el flash es verde, ya tienes el problema resuelto. Porque puedes corregir esta dominante verde, simplemente poniendo en la cámara el balance de color fluorescente y de nuevo todo es blanco. Esto funciona porque lo que hace el balance de color FL de tu cámara es añadir 33cc de magenta, lo que cancela el verde.

Tomemos como ejemplo esta imagen hecha hace un par de semanas en la Western Kentucky University, donde estuve dando clase a unos cuantos estudiantes de fotoperiodismo

(Lo siento Jeanie. Tú eres mi ejemplo más reciente)

Este estudio está iluminado por fluorescentes. En esta toma, iluminé a Jeanie con un SB-800 en un paraguas y el flash llevaba puesto un gel verde ventana. He bajado la velocidad de disparo para dejar que la iluminación ambiental llegue a generar una exposición apreciable.

Así que ya ves, el gel verde en el flash y el balance de color en fluorescente en la cámara consigue unos colores bastante cercanos a los correctos. Nada de esa dominante verdosa que aparece si te olvidas de poner el gel en el flash y la luz ambiental consigue colarse mostrando lo realmente fea que es la luz de los fluorescentes.

Una técnica sencilla ¿verdad?

Pero en la práctica hay dos pequeños detalles que hay que considerar. El primero es que en general las habitaciones presentan una mezcla de fluorescentes y luz diurna. Incluso quizás tengan además encendida alguna bombilla incandescente.

Además de eso, en la actualidad los fluorescentes que se fabrican ya no son solo verdes, sino que se extienden por una gran gama de colores. En realidad, actualmente los hay incluso más cálidos que el tungsteno.

Vamos a ver como resolver los problemas uno a uno.

Primero, al tratar con las múltiples fuentes, siento decirte que tendrás que elegir con cual de todas las tonalidades quieres quedarte y conformarte con equilibrar ese color. No te preocupes, es mejor de lo que parece. Mi primer truco, si hay suficiente luz diurna por la sala, es preguntar si puedo apagar los fluorescentes mientras hago la foto.

Si la luz diurna que se cuela es suficientemente intensa como para causarme problemas de balance de colores, entonces es más que suficiente como para emplearla como luz ambiente con los fluorescentes apagados. En ese caso no hace falta equilibrar nada -- simplemente usa el flash con la luz diurna.

Si esta solución no es posible, intentaría cerrar las persianas o las cortinas al máximo para limitar en lo posible la luz diurna. (Esta luz diurna aparecerá como una dominante magenta cuando equilibremos el color al fluorescente). Otra cosa que puedes hacer es alejarte todo lo que puedas de las ventanas, para limitar su influencia en la zona donde vas a fotografiar.

Si tienes una mezcla de luz diurna, fluorescentes e incandescentes, haz todo lo que puedas para eliminar la luz de los fluorescentes. Una vez echo eso, dispara con balance para luz diurna y sin geles sobre los flashes. Las incandescentes y la luz del día quedan muchísimo mejor que cualquier combinación de verde con lo que sea.

(Y si todo esto falla, espero que puedas usar la foto en B&N....)

En cuanto al segundo problema, en la actualidad los fluorescentes ya no son simplemente 30cc de verde. Y eso para nosotros es un problemón.

No hay ninguna solución adecuada a este problema. Lo importante es que tienes que contrarrestar cualquier desequilibrio en el color con el balance de blancos de la cámara. Eso quiere decir que aunque el fluorescente no sea exactamente 30cc verde, tienes que aprender a vivir con la diferencia. Simplemente pon un gel verde en el flash, pon el balance de blancos en la cámara a FL y sigue adelante. A veces la luz ambiental quedará un tanto rara, pero seguirá quedando mejor que si no pones ningún gel en el flash.

Para esos fluorescentes súper cálidos, esos que parecen una lámpara incandescente, en general los trato sencillamente como incandescentes. Pongo un gel CTO en el flash y el balance de blancos en tungsteno. Ya, la cosa no es perfecta, pero mejor que no poner nada en el flash. Y la región iluminada por el flash quedará muy bien.

¿Como puedes decidir de que lado del espectro queda el fluorescente? Lo más sencillo es hacer una toma exponiendo para la luz ambiental y mirando la pantalla. Si se ve verdoso, gel verde y balance en FL. Si se ve anaranjado, CTO y balance en tungsteno. Esta técnica también es útil cuando trabajas con luces de vapor (sodio, mercurio, etc).

Tu sujeto iluminado por el flash (en general la parte más importante de la imagen) quedará bien. La luz ambiente que consiga generar algo de exposición puede que esté un poco fuera. Pero ese es el precio que tenemos que pagar por tener 57 variedades de color en los tubos fluorescentes.

En el próximo capítulo nos dedicaremos a pelearnos con los CTO

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